Dari puisi Rusia paruh kedua abad ke-19. Perkembangan puisi pada paruh kedua abad ke-19
Setelah Pushkin dan Lermontov, puisi Rusia sepertinya membeku. Tidak dapat dikatakan bahwa bakat asli tidak muncul di dalamnya: Pleshcheev berbicara dengan puisi-puisi yang agresif dan menggugah, nada pemikiran yang dalam adalah ciri khas puisi-puisi terbaik Ogarev, lirik antologi penyair dan penerjemah Apollo Nikolaevich Maikov memiliki plastisitas dan keindahan yang luar biasa. Literatur termasuk N.A. Nekrasov, A.A. Fet, A.A. Grigoriev, Ya.P. Polonsky, A.K. Tolstoy. I.S. juga tidak meninggalkan pena puitis. Turgenev. Namun puisi berada dalam krisis. Para pembaca tidak lagi mengingat Tyutchev, mereka, seperti penerbit, tidak puas dengan penyair pada masa Pushkin - Baratynsky, Yazykov, Vyazemsky, yang terus menulis, mereka mendingin ke arah mantan filsuf kebijaksanaan. Bagi semua orang, bidang puisi tampak kosong, didominasi oleh bakat-bakat picik, peniru atau romantisme vulgar yang memperkosa.
tema-tema dan gambaran-gambaran lama dan mempertajam kesedihan para penyair sebelumnya. Dan meskipun Belinsky memuji puisi antologis A. Maikov, dan V. Maikov, seorang kritikus terkemuka pada pertengahan 40-an, berbicara dengan hangat tentang Pleshcheev, menyebutnya sebagai penyair pertama saat itu, otoritas kata puitis tetap saja memudar dan memudar, terutama dibandingkan dengan kesuksesan prosa yang cemerlang. Majalah hampir berhenti menerbitkan puisi.
Pada saat yang sama, awal kebangkitan sosial menuntut penyair untuk berpartisipasi aktif dalam pencarian kemungkinan makna dan formal baru dari kata untuk mengekspresikan pengalaman kompleks individu. Dan segera puisi, dan bukannya tanpa pengaruh prosa, menemukan dirinya kembali. Kebangkitan puisi, di mana Turgenev dan Nekrasov berkontribusi besar, menjadi fakta sejarah pada tahun 1850. Kemudian nama F. Tyutchev dikenang, nama-nama A. Fet, Ap. Grigoriev, Ya Polonsky. N. Nekrasov, penyair dari lingkarannya A. Pleshcheev, N. Ogarev, M. Mikhailov, N. Dobrolyubov, dan kemudian penulis Iskra V. Kurochkin, D. Minaev mengisi genre puitis dengan konten sosial topikal. Para satiris dan humoris memberikan kontribusi yang cukup besar pada pengembangan puisi, menundukkan kritik pedas pada motif yang sudah ketinggalan zaman dan dikompromikan, citra tanpa ekspresi. A.K. Tolstoy dan saudara-saudara Zhemchuzhnikov mengolok-olok keagungan romantis, keterpisahan dari kehidupan, ketidakjelasan, dan konvensi buku dari banyak penyair. Mereka membuat potret Kozma Prutkov, seorang pejabat penyair yang merambah kreativitas sastra.
Secara bertahap muncul dari krisis, puisi Rusia menguasai kehidupan kontemporer. Ciri perkembangannya di tahun 50-an dan tahun-tahun berikutnya adalah pendalaman realisme. Romantisme, tanpa melepaskan posisinya, memperhitungkan pencapaian prosa realistis, lirik realistis, tetapi masih condong ke pertanyaan "abadi". Puisi realistis, pada gilirannya, tidak menghindar dari "yang tinggi", tetapi ia muncul atas dasar hubungan sosial yang konkret antara manusia dengan dunia. Jadi, memasuki perselisihan, dengan sengaja mendorong satu sama lain, puisi romantis dan realistis tidak mengecualikan pemulihan hubungan, asimilasi prinsip yang berbeda, terkadang bertentangan. Waktunya telah tiba untuk kemenangan realisme. Indikasi dalam pengertian ini adalah evolusi Pleshcheev dan Ogarev, penulis lirik yang memulai cara kreatif dalam arus utama romantisme, tetapi secara bertahap hidup lebih lama dari ketidakjelasan karakteristik gambar mereka yang sebelumnya, ketidakjelasan mimpi dan bergegas ke ekspresi emosi yang akurat dan spesifik, ke yang ketat dan gaya sederhana, tanpa parafrase, pergantian bicara kutu buku, julukan dan metafora yang dilenyapkan.
Dan akhirnya, prinsip rakyat dalam puisi Rusia juga tidak luntur. Ia hidup tidak hanya dalam puisi Nekrasov, penulis lirik petani dan penulis demokratis, tetapi juga dalam puisi Tyutchev, Fet, Ap. Grigoriev, Polonsky, Maykov, A. Tolstoy.
Rusia puisi XIX abad telah mengalami dalam perkembangannya setidaknya tiga kebangkitan asli. Yang pertama, secara relatif, jatuh pada awal abad ini dan dibayangi oleh nama Pushkin. Lepas landas puitis lain yang telah lama dikenal jatuh pada pergantian dua abad - kesembilan belas dan kedua puluh - dan terutama dikaitkan dengan karya Alexander Blok. Akhirnya, yang ketiga, menurut seorang peneliti modern, "era puitis" adalah pertengahan abad ke-19, 60-an, meskipun dalam puisi apa yang disebut "enam puluhan" secara kronologis bergeser lebih nyata ke awal abad 50-an.
Puisi Rusia setelah Pushkin membawa prinsip-prinsip yang berlawanan, mengungkapkan peningkatan kompleksitas dan inkonsistensi kehidupan. Jelas ditunjuk dan terpolarisasi, dua arah berkembang: demokratis dan yang disebut "seni murni". Ketika kita berbicara tentang dua kubu puitis, kita harus mengingat keragaman besar dan kompleksitas hubungan baik di dalam masing-masing kubu dan dalam hubungan di antara mereka, terutama jika kita memperhitungkan evolusi kehidupan sosial dan sastra. Penyair "murni" menulis puisi sipil: dari tuduhan liberal (Ya. Polonsky) hingga pelindung reaksioner (A.P. Maikov). Para penyair-demokrat mengalami pengaruh tertentu (dan juga positif) dari para penyair "seni murni": Nikitin, misalnya, dalam liriknya tentang alam. Berkembangnya puisi satir terutama terkait dengan gerakan demokrasi. Namun demikian, "seni murni" mengedepankan sejumlah bakat satir utama: P. Shcherbina dan terutama A.K. Tolstoy, yang menulis banyak karya satir - baik independen maupun dalam kerangka kepenulisan kolektif, yang menciptakan Kozma Prutkov yang terkenal. Namun, secara umum, ada perbedaan yang cukup jelas antara gerakan puitis. Dalam konfrontasi dan konfrontasi antara dua kecenderungan ini, perjuangan sosial yang intensif sering dideklarasikan. Kutub mungkin bisa ditunjuk dengan dua nama: Nekrasov dan Fet. “Kedua penyair mulai menulis hampir pada saat yang bersamaan,” kata kritikus, “keduanya mengalami fase kehidupan sosial yang sama, keduanya membuat nama untuk diri mereka sendiri dalam sastra Rusia ... keduanya, akhirnya, berbeda jauh dari selusin bakat, dan untuk semua itu, dalam puisi hampir tidak ada kesamaan dalam aktivitas masing-masing.
Lebih sering di bawah sekolah Nekrasov- dan di sini kita sedang berbicara tentang sekolah seperti itu - yang mereka maksud adalah penyair tahun 50-an - 70-an, yang paling dekat secara ideologis dan artistik dengannya, yang secara langsung dipengaruhi oleh seorang penyair besar, bahkan secara organisasi bersatu pada dasarnya karena fakta bahwa sebagian besar dari mereka dikelompokkan di sekitar beberapa publikasi demokratis: Sovremennik karya Nekrasov, Russkoe Slovo, Iskra.
Tempat yang benar-benar luar biasa dalam penggambaran kehidupan rakyat ditempati oleh perwakilan terbesar dan paling berbakat dari sekolah Nekrasov - Ivan Savvich Nikitin (1824 - 1861). Karya-karya terbaiknya mewakili kreativitas independen dan orisinal dalam semangat sekolah Nekrasov.
Dalam puisi Rusia, yang kedua setengah dari XIX abad, perkembangan kehidupan rakyat, terutama petani, terjadi hampir secara eksklusif dalam kerangka arah Nekrasov.
Dalam lirik penyair Nekrasov, kami menemukan pahlawan baru - seorang pelayan publik, tugas sipil.
Puisi tahun 50-an, terutama di paruh kedua, juga menarik sebagai semacam persiapan untuk epik. Bahkan dalam lirik kali ini, banyak yang sebenarnya diwujudkan dalam epik tahun 60-an yang matang. Dan tidak hanya dalam puisi, tetapi juga dalam prosa epik. Kita berbicara tentang interaksi dan gema lirik dan prosa. Secara umum, interaksi ini sendiri menjadi lebih rumit. Puisi tahun 1940-an terkait erat dengan genre prosa kecil dari cerita dan terutama esai, misalnya, dalam ayat-ayat Nekrasov dan Turgenev. Fenomena ini juga terjadi pada 1950-an, baik dalam karya penyair sekolah Nekrasov (Nikitin) dan Polonsky Mei. Pada saat yang sama, proses diamati dalam lirik yang mendekati kompleksitas psikologi, organisasi plot liris ke novel. Ini sangat jelas dalam siklus puisi cinta.
Populis Revolusioner membuat puisi mereka sendiri, secara organik termasuk dalam gerakan sastra dekade ini. Dalam puisi tahun 70-an bertahun-tahun secara keseluruhan, dua arah masih hidup berdampingan: Nekrasov, sipil dan Fet, arah "seni murni", perjuangan di antara mereka telah meningkat secara signifikan. Deklarasi puitis dari masing-masing arah sengaja ditekankan dan diarahkan. Pada saat yang sama, masing-masing dari mereka mengungkapkan inkonsistensinya sendiri. "Seni Murni" memobilisasi kemungkinan batin puitisnya secara maksimal dan pada saat yang sama menghabiskannya (A.A. Dret, A.N. Maikov, A.K. Tolstoy). Puisi-puisi Nekrasov, yang menegaskan cita-cita luhur mengabdi kepada rakyat, pada saat yang sama mengalami kesulitan tersendiri dalam memadukan pathos kewarganegaraan dan psikologi. Di antara penyair-penyair yang tergabung dalam majalah Iskra, nada-nada humor yang berlaku pada tahun 1960-an digantikan dengan awal yang satir.
Memiliki kekhususan tertentu, puisi populis menyentuh, di samping itu, aspek-aspek gerakan dan kesadaran populis yang hampir tidak tersentuh oleh prosa populis. Merupakan ciri khas bahwa puisi liris muncul terutama di kalangan Narodnaya Volya. "Pergi ke rakyat", sebagaimana telah dicatat, memunculkan literatur propaganda; puisi di dalamnya diwakili terutama oleh lagu.
Aktivitas kaum Narodnik revolusioner tidak dapat dipisahkan dari puisi. Puisi mereka, pertama-tama, jurnalisme puitis. Mereka hampir secara sadar menentang diri mereka sendiri dengan penyair profesional.
Isi batin dan tugas utama puisi demokrasi tahun 70-an adalah "pembebasan dan pendidikan rakyat dalam semangat humanisme dan keadilan sosial". Tema ini adalah yang utama dalam karya-karya A.P. Barykova, I.V. Fedorov Omulevsky, A.F. Ivanov-Klassik, A.A. Olkhin, A.L. Borovikovsky, A. K. Scheller-Mikhailovsky dan lainnya Penyair Demokrat dicirikan oleh sikap khusus terhadap kata tersebut. “Dalam karya mereka, kata menjadi tindakan sipil, kelanjutan langsung dari aktivitas sosial. Kata dan konsep, kata dan perasaan menyatu dalam puisi para demokrat, tidak ada konfrontasi di antara mereka, yang akibatnya akan melahirkan nuansa semantik dan emosional tambahan. Di sini kecenderungan untuk mengekspos makna fundamental dan vital dari kata-kata berlaku.
Lirik populis revolusioner juga memiliki pahlawan lirisnya sendiri. Di dalam dirinya, dengan cara yang aneh, kesadaran akan nasib tragisnya dan keyakinan bahwa penderitaannya akan ditebus digabungkan. Tema ini akan diperkuat oleh puisi tahun 80-an, terutama dalam puisi para tahanan benteng Shlisselburg: V.N. Figner, N. A. Morozova, G. A. Lopatina dan lainnya.
Puisi tahun 80-an dan 90-an menempati tempat yang sangat sederhana dalam proses sastra, meskipun ditandai dengan beberapa tanda kebangkitan baru.
Refleksi dari fenomena puitis cerah dekade sebelumnya masih terletak pada era. Jadi, puisi yang menyajikan "keindahan murni", mengingatkan dirinya pada karya A. Fet, yang, setelah istirahat sejenak, muncul di media cetak dan menerbitkan empat edisi "Lampu Sore" (1883 - 1891).
Liriknya kaya akan bebas dan kuat: perasaan yang muncul dalam nuansa yang sangat beragam - ke arah ini, Fet memperdalam tema seni "abadi", hampir tanpa memperluas jangkauannya. Dalam puisinya, konten baru diperoleh bukan karena objektivitas gambar yang baru, tetapi karena bentuk syair yang diperbarui dengan berani. Ini adalah bentuk Fet, yang memperoleh mobilitas dan fleksibilitas musik yang sesungguhnya, yang menangkap kombinasi suasana hati, luapan pikiran dan perasaan yang tidak diketahui dalam puisi pra-Fet.
Karya Fet dikaitkan dengan kecenderungan yang mengarah langsung pada pembentukan puisi simbolis. Motivasi objektif-psikologis dari citra puitis semakin digantikan oleh motivasi subjektif-psikologis dan murni estetika; eksperimen dengan bentuk puitis memperoleh nilai seni yang independen. Semua ini akan segera tercermin dalam praktik puitis K. D. Balmont, B.C. Solovyov, F. Sologub, dalam deklarasi N. M. Minsky, D. S. Merezhkovsky - pendiri langsung simbolisme Rusia.
Tetapi di sini tahap yang berbeda secara kualitatif dalam perkembangan puisi dimulai, yang akan terbentuk sepenuhnya pada tahun 900-an. Dan di tahun 90-an, lirik Fetov, yang melanjutkan tradisi puisi klasik Rusia dan membawanya ke kesimpulan logis, dengan kekuatan sensual dan puisi terkaya, tetap menjadi fenomena yang terisolasi.
Bagi banyak penyair tahun ini, tema dan gambar puisi demokratis tahun 60-an dan 70-an, terutama puisi Nekrasov, tetap menarik. Namun, interpretasi mereka ternyata lebih buruk, lebih langka sarana artistik pengembangan tema-tema ini, suara penulis lebih tenang dan lebih monoton.
Seringkali dalam puisi tahun 80-an dan 90-an orang dapat menemukan gema motif dan suasana hati Lermontov - minat pada lirik romantisnya, serta pada karya Pushkin dan secara umum pada penyair paruh pertama abad ini, meningkat secara nyata pada waktu itu. Tetapi tidak ada penyair yang berhasil mendekati puncak puisi Lermontov, yang menggabungkan penyangkalan tanpa ampun dengan cinta hidup yang kuat, energi, dan keindahan syair dengan akurasi dan kedalaman pemikiran.
Perasaan kecewa, putus asa, "kesedihan sipil", kehancuran spiritual tidak tahu hasilnya dan menciptakan dalam puisi suasana umum tragedi, masa suram dan "sakit".
Berbicara tentang seni Rusia abad ke-19, para ahli sering menyebutnya sastra-sentris. Memang, sastra Rusia sangat menentukan tema dan masalah, dinamika umum perkembangan musik dan seni rupa pada masanya. Oleh karena itu, banyak lukisan karya pelukis Rusia tampaknya menjadi ilustrasi untuk novel dan cerita, dan karya musik dibangun di atas program sastra yang terperinci.
Hal ini juga mempengaruhi fakta bahwa semua kritikus sastra terkemuka berusaha untuk mengevaluasi karya musik dan gambar, untuk merumuskan persyaratan mereka untuk mereka.
Ini, tentu saja, terutama berlaku untuk prosa, tetapi puisi abad ke-19 juga memiliki pengaruh yang kuat pada perkembangan seni rupa nasional. Apakah ini baik atau buruk adalah pertanyaan lain, tetapi untuk studi penuh puisi Rusia dan integrasinya ke dalam konteks umum seni Rusia, tidak diragukan lagi sangat nyaman.
Dengan demikian, genre utama seni musik Rusia abad ke-19 adalah romansa dan opera - karya vokal berdasarkan teks puitis.
Lukisan, pada gilirannya, paling sering menggambarkan gambar-gambar alam Rusia pada waktu yang berbeda sepanjang tahun, yang secara langsung sesuai dengan lirik alami penyair Rusia dari arah yang berbeda. Tak kalah populernya adalah adegan sehari-hari "dari kehidupan rakyat", sama jelas menggemakan puisi arah demokrasi. Namun, ini sangat jelas sehingga tidak perlu bukti.
Oleh karena itu, langkah paling sederhana adalah mengilustrasikan puisi yang dipelajari dengan mendengarkan roman pada kata-katanya dan menunjukkan reproduksi. Pada saat yang sama, sebaiknya puisi seorang penyair mengiringi roman seorang komposer dan lukisan seorang pelukis. Ini akan memungkinkan, bersama dengan studi karya masing-masing penyair, untuk mendapatkan ide tambahan dari dua master budaya Rusia lagi, yang tidak mungkin dilakukan ketika menggunakan ilustrasi banyak penulis. Jadi, untuk puisi F. Glinka, Anda dapat mengambil grafik dan lukisan F. Tolstoy dan roman Verstovsky atau Napravnik, dalam puisi Polonsky - paduan suara untuk puisinya oleh S. Taneyev dan lukisan pemandangan oleh Savrasov, dll.
Mereka yang ingin memahami hubungan antara puisi dan seni rupa secara lebih rinci harus merujuk pada buku-buku V. Alfonsov "Words and Colors" (M.; L., 1966) dan K. Pigarev "Sastra Rusia dan Seni Rupa" (M., 1972), artikel dalam koleksi Interaksi dan Sintesis Seni (L., 1978), Sastra dan Lukisan (L., 1982).
Akan sangat baik jika siswa sendiri dapat terlibat dalam pemilihan musik dan reproduksi: ini akan mengajarkan mereka untuk menavigasi dunia seni sendiri, berkreasi dalam interpretasinya. Bahkan dalam kasus di mana pilihan siswa tampaknya tidak cukup berhasil bagi guru, ada baiknya membawanya ke penilaian tim kelas dan bersama-sama memutuskan apa yang tidak sepenuhnya akurat dalam pilihan ini dan mengapa. Dengan demikian, pelajaran dan kegiatan ekstrakurikuler dalam sastra dapat menjadi pengenalan asli budaya nasional Rusia secara keseluruhan.
Seseorang tidak dapat mengabaikan bidang kontak langsung antara seni seperti penggambaran penyair oleh seniman kontemporer. Ini adalah gambar-versi artistik yang memungkinkan untuk menangkap kepribadian para penulis dalam inkarnasi artistik dan estetika mereka, yang sangat berharga bagi pelukis potret sejati. D. Merezhkovsky dengan cemerlang mendemonstrasikan bagaimana potret yang mahir dapat menjadi titik awal untuk memahami kreativitas dalam artikelnya tentang Fofanov. Oleh karena itu, kami dapat merekomendasikan guru untuk menggunakan potret penyair Rusia dalam karyanya yang direproduksi dalam volume seri Pustaka Penyair: A. Koltsov oleh K. Gorbunov (1838), K. Pavlova dan A. Khomyakov oleh E. Dmitriev-Mamonov , potret oleh seniman grafis dan pelukis yang kurang dikenal, karikatur ramah orang-orang sezaman.
Potret foto penyair, ilustrasi untuk karya mereka, tanda tangan bisa menjadi tidak kalah menarik dan praktis bermanfaat. Bahan-bahan ini biasanya direproduksi sejauh yang diperlukan untuk pekerjaan dalam publikasi Perpustakaan Penyair, kumpulan karya dan edisi karya penyair terpilih, yang deskripsinya diberikan di akhir publikasi ini.
Di bawah ini adalah artikel singkat oleh V. Gusev tentang roman Rusia; Kami juga menyarankan Anda untuk merujuk pada buku karya V. Vasina-Grossman “Musik dan Kata Puitis” (M., 1972), kumpulan artikel “Puisi dan Musik” (M., 1993) dan artikel terbaru oleh M. Petrovsky "Menunggangi Pulau Cinta", atau Apa itu roman Rusia" (Pertanyaan Sastra. 1984. No. 5), serta buku referensi praktis yang tak ternilai "Puisi Rusia dalam Musik Rusia" (M., 1966 ), yang mencantumkan hampir semua karya vokal berdasarkan puisi penyair Rusia abad ke-19 , dikelompokkan berdasarkan penulis teks, menunjukkan edisi musik yang sesuai.
Dari artikel "Lagu dan roman penyair Rusia"
<…>Paruh pertama abad ke-19, dalam hal keragaman jenis lirik vokal, kelimpahan karya dan kekayaan konten ideologis dan artistiknya, dapat dianggap sebagai masa kejayaan romansa dan lagu sehari-hari Rusia. Pada saat inilah dana lagu utama dibuat, yang sebagian besar menentukan sifat budaya musik dan puitis nasional Rusia dan meninggalkan jejaknya pada kehidupan musik dan puitis masyarakat Rusia.
Pada paruh kedua abad ke-19, perubahan signifikan terjadi dalam lirik vokal Rusia - mereka memengaruhi konten ideologisnya, korelasi genre, dan sarana visual musik dan puitis gaya.
Proses demokratisasi budaya Rusia, berkembangnya realisme dan pendalaman kebangsaan di jenis yang berbeda Seni juga memiliki efek menguntungkan pada perkembangan penulisan lagu. Studi mendalam tentang tradisi cerita rakyat oleh penyair dan komposer dan penanganannya yang lebih independen dan bebas mengarah pada fakta bahwa apa yang disebut "lagu Rusia", yang dibedakan dengan gaya cerita rakyat yang disengaja, tidak lagi memuaskan seniman itu sendiri dan para kritikus dan publik.
Tradisi puitis rakyat, seolah-olah baru ditemukan dan diasimilasi secara organik oleh seluruh budaya artistik Rusia yang maju, memberinya karakter nasional yang nyata, tidak peduli topik apa yang disentuhnya, tidak peduli bahan apa yang dibutuhkan, tidak peduli apa cara mencerminkan realitas yang digunakannya. Kebutuhan akan genre khusus "lagu Rusia" dalam kondisi ini telah menghilang. Setelah memainkan peran positifnya dalam pembentukan seni nasional, ia memberi jalan kepada jenis lirik lagu lain, yang ditandai dengan orisinalitas nasional yang tidak kurang, jika tidak lebih besar. Kehilangan tanda-tanda eksternal, cerita rakyat formal, lirik vokal tidak hanya tidak hilang, tetapi, sebaliknya, berkembang tradisi terbaik lagu-lagu rakyat, memperkaya mereka dengan pengalaman yang diperoleh oleh "puisi buku" Rusia. Merupakan karakteristik bahwa bahkan penyair, yang paling dekat dengan puisi rakyat, mengatasi konvensi genre "lagu Rusia" dan menolak istilah itu sendiri, lebih memilih nama "lagu" daripadanya atau sepenuhnya membuang yang terakhir. Ciri-ciri gaya puisi rakyat secara kreatif diasimilasi, diproses, dan menerima pembiasan individual yang nyata dalam metode artistik masing-masing penyair besar yang kurang lebih.
Keinginan untuk mengatasi konvensi "lagu Rusia", untuk meninggalkan klise musik dan puitisnya memunculkan kesadaran estetika penyair, komposer, dan terutama kritikus yang luar biasa pada paruh kedua abad ke-19, semacam reaksi terhadap genre secara keseluruhan, bahkan untuk karya-karya terbaik dari genre ini dibuat pada paruh pertama abad ini. Kebangsaan dari banyak "lagu-lagu Rusia" dipertanyakan, dan mereka tidak selalu diberi penilaian yang adil. Satu Koltsov menghindari penilaian keras dari generasi baru, meskipun penilaian antusias digantikan oleh analisis objektif baik yang kuat maupun yang kuat. kelemahan puisinya. Kritik revolusioner-demokratis tahun 1950-an dan 1960-an mengambil langkah maju dalam hal ini dibandingkan dengan Belinsky. Sudah Herzen, yang sangat menghargai puisi Koltsov, membandingkan signifikansinya untuk puisi Rusia dengan signifikansi Shevchenko untuk puisi Ukraina, lebih memilih yang terakhir. Ogarev, seolah mengomentari ucapan temannya, mengartikan puisi Koltsov sebagai cerminan dari "kekuatan rakyat yang belum matang pada intinya". Batasan kebangsaan Koltsov menjadi sangat jelas bagi Dobrolyubov: "Puisinya (Koltsov. - V. G.) tidak memiliki pandangan yang komprehensif, kelas rakyat yang sederhana muncul dalam kesendiriannya dari kepentingan bersama." Di tempat lain, seperti Herzen, membandingkan Koltsov dengan Shevchenko, Dobrolyubov menulis bahwa penyair Rusia "dengan pola pikirnya dan bahkan aspirasinya terkadang menjauh dari orang-orang." "Lagu-lagu Rusia" Merzlyakov, Delvig, Tsyganov menerima penilaian yang lebih keras di bawah pena kritik revolusioner-demokratis - mereka diakui sebagai pseudo-folk. Hal yang sama terjadi di bidang kritik musik. Dari sudut pandang Stasov dan para pengikutnya, "lagu Rusia" yang dikembangkan oleh Alyabyev, Varlamov, dan Gurilev dianggap sebagai buatan, tiruan, pseudo-folk. Dalam monografnya tentang Glinka, V.V. Stasov, yang mengadvokasi seni yang benar-benar nasional dan demokratis, memberikan penilaian negatif umum tentang gaya dan pinjaman cerita rakyat yang modis dalam berbagai jenis seni Rusia pada paruh pertama abad ke-19: “Pada tahun 30-an , kita telah, seperti diketahui bahwa ada banyak pembicaraan tentang kebangsaan dalam seni ... Kebangsaan kemudian diterima dalam arti yang paling terbatas, dan oleh karena itu kemudian dipikirkan bahwa untuk menanamkan karakter nasional pada karyanya, seniman harus memasukkan ke dalamnya, seperti ke dalam bingkai baru, apa yang sudah ada di antara orang-orang, menciptakan naluri kreatifnya yang langsung. Mereka menginginkan dan menuntut hal yang mustahil: campuran bahan-bahan lama dengan seni baru; mereka lupa bahwa bahan-bahan lama sesuai dengan waktu khusus mereka dan bahwa seni baru, yang telah membentuk bentuknya, juga membutuhkan bahan-bahan baru. Pernyataan Stasov ini memiliki karakter mendasar. Ini membantu untuk memahami inkonsistensi ide sederhana yang cukup umum tentang persyaratan untuk seni kritikus demokrasi yang luar biasa. Ketika mereka berbicara tentang propaganda cerita rakyatnya, tentang perjuangannya untuk identitas nasional dan kebangsaan seni, mereka biasanya lupa bahwa Stasov selalu menentang sikap konsumen terhadap cerita rakyat, melawan asimilasi mekanisnya yang pasif, melawan stilisasi, melawan cerita rakyat naturalistik eksternal. Pernyataan ini juga menjelaskan sikap negatif tajam Stasov terhadap "lagu Rusia": ia bahkan berbicara ironis tentang "The Nightingale" oleh Delvig dan Alyabyev, menempatkannya di baris komposisi musik "Rusia" yang "tidak berharga" dari para amatir kami saat itu. Dia menganggap semua komposer periode pra-Glinka "amatir" dan percaya bahwa pengalaman mereka "benar-benar tidak signifikan, lemah, tidak berwarna dan biasa-biasa saja." Stasov mengabaikan karya lagu para komposer ini, dan pengikutnya A.N. Serov dengan hina menjuluki seluruh gaya "lagu Rusia" - "Varlamovisme", mengingat fitur karakteristiknya "vulgaritas" dan "manis".
Berlebihan dan ketidakadilan dari ulasan semacam itu sekarang jelas, tetapi mereka harus diperhitungkan untuk memahami bahwa penolakan genre "lagu Rusia" pada paruh kedua abad ke-19 didikte oleh keinginan progresif untuk pengembangan realisme dan untuk tingkat kebangsaan yang lebih tinggi. Ini harus menjelaskan fakta bahwa Nekrasov, dan bahkan Nikitin dan Surikov, tidak terlalu mengikuti tradisi "lagu Rusia", tetapi menggabungkan minat pada kehidupan rakyat dan cerita rakyat asli dengan studi tentang pengalaman puisi klasik Rusia. Bukan kebetulan bahwa lagu-lagu dalam arti kata yang tepat sekarang, bahkan lebih sering daripada di paruh pertama abad ke-19, bukanlah puisi-puisi yang sampai batas tertentu masih dipandu oleh tradisi "lagu Rusia", tetapi yang tidak dinubuatkan oleh penyair sendiri " lagu masa depan. Bahkan I. N. Rozanov memperhatikan bahwa di antara puisi-puisi Nekrasov, lirik propaganda-sipilnya, puisi plot, kutipan dari puisi, dan bukan "lagu" yang sebenarnya mendapatkan popularitas dalam kehidupan sehari-hari. Hal yang sama terjadi dengan karya-karya Nikitin - bukan "lagu-lagunya" yang dengan kuat memasuki repertoar lisan (di mana hanya "Lagu Bobylya" yang benar-benar menjadi lagu), tetapi puisi seperti "Lubang yang dalam digali dengan sekop . ..”, “Saya berkuda dari pekan raya ukhar-pedagang…”, “Waktu berjalan lambat…”. Surikov tidak terkecuali - ditulis dalam gaya tradisional"Lagu" ("Di taman hijau, burung bulbul ...") ternyata jauh lebih tidak populer daripada puisi "Di padang rumput", "Saya tumbuh sebagai yatim piatu ...", "Rowan", "The eksekusi Stenka Razin”; dalam puisi-puisi ini, koneksi dengan cerita rakyat tidak dapat disangkal, tetapi ia memperoleh karakter interpretasi bebas dari plot atau gambar puitis rakyat. Indikatif dalam hal ini adalah puisi "Di Stepa", terinspirasi oleh lagu rakyat terkenal yang berlarut-larut tentang stepa Mozdok. Sangat mengherankan bahwa puisi ini, setelah berubah menjadi lagu, menyingkirkan lagu tradisional dari repertoar rakyat. Benar, orang-orang pada saat yang sama meninggalkan kerangka plot lagu, yang diperkenalkan oleh penyair.
Jika fenomena yang diamati merupakan ciri khas penyair yang berhubungan langsung dengan tradisi cerita rakyat, maka tidak mengherankan jika hal itu juga dapat ditelusuri dalam karya penyair lain pada paruh kedua abad ke-19. Kebanyakan dari mereka tidak lagi menulis puisi dengan gaya "lagu Rusia"; dalam kasus-kasus ketika beberapa penyair memberi penghormatan kepada genre ini, sebagai suatu peraturan, bukan "lagu-lagu Rusia" mereka yang memperoleh kehidupan lagu, tetapi puisi-puisi lain - seperti, misalnya, oleh A. Tolstoy atau May. Lagu-lagu paling populer di paruh kedua abad ke-19 tidak lagi menyerupai genre "lagu Rusia" dalam jenisnya.
Benar, pada akhir abad ke-19, genre "lagu Rusia" tampaknya dilahirkan kembali dalam karya Drozhzhin, Ozhegov, Panov, Kondratiev, Ivin, dan penyair lainnya, yang dikelompokkan terutama dalam "Lingkaran Penulis Persaudaraan Moskow dari Rakyat”, “Lingkaran Sastra dan Musik. Surikov" dan di berbagai asosiasi provinsi serupa. Tetapi dari banyak karya yang ditulis dengan cara lirik Koltsovo dan Surikov dan mengisi koleksi dan buku lagu yang diterbitkan oleh kalangan ini dan terutama oleh Ozhegov yang giat, hanya sedikit yang benar-benar memiliki kehidupan lagu, dan bahkan lebih sedikit lagi yang memasuki repertoar lisan massa.
Popularitas lagu karya penyair Surikov sering dilebih-lebihkan oleh para peneliti karya mereka. Terkadang informasi yang salah dilaporkan, yang berpindah dari publikasi resmi ke berbagai artikel dan komentar dalam koleksi. Jadi, dalam "Sejarah Sastra Rusia" akademis kita membaca: "Orang-orang Surikov adalah penulis lagu yang luar biasa. Puisi-puisi terbaik mereka, mirip dengan gaya lirik petani, kadang-kadang dengan tegas digunakan secara populer. Ini adalah lagu-lagu "Jangan memarahiku, sayang ..." oleh A. E. Razorenova, "Aku kehilangan cincinku ..." oleh M. I. Ozhegova dan lainnya. Tetapi pada kenyataannya, lagu populer "Jangan memarahiku, sayang ..." diciptakan oleh Razorenov jauh sebelum lingkaran Surikov muncul, dan bahkan sebelum Surikov sendiri mulai menulis puisi, yaitu, pada tahun 40-an atau awal 50-an; tidak ada puisi Razorenov-Surikov, yang ditulis pada paruh kedua abad ke-19, menjadi sebuah lagu. Adapun lagu "Aku kehilangan cincinku ...", Ozhegov sama sekali bukan penciptanya - dia hanya memproses lagu yang dikenalnya. Merupakan karakteristik bahwa lagu-lagu lain dari Ozhegov sendiri (tidak termasuk "Antara tepi curam ...") tidak mendapatkan popularitas seperti adaptasi dari lagu lamanya ini.
Drozhzhin adalah penyair yang sangat produktif, dan aktivitas sastranya berlangsung lebih dari setengah abad, banyak puisinya diatur ke musik, beberapa dipopulerkan dari panggung oleh penyanyi N. Plevitskaya. Tetapi perlu dicatat bahwa sebenarnya 3-4 puisinya, terutama dari periode awal karyanya, menjadi lagu. Yang lebih bermasalah adalah nasib lagu puisi penyair Surikov lain dan penyair yang dekat dengan mereka. Dari puisi Panov, yang menulis sejumlah besar "lagu", dua atau tiga mulai digunakan secara lisan. Beberapa lusin "lagu Rusia" diterbitkan dalam koleksi Kondratiev "Di bawah kebisingan hutan ek", tetapi tidak ada yang dinyanyikan (di lingkungan perkotaan, puisinya yang lain mendapatkan ketenaran: satu ditulis dengan gaya "romansa yang kejam" ”, yang lain - “lagu gipsi”) . Tidak peduli bagaimana Ozhegov mempromosikan puisi I. Ivin, A. Egorov, I. Vdovin, S. Lyutov, N. Prokofiev, N. Libina, dan lainnya dalam buku nyanyiannya, mereka tidak menembus repertoar lisan.
Penyair Surikov tidak hanya tidak bergerak maju dibandingkan dengan guru mereka, yang secara kreatif menerima tradisi cerita rakyat, tetapi, pada kenyataannya, mundur selangkah - ke "lagu Rusia" pada paruh pertama abad ke-19. Mereka gagal menghembuskan kehidupan ke genre ini, yang kemungkinannya sudah habis oleh pendahulu mereka.
Paling tipe karakteristik Lagu revolusioner yang mencintai kebebasan dalam berbagai jenis genre menjadi lirik vokal paruh kedua abad ke-19 - awal abad ke-20: propaganda, himne, satir, pawai berkabung. Dibuat oleh perwakilan puitis beda generasi dan arus perjuangan pembebasan rakyat Rusia - demokrasi revolusioner, populisme revolusioner dan proletariat - lagu-lagu ini dari bawah tanah, dari lingkaran dan organisasi ilegal, didistribusikan melalui penjara dan pengasingan, menembus massa, dibunyikan di demonstrasi dan rapat umum, selama pemogokan, pemogokan dan barikade, perkelahian.
Sebagai aturan, lagu-lagu ini diciptakan oleh para peserta gerakan revolusioner itu sendiri, yang bukan penyair profesional, atau oleh orang-orang yang menggabungkan aktivitas sastra dengan partisipasi dalam perjuangan pembebasan: A. Pleshcheev ("Maju! Tanpa rasa takut dan ragu .. ."), P. Lavrov ("Mari kita meninggalkan dunia lama ...", M. Mikhailov ("Berani, teman-teman! Jangan kalah ..."), L. Palmin ("Jangan menangisi mayat prajurit yang jatuh ..."), G. Machtet ("Tersiksa oleh perbudakan yang parah ..."), V. Tan-Bogoraz ("Kami menggali kuburan kami sendiri ..."), L. Radin ("Berani, kawan, dalam langkah ..." ), G. Krzhizhanovsky ("Kemarahan, tiran ..."), N. Rivkin ("Laut mengerang dalam kemarahan ..."), dll. Penulis melodi lagu-lagu ini, sebagai suatu peraturan, juga ternyata menjadi komposer non-profesional (A. Rashevskaya, N. dan P. Peskov), terkadang - penyair itu sendiri (L. Radin, N. Rivkin), sangat jarang - tokoh musik terkenal (P. Sokalsky), paling sering penulis musik tetap tidak diketahui.
Repertoar pejuang kemerdekaan termasuk, memperoleh dalam pertunjukan lisan ciri-ciri penulisan lagu revolusioner, dan puisi oleh penyair yang jauh dari perjuangan pembebasan, tetapi secara obyektif tercermin dalam beberapa karya mereka aspirasi para pesertanya atau menangkap suasana publik pada zaman mereka. . Oleh karena itu, puisi A. K. Tolstoy ("Kolodniki"), Y. Polonsky ("Apa dia bagiku ..."), I. Nikitin ("Waktu bergerak lambat ...), I. Nikitin ("Waktu bergerak lambat ...), hingga "The Mason" V. Bryusov, dan bahkan beberapa karya penulis konservatif: "Ada tebing di Volga ..." oleh A. A. Navrotsky, "Ini strip saya, garis-garis ..." oleh V. V. Krestovsky, "Buka jendela, buka ..." Anda. I. Nemirovich-Danchenko.
Sebuah fitur luar biasa yang membedakan lagu-lagu revolusioner paruh kedua abad ke-19 - awal abad ke-19 adalah bahwa mereka benar-benar tersebar luas, sering dinyanyikan dalam versi yang berbeda dari edisi penulis, mereka sendiri menjadi model untuk lagu-lagu anonim yang serupa, dimasukkan dalam proses penulisan lagu kolektif, - singkatnya, folklorized. Ciri khas lain dari mereka adalah paduan suara, paling sering penampilan polifonik tanpa iringan ("Lagu Rusia", sebagai aturan, dengan isinya mengasumsikan penampilan solo; pada paruh pertama abad ke-19, hanya minum, pelajar dan beberapa "lagu gratis". ” dibawakan oleh paduan suara).
Keadaan terakhir memungkinkan dalam lirik vokal paruh kedua abad ke-19 untuk menarik garis yang lebih jelas antara lagu dalam arti yang tepat dari kata dan roman, berorientasi pada kinerja solo dan iringan musik pada beberapa instrumen.
Tetapi bahkan dalam seni roman itu sendiri, evolusi nyata telah terjadi sejak pertengahan abad ke-19. Seperti yang dicatat oleh peneliti, "area romansa "profesional" dan "domestik" juga dibatasi dengan tajam, dan rasionya berubah secara signifikan. Memang, pada abad ke-18 dan pada paruh pertama abad ke-19, semua seni roman, pada kenyataannya, dapat diakses oleh pecinta musik mana pun dan dengan mudah memasuki kehidupan rumah tangga, terutama di kalangan intelektual bangsawan. Hanya beberapa roman Glinka yang dapat dianggap sebagai contoh pertama dari roman "profesional", yang membutuhkan keterampilan teknis yang hebat dari penyanyi dan Pelatihan khusus. Situasinya benar-benar berbeda pada paruh kedua abad ke-19 dan awal abad ke-20. Romansa sehari-hari sekarang menjadi sebagian besar komposer kecil. Di antara penulis roman sehari-hari dengan kata-kata penyair kontemporer Rusia adalah N. Ya. Afanasyev, P. P. Bulakhov, K. P. Vilboa, K. Yu. A. Lishina, V. N. Paskhalova, V. T. Sokolova. Sejarawan musik Rusia N.V. Findeizen menulis: "Beberapa karya romansa ini ... kadang-kadang menikmati popularitas yang patut ditiru, meskipun murah ..." Romansa sehari-hari dalam arti kata yang tepat lebih kecil dalam konten ideologis dan psikologis dan seringkali ditandai dengan segel epigonisme formal dalam kaitannya dengan penguasa kehidupan sehari-hari, romansa paruh pertama abad ke-19. Ini, tentu saja, tidak berarti bahwa dalam banyak karya biasa-biasa saja dari genre bernama sama sekali tidak ada yang, dalam seni mereka, akan mendekati romansa sehari-hari pada paruh pertama abad ke-19.
Romansa sehari-hari yang sangat populer di paruh kedua abad ke-19 - awal abad ke-20 adalah "A Pair of Bays" karya Apukhtin, "Under the Fragrant Branch of the Lilac" karya V. Krestovsky, "You Forgot" karya P. Kozlov, "You Forgot" karya P. Kozlov. waktu yang lalu ... Saya tidak ingat kapan itu ... " S. Safonov, "Surat" oleh A. Mazurkevich, "Di bawah kesan Camar Chekhov" oleh E. Bulanina, "Nocturne" oleh Z. Bukharova. Mereka telah lama memasuki penggunaan oral.
Romansa harian terbaik dari periode yang ditinjau adalah beberapa roman yang paling mudah diakses oleh komposer besar bagi pecinta musik. Patut dicatat bahwa dengan musik komposer paruh kedua abad ke-19, puisi penyair paruh pertama abad ini juga memasuki kehidupan sehari-hari. Seperti, khususnya, banyak roman Balakirev hingga teks oleh Pushkin, Lermontov, Koltsov. Sangat mengherankan, misalnya, bahwa raznochintsy tahun 60-an jatuh cinta pada romansa Balakirev dengan kata-kata Lermontov "Selim's Song" - bukan kebetulan bahwa "wanita berkabung" dari novel Chernyshevsky "Apa yang harus dilakukan? " menyanyikannya. Beberapa roman Dargomyzhsky dengan kata-kata penyair pertengahan abad ke-19 - N. Pavlov ("Dia mimpi tanpa dosa ..."), Yu. Zhadovskaya ("Kamu akan segera melupakanku ..."), F. Miller ("Saya tidak peduli ...") mendapatkan popularitas lagu. . "Calistrat" Nekrasov-Mussorgsky dan "Saya datang kepada Anda dengan salam ..." oleh Fet-Balakirev menjadi dikenal luas. Yang paling terkenal adalah banyak roman Tchaikovsky dengan kata-kata penyair paruh kedua abad ke-19: "Oh, nyanyikan lagu itu, sayang ..." (Pleshcheev), "Saya ingin dalam satu kata ..." ( Mei), "Malam gila, malam tanpa tidur ..." (Apukhtin ), "Saat fajar, jangan bangunkan dia ..." (Fet), "Di tengah-tengah bola yang berisik ..." (A. K. Tolstoy ), "Saya membuka jendela ..." (K. R.), "Kami duduk bersamamu di tepi sungai yang tertidur ... "(D. Ratgauz).
Banyak puisi para penyair paruh kedua abad ke-19 - awal abad ke-20 menjadi fenomena luar biasa dari lirik vokal Rusia, di mana perpaduan sempurna antara teks dan musik tercapai. Ini berlaku untuk karya penyair seperti A. K. Tolstoy, Pleshcheev, Maikov, Fet, Polonsky, Apukhtin, Mei. Puisi-puisi beberapa penyair umumnya masih hidup hanya sebagai roman (Golenishchev-Kutuzov, Rostopchina, Minsky, Ratgauz, K. R.). Bersama dengan musik para komposer terhebat, puisi-puisi para penyair ini telah dengan kuat memasuki kesadaran kaum intelektual Rusia, dan ketika tingkat budaya massa meningkat, mereka menjadi milik lingkaran pekerja yang semakin luas. Oleh karena itu, ketika mengevaluasi kontribusi puisi Rusia terhadap budaya nasional, tidak mungkin untuk membatasi diri pada warisan klasik, tetapi perlu untuk mempertimbangkan contoh terbaik dari romansa sehari-hari - pertama-tama, karya-karya yang disertakan dalam repertoar vokalis populer dan terus-menerus terdengar dari panggung ruang konser dan di radio, dan juga menembus seni amatir massal modern.
Jika kita beralih ke penyair yang puisinya sangat sering dan dengan sukarela digunakan oleh komposer terbesar Rusia dan yang teksnya digunakan untuk menciptakan roman klasik, mudah untuk melihat bahwa, dengan beberapa pengecualian, pemilihan nama bukanlah suatu kebetulan. Terlepas dari kenyataan bahwa preferensi dan selera pribadi masing-masing komposer dapat memainkan peran besar (misalnya, hasrat Mussorgsky untuk puisi Golenishchev-Kutuzov), namun, lingkaran penyair, di mana teks-teksnya menulis sejumlah besar roman, adalah diwakili oleh nama yang sangat spesifik. Dalam karya salah satu penyair ini, seseorang dapat menemukan beberapa puisi yang telah berulang kali disetel musik oleh komposer yang berbeda dalam metode kreatif mereka. Dan bahkan fakta bahwa musik yang luar biasa ditulis untuk puisi seperti itu oleh Glinka atau Tchaikovsky, yang romannya telah mendapatkan ketenaran, tidak menghentikan orang sezaman atau komposer dari era berikutnya, hingga zaman kita. Ada puisi yang secara harfiah puluhan roman telah ditulis. Dari para penyair paruh pertama abad ke-19, Zhukovsky, Pushkin, Lermontov dan Koltsov sangat senang dalam hal ini. Romansa berdasarkan teks-teks romantisis Rusia pertama diciptakan selama satu abad penuh - dari eksperimen pertama komposer temannya A. A. Pleshcheev hingga karya-karya Ippolitov-Ivanov. Pada abad ke-19 saja, lebih dari seratus tujuh puluh roman Pushkin disetel ke musik. Puisi "Jangan bernyanyi, cantik, bersamaku ...", terlepas dari kenyataan bahwa itu masih hidup terutama dengan musik Glinka, dibuat pada tahun 1828, setelah itu banyak komposer lain berbicara (di antara mereka ada nama-nama seperti Balakirev, Rimsky -Korsakov, Rachmaninov). Puisi "The Singer" telah disetel ke musik oleh lebih dari lima belas komposer abad ke-19. Pada abad ke-19 - awal abad ke-20, sejumlah besar roman dibuat berdasarkan lebih dari tujuh puluh puisi karya Lermontov. "Doa" -nya ("Dalam momen kehidupan yang sulit ...") disetel ke musik oleh lebih dari tiga puluh komposer. Lebih dari dua puluh roman ada pada kata-kata "Cossack lullaby" dan puisi: "Apakah aku mendengar suaramu ...", "Tidak, aku tidak begitu mencintaimu ...". Mungkin tempat pertama di antara penyair Rusia dalam hal ini adalah milik Koltsov - sekitar tujuh ratus roman dan lagu diciptakan pada teksnya oleh lebih dari tiga ratus komposer! Seperti yang Anda lihat, proporsi penyair paruh pertama abad ke-19 dalam lirik vokal Rusia kira-kira bertepatan dengan signifikansi mereka dalam sejarah puisi - romansa penyair utama jelas mendominasi (satu-satunya pengecualian adalah Baratynsky, yang kata-katanya adalah menulis roman yang relatif sedikit).
Ketika kita beralih ke paruh kedua abad ke-19 dan awal abad ke-20, di sini gambarannya, pada pandangan pertama, tiba-tiba berubah: penyair, yang perannya dalam sejarah puisi tampaknya sederhana, sering lebih disukai oleh komposer daripada penyair yang lebih besar. , dan dalam repertoar roman mereka hampir tidak menempati tempat yang lebih besar daripada tokoh-tokoh puisi Rusia. Sangat mengherankan bahwa sementara sekitar enam puluh teks dari warisan puitis Nekrasov menarik perhatian para komposer, lebih dari tujuh puluh teks dari Maikov dan Polonsky dibuat untuk musik. Lebih dari sembilan puluh puisi karya Fet, lebih dari lima puluh puisi karya Pleshcheev dan Ratgauz, lebih dari empat puluh puisi karya Nadson, dan jumlah yang sama oleh Apukhtin menjadi roman. Mungkin gambaran untuk puisi awal abad ke-20 sangat paradoks: semacam "rekaman" milik Balmont - lebih dari seratus lima puluh puisinya telah disetel ke musik (selama sekitar dua puluh tahun, hampir sebanyak seperti dalam satu abad oleh Pushkin, dan lebih dari oleh Lermontov , Tyutchev, Nekrasov). Selain itu, di antara komposer yang menciptakan roman untuk kata-katanya, kami bertemu Rachmaninov, Taneyev, S. Prokofiev, Grechaninov, Gliere, Ippolitov-Ivanov, Stravinsky, Myaskovsky ... Blok secara signifikan lebih rendah dalam hal ini - sekitar lima puluh roman ditulis ke teks-teksnya. Bryusov juga bisa membuat iri Balmont dalam hal ini. Penyair lain terasa "tertinggal di belakang" baik Blok dan Bryusov - bahkan A. Akhmatova, V. Ivanov, D. Merezhkovsky, F. Sologub, yang teksnya berulang kali disetel ke musik. Namun, banyak penyair terkenal di awal abad ke-20 yang bangga bahwa setidaknya satu atau dua puisi mereka dibuat untuk musik oleh komposer terhebat pada waktu itu.
Apa yang membuat musisi tertarik pada puisi paruh kedua abad ke-19 - awal abad ke-20? Tentu saja, jawaban kategoris dan bersuku kata satu untuk pertanyaan ini hampir tidak mungkin, sama-sama dapat diterapkan pada karya semua penyair. Tetapi, dengan mempertimbangkan fitur dan kemungkinan musik vokal, serta tugas kreatif yang ditetapkan oleh komposer saat membuat roman, perlu dicatat bahwa mereka lebih suka ayat-ayat di mana keadaan psikologis batin pahlawan liris paling langsung diekspresikan. , terutama di mana pengalaman penyair ternyata tidak lengkap, tidak diungkapkan sampai akhir, yang memungkinkan untuk mengungkapkannya dengan cara musik. Puisi kiasan, kelalaian, yang mengandung nada liris yang dalam, mewakili ruang lingkup kreatif terbesar untuk imajinasi komposer. Bukan peran terakhir yang dimainkan oleh beberapa fitur gaya dari cara kreatif penyair seperti Fet, A. Tolstoy, May, Polonsky - pengembangan tema dan struktur komposisi puisi, yang mengingatkan pada struktur karya musik, kejenuhan teks dengan pengulangan, seruan, jeda semantik, merdu bahasa, kelancaran ritme, intonasi bicara yang fleksibel. Beberapa penyair ini secara sadar mengikuti hukum musik dalam karya mereka. Jadi, Fet berangkat dari prinsip teoretis yang dirumuskan olehnya: "Puisi dan musik tidak hanya terkait, tetapi tidak dapat dipisahkan ... Semua karya puitis berusia berabad-abad ... pada dasarnya ... lagu." Bukan kebetulan bahwa Fet menyebut salah satu siklus "Melodi". Penyair itu mengakui: "Saya selalu ditarik dari area kata-kata tertentu ke area musik yang tidak terbatas, ke mana saya pergi, sejauh kekuatan saya cukup."
Banyak untuk memahami nasib puisi Rusia dalam musik diberikan oleh pernyataan para komposer itu sendiri. Tchaikovsky dengan jelas merumuskan dalam salah satu suratnya bahwa "hal utama dalam musik vokal adalah kebenaran reproduksi perasaan dan suasana hati ...". Komposer hebat banyak berpikir tentang kekhasan versi Rusia dan struktur intonasi puisi Rusia, ia mencari dalam puisi untuk berbagai ritme, bait dan sajak yang menciptakan peluang paling menguntungkan untuk ekspresi musik dari konten liris puisi. Tchaikovsky tertarik pada jenis syair intonasi-ekspresif merdu, dan ia sendiri menyebut puisi Fet sebagai model dalam hal ini. Komposer menulis tentang dia: “Lebih baik kita dapat mengatakan bahwa Fet, di saat-saat terbaiknya, melampaui batas yang ditunjukkan oleh puisi, dan dengan berani mengambil langkah ke bidang kita ... Ini bukan hanya seorang penyair, melainkan seorang penyair- musisi, seolah-olah menghindari topik seperti itu yang mudah diungkapkan dengan kata-kata." Tchaikovsky juga sangat menghargai puisi A. K. Tolstoy: “Tolstoy adalah sumber teks musik yang tiada habisnya; ini adalah salah satu penyair favorit saya.
Itu adalah cara mengekspresikan perasaan, suasana hati dan pikiran yang melekat dalam puisi Fet dan A. K. Tolstoy, serta Pleshcheev, Mey, Polonsky, Apukhtin dan penyair yang dekat dengan mereka, dan sifat intonasi ayat yang memberikan yang terbaik kesempatan untuk mengatur puisi mereka ke musik. Oleh karena itu, tidak hanya di Tchaikovsky, tetapi juga dalam karya romansa komposer besar lainnya pada paruh kedua abad ke-19, bersama dengan master klasik puisi Rusia, puisi para penyair ini menempati tempat sentral.
Alexander
ARKHANGELSKY
Memperkenalkan bab dari buku teks sekolah baru
Lirik Rusia paruh kedua abad ke-19
Penyair Rusia dan era prosa "sosial". Penyair Rusia pada awal abad ke-19 - dari Zhukovsky dan Batyushkov hingga Pushkin dan Lermontov - menciptakan bahasa puitis baru di mana dimungkinkan untuk mengekspresikan pengalaman paling kompleks, pemikiran terdalam tentang alam semesta. Mereka memperkenalkan ke dalam puisi Rusia citra seorang pahlawan liris yang menyerupai dan tidak menyerupai penyair itu sendiri. (Sama seperti Karamzin memperkenalkan gambar narator ke dalam prosa Rusia, yang suaranya tidak menyatu dengan suara karakter dan penulisnya sendiri.)
Para penyair paruh pertama abad ke-19 merevisi sistem genre yang biasa. Mereka lebih menyukai elegi cinta, balada romantis, daripada lagu-lagu "tinggi", khusyuk; menanamkan kembali selera budaya rakyat, lagu-lagu Rusia dan dongeng-dongeng dalam sastra asli; mewujudkan dalam karya mereka kesadaran kontradiktif dan pengalaman tragis orang kontemporer, seorang Eropa Rusia. Mereka menguasai pengalaman romantisme dunia - dan secara bertahap melampauinya dalam banyak hal.
Tetapi ini sering terjadi dalam sastra: setelah hampir mencapai puncak artistik, puisi Rusia mulai menurun tajam. Itu terjadi tak lama setelah kematian Pushkin, dan kemudian Baratynsky dan Lermontov. Artinya, pada awal tahun 1840-an. Penyair generasi tua entah bagaimana bosan dengan kehidupan sastra yang bergejolak pada saat yang sama, mematikan proses aktif. Zhukovsky mulai menerjemahkan karya-karya epik yang banyak - Anda tahu tentang terjemahan Homer's Odyssey. Pyotr Vyazemsky bersembunyi untuk waktu yang lama dalam bayangan sastra yang tuli, menjauh dari urusan puitis, dan hanya di usia tua bakatnya berkembang lagi, ia kembali ke batas sastra asalnya. Vladimir Benediktov mengalami popularitas instan pada pertengahan 1830-an - dan dengan cepat juga ketinggalan zaman.
Dan banyak penyair lirik muda tahun 1840-an, yang tetap di mata publik, tampaknya telah lupa cara menulis. Keahlian tertinggi, penguasaan teknik syair, yang pada masa Pushkin dianggap sebagai norma, sesuatu yang diterima begitu saja, hilang dalam semalam oleh sebagian besar penyair.
Dan tidak ada yang mengejutkan di sini.
Pada awal abad ke-19, sastra Rusia belajar menggambarkan karakter manusia dalam individualitas dan keunikannya. Pada tahun 1820-an dan 1830-an, para penulis Rusia mulai menghubungkan nasib pahlawan mereka dengan era sejarah tertentu, dengan keadaan keuangan sehari-hari yang sering menjadi tumpuan perilaku manusia. Dan sekarang, pada tahun 1840-an, mereka menghadapi tugas-tugas substantif baru. Mereka mulai melihat kepribadian manusia melalui prisma hubungan sosial, untuk menjelaskan tindakan para pahlawan oleh pengaruh "lingkungan", mereka diambil dari alasan ekonomi, politik.
Pembaca tahun 1840-an dan 1860-an sedang menunggu tulisan-tulisan sosial semacam itu. Dan untuk memecahkan masalah seperti itu, epik, prosa naratif, esai fisiologis, dan artikel jurnalistik jauh lebih cocok. Oleh karena itu, kekuatan sastra utama pada waktu itu terkonsentrasi pada "jembatan" yang membosankan. Liriknya tampaknya telah kehilangan konten seriusnya untuk sementara waktu. Dan tanpa tujuan batin ini, kurangnya konten berdarah bentuk puitis. Beginilah cara tanaman mengering, yang telah memblokir akses ke jus bawah tanah yang memberi kehidupan.
- Mengapa prosa mendorong puisi ke pinggiran proses sastra pada tahun 1840-an? Tugas substantif apa yang diselesaikan sastra Rusia dalam dekade ini?
Pierre Jean Beranger
Bagaimana kita bisa membicarakan hal-hal yang menyakitkan, tentang kehidupan sehari-hari yang "tidak penting" melalui lirik, bagaimana mengekspresikan ide-ide sosial baru? Pada tahun 1840-an, puisi Eropa juga memutuskan jawaban atas pertanyaan-pertanyaan ini. Toh, transisi dari era romantisme ke era naturalisme terjadi di mana-mana! Tetapi di sana, khususnya di Prancis, tradisi sosial, lirik revolusioner telah dikembangkan, bahasa puitis khusus telah berkembang. Bahasa ini "disesuaikan" untuk percakapan emosional - dan pada saat yang sama tulus - tentang masalah dan kesedihan masyarakat modern, tentang nasib tragis orang "kecil". Artinya, transisi puisi ke kualitas sosial baru yang dipersiapkan sebelumnya, berkorelasi dengan tradisi budaya.
Penyair "revolusioner" Eropa yang paling signifikan, penulis lirik sosial, dianggap sebagai orang Prancis Pierre Jean Beranger (1780-1857).
Dibesarkan oleh kakeknya sebagai penjahit, ia menyaksikan pergolakan Revolusi Prancis sebagai seorang anak. Beranger muda percaya pada cita-citanya dan - yang tidak kalah pentingnya untuk sastra - dia selamanya ingat suara lagu-lagu rakyat revolusioner yang dinyanyikan oleh orang-orang yang memberontak. Yang paling populer dari lagu-lagu ini juga sudah Anda kenal - "La Marseillaise"; kontennya yang agak haus darah - ajakan untuk melakukan kekerasan - dikemas dalam bentuk musik yang khusyuk dan ringan. Dalam lagu-lagu era revolusioner, tidak hanya ekspresi rakyat yang berair dan lelucon yang digunakan, yang tidak dapat diterima dalam lirik "tinggi", tetapi kemungkinan puisi epik juga digunakan - plot dinamis pendek, pengulangan konstan (yaitu, a pengulangan "menahan diri" atau beberapa baris kunci).
Sejak itu, genre puisi-lagu, bergaya sebagai lagu daerah, telah berlaku dalam karya Beranger. Entah sembrono, atau satir (sering diarahkan terhadap adat istiadat imamat Katolik), atau politik, pathos, lagu-lagu ini disukai oleh pembaca umum. Sejak awal, citra pahlawan liris muncul dan terbentuk di dalamnya - seorang penyair rakyat, seorang pria dari kerumunan, seorang pembenci kekayaan. (Tentu saja, dalam kehidupan nyata, Beranger sendiri tidak begitu asing dengan uang, seperti yang terlihat saat membaca puisinya.)
Penyair lirik Rusia mulai menerjemahkan Beranger pada pertengahan 1830-an. Tetapi dari karyanya yang luas dan beragam, pada awalnya, hanya "lagu" liris yang dipilih, yang sangat mirip dengan pengalaman akrab "lagu rakyat" bergaya yang dibuat oleh penyair awal abad ini dan generasi Pushkin:
Waktunya akan tiba - bulan Mei Anda akan berubah menjadi hijau;
Waktunya akan tiba - saya akan meninggalkan dunia ini;
Kenari keriting Anda akan menjadi putih;
Kilauan mata batu akik akan memudar.
("Nyonya tuaku." Diterjemahkan oleh Viktor Teplyakov, 1836)
Ini secara alami; kita selalu tertarik pada pengalaman orang lain hanya sebanyak itu membantu mengatasi masalah kita sendiri. Dan tugas-tugas yang dihadapi sastra Rusia pada pertengahan tahun 1830-an berbeda dari tugas-tugas yang diselesaikannya pada dekade bermasalah tahun 1840-an. Lagi pula, bukan tanpa alasan, Heinrich Heine, seorang penyair dengan perasaan sosial yang tinggi, secara selektif diterjemahkan oleh para penulis Rusia dari generasi Lermontov, terutama memperhatikan lirik filosofisnya, pada ironi romantisnya. Dan para penyair tahun 1840-an sudah memperhatikan sisi lain dari bakat Heine - puisi politik, sipil, dan satirnya.
Dan sekarang, ketika prosa Rusia berbicara begitu tajam dan pahit tentang sisi bayangan kehidupan, puisi Rusia juga harus menguasai pengalaman artistik baru. Tidak ada tradisi yang mapan sendiri, sehingga penulis lirik tahun 1840-an secara sukarela pergi untuk belajar dengan Beranger.
Tetapi seperti halnya seorang anak sekolah yang harus "mematangkan" topik-topik serius yang dipelajari di sekolah menengah, demikian pula para penyair menghabiskan lebih dari satu tahun untuk "mematangkan" terjemahan yang berhasil. Bagaimanapun, sebuah puisi yang diterjemahkan dari bahasa asing harus mempertahankan rasa "keasingan" - dan pada saat yang sama menjadi "milik sendiri", bahasa Rusia. Karena itu, hanya pada pertengahan 1850-an, Beranger "berbicara" dalam bahasa Rusia secara alami dan alami. Dan kelebihan utama dalam hal ini adalah milik Vasily Stepanovich Kurochkin (1831-1875), yang pada tahun 1858 menerbitkan koleksi "Lagu Beranger":
"Hidup, lihat!" - paman tua
Satu abad penuh siap untuk mengulang saya.
Betapa aku tertawa, melihat pamanku!
Saya adalah orang yang positif.
Saya menghabiskan semuanya
aku tidak bisa -
Karena aku bukan apa-apa
Aku belum.
................................
Lagi pula, dalam sepiring satu deli
Ibukota leluhurnya duduk;
Saya tahu pelayan di kedai:
Penuh dan mabuk terus-menerus secara kredit.
Saya menghabiskan semuanya
aku tidak bisa -
Karena aku bukan apa-apa
Aku belum.
("Pria Positif", 1858)
Tentu saja, Anda telah memperhatikan bahwa ayat-ayat ini tidak hanya diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia. Di sini, salah satu aturan terjemahan "baik" sengaja dilanggar: semangat Prancis telah sepenuhnya terkikis dari Berenger, penerjemah telah merobek puisi itu dari tanah budaya asing, sepenuhnya mentransplantasikannya ke miliknya sendiri. Ayat-ayat ini terdengar seolah-olah tidak diterjemahkan dari bahasa Prancis, tetapi langsung ditulis dalam bahasa Rusia - dan oleh seorang penyair Rusia. Mereka adalah Russified, yaitu, mereka menggunakan ekspresi yang sekali dan untuk semua ditugaskan untuk kehidupan sehari-hari Rusia dan sama sekali tidak pantas dalam konteks Prancis. Misalnya: "Ulangi ... satu abad penuh", "penuh dan mabuk." Terjemahan lain dari Kurochkin bahkan lebih Russified - puisi "Mr. Iskariots" (1861):
Tuan Iskariotov -
Orang aneh yang baik hati:
Patriot patriot
Anak kecil yang baik, teman yang ceria,
Menyebar seperti kucing
Bersandar seperti ular...
Mengapa orang-orang seperti itu?
Apakah kita sedikit berbeda?
.............................................
Pembaca yang rajin dari semua majalah,
Dia mampu dan siap
Kaum liberal yang paling bersemangat
Menakut-nakuti dengan aliran kata-kata.
Dia akan berteriak keras: "Glasnost! Glasnost!
Konduktor ide-ide suci!"
Tapi siapa yang tahu orang
Bisikan, merasakan bahaya:
Diam, diam, tuan-tuan!
Tuan Iskariotov,
Patriot patriot
Datang kesini!
Puisi Prancis tentang scammer "Monsieur Iscariot" (Iskariot disebut Yudas, yang mencela Kristus) bukan tanpa alasan berubah menjadi sindiran Rusia pada informan "Mr. Iscariotov." Vasily Kurochkin dengan sengaja merobek puisi Beranger dari akar Prancisnya dan mengubahnya menjadi fakta budaya Rusia. Dengan bantuan Beranger, ia menciptakan bahasa puisi sosial Rusia, menguasai kemungkinan artistik baru. Dan dia cukup berhasil.
Tetapi faktanya adalah bahwa keberuntungan di jalan yang dipilih harus menunggu terlalu lama; penyair domestik paruh kedua tahun 1850-an sudah bisa melakukannya tanpa Beranger, mengandalkan pengalaman artistik Nikolai Alekseevich Nekrasov. (Bab terpisah dikhususkan untuk biografi Nekrasov dan dunia artistik dalam buku teks.) Nekrasov-lah yang, untuk pertama kalinya, dalam kerangka tradisi budaya Rusia, berhasil menggabungkan "sosialitas" yang tidak sesuai - kasar dan lirik yang dalam , dialah yang menciptakan bahasa puisi baru, mengusulkan ritme baru untuk puisi asalnya yang sesuai dengan topik dan ide baru. Ketenaran nyata datang kepadanya segera setelah puisi "Saya mengemudi di sepanjang jalan yang gelap di malam hari ..." diterbitkan di majalah Sovremennik pada tahun 1847:
Apakah Anda ingat suara sedih terompet,
Percikan hujan, setengah terang, setengah gelap?
Anakmu menangis, dan tangannya dingin
Anda menghangatkannya dengan napas Anda ...
Semua orang membaca baris-baris pedih ini - dan mengerti: ini dia, kata baru dalam puisi, akhirnya menemukan satu-satunya bentuk sejati untuk sebuah cerita tentang pengalaman emosional yang terkait dengan kemiskinan, kekacauan, kehidupan ...
Dan tidak ada yang membantu para penyair tahun 1840-an untuk memecahkan masalah artistik dan bermakna yang mereka hadapi.
- Mengapa terjemahan puisi penyair Prancis Beranger Russified oleh Kurochkin? Baca kembali kutipan dari puisi "Pak Iskariot". Temukan di dalamnya contoh-contoh ekspresi yang sangat terkait dengan kehidupan sehari-hari pidato Rusia sehingga mereka merobek teks Beranger dari tradisi Prancis.
Lirik oleh Alexei Pleshcheev 
Namun demikian, bahkan pada tahun 1840-an, beberapa penyair Rusia mencoba berbicara tentang masalah sosial serius yang sama yang disinggung oleh prosa sosial dalam bahasa Pushkin-Lermontov yang sudah dikenal. Lebih sering daripada tidak, ini tidak terlalu berhasil. Bahkan yang paling berbakat di antara mereka.
Jadi, Alexei Nikolaevich Pleshcheev (1825-1893) sering menulis puisi politik dan sipil dalam dekade ini; inilah salah satu yang paling terkenal dan paling populer:
Maju! tanpa rasa takut dan ragu
Pada prestasi yang gagah berani, teman-teman!
Fajar penebusan suci
Saya sudah melihat di surga!... Jangan membuat idola untuk diri kita sendiri
Baik di bumi maupun di surga;
Untuk semua karunia dan berkah dunia
Kami tidak akan jatuh dalam debu di hadapannya! ..... Dengarkan baik-baik, saudara-saudara, kata-kata saudara laki-laki,
Sementara kita penuh dengan kekuatan muda:
Maju, maju, dan tidak kembali
Tidak peduli apa takdir menjanjikan kita di kejauhan!
(“Maju! tanpa rasa takut dan ragu ...”, 1846)
Pleshcheev sama sekali tidak membaca ide-ide pemberontakannya dari buku. Dia secara serius berpartisipasi dalam lingkaran revolusioner "Petrashevites" (lebih banyak tentang mereka akan dibahas dalam bab buku teks yang didedikasikan untuk Fyodor Mikhailovich Dostoevsky). Pada tahun 1849, penyair ditangkap dan, bersama dengan "Petrashevites" aktif lainnya, dijatuhi hukuman mati dengan "menembak". Setelah penantian yang mengerikan tepat di alun-alun tempat eksekusi akan dilakukan, dia diberitahu bahwa hukumannya telah diringankan dan bahwa eksekusi telah digantikan oleh dinas militer. Pleshcheev, yang selamat dari kejutan yang mengerikan, diasingkan ke Ural, dan hanya pada tahun 1859 ia diizinkan kembali ke Rusia tengah. (Pertama ke Moskow, lalu ke Petersburg.)
Jadi pikiran yang diungkapkan dalam puisi itu, Pleshcheev menderita, bertahan, dan membayar dengan nyawanya sendiri. Tapi biografi nyata adalah satu hal, dan kreativitas agak berbeda. Dalam puisi sipilnya tahun 1840-an, Pleshcheev masih menggunakan iambik empat kaki yang sudah dikenal, dihapus dari penggunaan yang sering, dan gambar puitis umum.
Kembali ke kutipan dari puisi “Maju! tanpa rasa takut dan ragu…”, baca ulang.
Penyair menggabungkan ide-ide yang berasal dari Alkitab ("Jangan membuat berhala untuk diri kita sendiri ... Mewartakan ajaran cinta ..."), dengan ide-ide modis tentang kemajuan dan kemenangan sains ("... Dan biarkan di bawah panji sains // Persatuan kita tumbuh lebih kuat dan tumbuh ..."). Tetapi dia tidak dapat menemukan panutan lain, kecuali ode Pushkin "Liberty", yang ditulis hampir tiga puluh tahun sebelumnya. Mungkin lirik politik Desembris - tetapi bagaimanapun juga, ini adalah waktu yang sama sekali berbeda di halaman, kehidupan itu sendiri berbicara dalam bahasa yang berbeda!
Pleshcheev secara harfiah memaksa dirinya untuk membuat sajak slogan-slogan revolusioner, materi artistik menolak hal ini - dan dalam bait terakhir Pleshcheev "mendorong" pemikiran ke dalam bentuk yang sulit diatur, melumpuhkan suara syair. Perhatikan betapa banyak suara di dua baris terakhir! "Maju, maju, dan tanpa kembali, // Apa pun yang dijanjikan batu di kejauhan kepada kita!" "VPRJ ... VPRJ ... BZVZVRT ... CHTBRKVD ..." Serangkaian tabrakan suara yang berkelanjutan, sama sekali tidak sesuai dengan rencananya.
Dan intinya di sini bukanlah bakat individu Alexei Pleshcheev. Dia hanyalah seorang penyair yang sangat berbakat, dan banyak puisinya termasuk dalam dana emas klasik Rusia. Tapi seperti itu - kontradiktif, tidak merata - adalah situasi sastra tahun 1840-an secara keseluruhan. Keadaan, seperti yang telah kami katakan, hanya akan berubah pada tahun 1850-an dan 1860-an, setelah Nekrasov berdiri di tengah-tengah proses sastra. Dan kemudian Pleshcheev secara bertahap akan menjauh dari "kemajuan" yang disengaja (walaupun kadang-kadang dia akan mengingat motif politik favoritnya), kembali ke tema puitis tradisional: kehidupan pedesaan, alam.
Baris Pleshcheev yang bersahaja dan sangat sederhana inilah yang akan dimasukkan dalam buku teks dan antologi sekolah dan akan akrab bagi setiap orang Rusia. Cukup dengan mengucapkan baris pertama - dan sisanya akan muncul dalam pikiran mereka sendiri: "Rumput itu hijau, // Matahari bersinar, // Seekor burung layang-layang dengan musim semi // Di kanopi terbang ke kita" ("Negara Song", 1858, diterjemahkan dari bahasa Polandia). Atau: "Gambar yang membosankan! // Awan tanpa akhir, // Hujan terus mengguyur, // Genangan air di teras..." (1860).
Begitulah nasib sastra para penyair Rusia yang kemudian mencoba mendandani pengalaman sosial yang dikumpulkan oleh prosa dalam materi syair yang halus. Dan ayat-ayat penulis lirik lain, yang tetap setia pada harmoni Pushkin, keanggunan "penyelesaian", terkadang memperoleh semacam museum, karakter peringatan.
- Mengapa penyair berbakat Aleksey Pleshcheev jarang berhasil menciptakan puisi "kewarganegaraan" pada tahun 1840-an?
Pada tahun 1842, kumpulan puisi pertama penyair muda, putra Akademisi Lukisan Apollon Nikolaevich Maikov (1821-1897), diterbitkan. Sejak awal ia menyatakan dirinya sebagai penyair klasik "tradisional"; seperti tentang lirik, jauh dari kehidupan sehari-hari, dari detail sesaat dari kehidupan yang cepat berlalu. Genre favorit Maykov adalah lirik antologis. (Ingat lagi: di Yunani Kuno, kumpulan puisi terbaik dan teladan disebut antologi; yang paling terkenal dari antologi kuno disusun oleh penyair Meleager pada abad ke-1 SM.) Artinya, Maikov menciptakan puisi yang bergaya plastik dunia proporsionalitas kuno, plastisitas, harmoni:
Harmoni syair misteri ilahi
Jangan berpikir untuk mengungkap dari buku-buku orang bijak:
Di tepi perairan yang mengantuk, berkeliaran sendirian, secara kebetulan,
Dengarkan dengan jiwamu bisikan alang-alang,
Saya berbicara pohon ek; suara mereka luar biasa
Rasakan dan pahami... Selaras dengan puisi
Tanpa sadar dari oktaf dimensi bibir Anda
Mereka akan mengalir, nyaring, seperti musik hutan ek.
("Oktaf", 1841)
Puisi ini ditulis oleh seorang penulis muda, tetapi langsung terasa: dia sudah menjadi master sejati. Ritme yang diperpanjang jelas dipertahankan, suara syair disubordinasikan ke struktur musik. Jika dalam satu ayat kita dapat dengan mudah membedakan onomatopoeia gemerisik alang-alang ("Dengarkan dengan jiwamu Bisikan alang-alang"), maka di ayat berikutnya kita akan mendengar gumaman hutan ("Pohon-pohon ek berbicara"). Dan pada akhirnya, suara lembut dan keras akan berdamai satu sama lain, bersatu menjadi harmoni yang halus: "OCTAVS UKURAN // Mereka akan mengalir, nyaring, seperti Musik pohon ek"...
Namun, jika kita mengingat puisi antologi Pushkin - dan membandingkan baris yang baru saja kita baca dengan mereka, amorf tertentu, kelesuan lirik Mike akan segera terungkap. Inilah bagaimana Pushkin menggambarkan patung Tsarskoye Selo pada tahun 1830:
Setelah menjatuhkan guci dengan air, gadis itu memecahkannya di tebing.
Gadis itu duduk dengan sedih, menganggur sambil memegang pecahan.
Keajaiban! air tidak akan mengering, mengalir keluar dari guci yang pecah;
Perawan, di atas aliran abadi, duduk selamanya sedih.
Berikut gambar yang tak terbendung - dan pada saat yang sama berhenti! - gerakan. Di sini skala suara idealnya cocok: suara "u" berdengung sedih ("Guci dengan air ... tentang tebing ... KEAJAIBAN ... dari Guci ... dengan jet ..."), bahan peledak suara "Ch" terhubung dengan "N" yang diperpanjang dan dia sendiri mulai terdengar lebih kental: "sayangnya ... abadi ... selamanya." Dan di baris pertama, benturan keras konsonan menyampaikan perasaan pukulan: "Ob UTeS her Virgo mengalahkannya."
Tapi ini tidak cukup untuk Pushkin. Dia mengomunikasikan kepada pembaca rasa kesedihan yang tersembunyi; keabadian dan kesedihan, kesempurnaan pahatan bentuk dan esensi kehidupan yang suram terkait erat dengannya. Demi ini, dia tampaknya membuat syair bergoyang, ulangi: "... gadis itu pecah ... gadis itu duduk ... gadis itu ... duduk dengan sedih." Pengulangan menciptakan efek gerakan melingkar tanpa harapan.
Dan Pushkin hanya membutuhkan satu kata tak terduga di antara ekspresi halus pahatan untuk menyakiti pembaca, menggaruknya, menusuknya sedikit. Kata itu adalah "menganggur". Kami bertemu ungkapan "pecahan kosong" - dan segera membayangkan kebingungan, kesedihan "perawan": hanya saja guci itu utuh, dimungkinkan untuk menuangkan anggur, air ke dalamnya - dan dalam satu detik menjadi "menganggur" ", tidak perlu, dan ini sudah selamanya...
Dan dengan Maikov, dengan semua kesempurnaan puisi awalnya, semuanya begitu sempurna sehingga tidak ada yang menarik perhatian mata. Rahasia dari ayat itu adalah "ilahi" (dan apa lagi itu?), airnya "mengantuk", suara hutan ek "luar biasa" ... Dan hanya beberapa tahun kemudian, gambar baru akan muncul dalam lirik Mike , menarik perhatian pembaca dengan kesegaran, tak terduga:
Musim semi! bingkai pertama terbuka -
Dan kebisingan masuk ke dalam ruangan,
Dan berkat dari kuil terdekat,
Dan pembicaraan orang-orang, dan kebisingan roda ...
("Musim semi! Bingkai pertama dipamerkan...", 1854).
Puisi lanskap mendiang Maykov, tanpa nada sosial, akan menimbulkan semacam tantangan pada nada umum zaman itu, selera puitis yang dominan:
Kebun saya layu setiap hari;
Itu kusut, rusak dan kosong,
Bahkan jika itu mekar dengan subur
Nasturtium di dalamnya adalah semak yang berapi-api ...Saya sedih! mengganggu saya
Dan matahari musim gugur bersinar
Dan daun yang jatuh dari pohon birch
Dan belalang terlambat retak...
("Menelan", 1856)
Nada umum puisi itu diredam, warnanya tidak memiliki "jeritan", nada tajam; tetapi di bagian paling dalam puisi itu, gambar yang sangat berani matang. Metafora layu yang luar biasa dari alam musim gugur kembali ke "Musim Gugur" Pushkin, tetapi betapa tak terduganya gambar semak nasturtium merah menyala, betapa kontradiktifnya perasaan pahlawan liris, yang sama sekali tidak senang dengan kemegahan ini, tetapi terganggu oleh "hal-hal kecil" dari kehidupan sehari-hari musim gugur ...
- Tugas kompleksitas meningkat. Baca puisi Yakov Polonsky, penulis lirik Rusia lainnya yang memulai karirnya di bidang sastra pada tahun 1840-an, tetapi baru mengungkapkan bakatnya pada dekade berikutnya. Siapkan laporan tentang dunia seninya, menggunakan saran guru dan literatur tambahan.
Kozma Prutkov
Ketika puisi "asli" berada dalam keadaan krisis, dengan susah payah mencari ide-ide baru dan bentuk ekspresi diri baru, genre parodi biasanya berkembang. Artinya, reproduksi komik kekhasan cara penulis, penyair tertentu.
Pada akhir 1840-an, Alexei Konstantinovich Tolstoy (1817-1875) dan sepupunya Alexei Mikhailovich (1821-1908) dan Vladimir Mikhailovich (1830-1884) Zhemchuzhnikovs menemukan... seorang penyair. (Terkadang saudara ketiga, Alexander Mikhailovich, bergabung dengan kerja parodi bersama.) Mereka mulai menulis puisi atas nama grafomaniak Kozma Prutkov yang tidak pernah ada, dan dalam puisi ini mereka memparodikan birokrasi dalam semua manifestasinya. Entah itu terlalu halus, dengan jari kelingking, puisi antologis atau lirik sipil yang terlalu megah.
Karena Prutkov datang dengan biografi "negara", mengubahnya menjadi pejabat, direktur Kamar Pengujian. Yang keempat dari saudara Zhemchuzhnikov, Lev Mikhailovich, melukis potret Prutkov, menggabungkan fitur martinet seorang birokrat dan topeng penyair romantis di dalamnya. Begitulah kedok sastra Kozma Prutkov, romantis palsu dan birokratis pada saat yang sama:
Ketika Anda bertemu seseorang di keramaian
Siapa yang telanjang;
[Opsi: Di mantel gaun mana. - Catatan. K.Prutkova]
Yang dahinya lebih gelap dari Kazbekistan yang berkabut,
Langkah tidak rata;
Yang rambutnya terangkat berantakan;
Siapa, berteriak,
Selalu gemetar karena gugup, -
Ketahuilah: ini aku!
("Potret saya")
Dalam kedok Kozma Prutkov, yang tidak cocok disatukan - citra romantis yang terlambat dari seorang penyair "aneh", liar, "yang telanjang," dan seorang pejabat, "yang jas berekornya dipakai." Dengan cara yang sama, dia tidak peduli tentang apa dan dengan cara apa menulis puisi - apakah akan mengulangi intonasi bravura dari Vladimir Benediktov, atau menulis dalam semangat antik, seperti Maikov atau penyair "antologis" lainnya pada tahun 1840-an:
Mencintaimu gadis saat emas
Dan bermandikan sinar matahari Anda memegang lemon,
Dan para pria muda melihat dagu yang mengembang
Antara daun acanthus dan kolom putih...
("Yunani Plastik Kuno")
Prutkov menangkap dengan cepat gaya banyak peniru Heine, pencipta puisi "sosial":
Di tepi laut, di pos terdepan,
Saya melihat sebuah taman besar.
Di sana tumbuh asparagus tinggi;
Kubis tumbuh sederhana di sana.Selalu ada tukang kebun di pagi hari
Malas lewat di antara punggung bukit;
Dia memakai celemek yang tidak rapi;
Suram penampilannya yang mendung.
............................................
Suatu hari dia berkendara ke arahnya
Pejabat di troika gagah.
Dia memakai sepatu karet yang hangat dan tinggi,
Di lehernya ada lorgnette emas."Dimana anak perempuanmu?" - bertanya
Seorang pejabat, menyipitkan mata ke lorgnette,
Tapi, terlihat liar, tukang kebun
Dia melambaikan tangannya sebagai tanggapan.Dan ketiganya melompat mundur,
Menyapu embun dari kubis...
Tukang kebun berdiri dengan murung
Dan menggali hidungnya dengan jarinya.
("Di tepi pantai")
Tetapi jika "kreativitas" Kozma Prutkov hanyalah parodi dan tidak lebih, ia akan mati seiring dengan zamannya. Tetapi tetap dalam kehidupan sehari-hari pembaca, karya-karya Prutkov telah dicetak ulang selama satu setengah abad. Jadi mereka telah melampaui batas genre! Tidak heran pencipta citra kolektif ini memasukkan ke dalam mulut karakter mereka teguran kepada feuilletonis dari surat kabar Saint Petersburg News: "Feuilletonist, saya membaca artikel Anda ... Anda menyebut saya di dalamnya; bukan apa-apa. Saya tidak' t memuji...
Apakah Anda mengatakan bahwa saya menulis parodi? Tidak sama sekali!.. Saya tidak menulis parodi sama sekali! Saya tidak pernah menulis parodi! Dari mana Anda mendapatkan ide bahwa saya menulis parodi?! Saya baru saja menganalisis dalam benak saya sebagian besar penyair yang sukses; analisis ini membawa saya ke sebuah sintesis; untuk talenta yang tersebar di antara penyair lain secara terpisah, ternyata digabungkan semua dalam diri saya menjadi satu! .. "
Dalam "kreativitas" Prutkov, motif modis puisi Rusia tahun 1840-an dan 1850-an memang diringkas, dilebur, gambar integral yang lucu dan dengan caranya sendiri dari seorang romantis birokrat, seorang grafomaniak yang terinspirasi, pengkhotbah banalitas yang sombong, penulis dari proyek "Pada pengenalan kebulatan suara di Rusia" dibuat. Tetapi pada saat yang sama, Prutkov kadang-kadang, seolah-olah secara kebetulan, berbicara tentang kebenaran; beberapa aforismenya telah memasuki percakapan kita sehari-hari, kehilangan makna ejekan mereka: "Jika Anda ingin bahagia, berbahagialah," "Seorang spesialis itu seperti fluks: kepenuhannya sepihak." Ada sesuatu yang sangat hidup dalam kepribadian sastra Prutkov. Dan karena itu, bukan parodi "Prutkov" dari penyair individu (sebagian besar - dilupakan dengan benar), tetapi justru citranya sendiri selamanya memasuki sejarah sastra Rusia.
- Apa itu parodi? Apakah mungkin untuk menganggap bahwa puisi yang ditulis atas nama Kozma Prutkov hanyalah parodi? Mengapa kreativitas parodik berkembang pada saat-saat ketika sastra berada dalam krisis?
Tentu saja, pada tahun 1850-an dan 1860-an, lebih menguntungkan bagi puisi, nasib sastra berkembang secara berbeda; banyak penyair Rusia, yang ketenarannya kami banggakan hingga hari ini, belum mendapat pengakuan pembaca. Jadi, dua puisi oleh kritikus sastra dan teater yang luar biasa Apollon Alexandrovich Grigoriev (1822-1864) - "Oh, bicaralah padaku setidaknya ..." dan "Gypsy Hungarian" - menarik perhatian umum hanya karena mereka memperoleh yang kedua - musik - hidup, menjadi roman populer. Keduanya didedikasikan untuk gitar, gairah gipsi, kerusakan fatal, obsesi cinta:
Oh, setidaknya bicaralah padaku
Teman tujuh senar!
Hatiku penuh dengan kesedihan seperti itu
Dan malam ini sangat terang bulan!
("Oh, bicaralah...", 1857)Dua gitar berdering
Rengek sedih...
Sejak kecil, lagu yang tak terlupakan,
Teman lamaku, kan?
.........................................
Itu kamu, gagah,
Kamu, gabungan kesedihan yang jahat
Dengan kegairahan seorang bayadère -
Anda, motif orang Hongaria!
Chibiryak, chibiryak, chibiryashechka,
Dengan mata biru kamu, sayangku!
.........
Biar makin sakit
suara melolong,
Untuk membuat jantung lebih cepat
Penuh dengan rasa sakit!
("Hongaria Gipsi", 1857)
Apollon Grigoriev tahu secara langsung apa arti "keberanian"; ia dibesarkan di Zamoskvorechye patriarkal, dalam keluarga bangsawan yang keluar dari kelas budak (kakek Grigoriev adalah seorang petani), dan di Rusia, tanpa menahan diri, ia memperlakukan segalanya - baik pekerjaan maupun kesenangan. Dia meninggalkan karier yang menguntungkan, selalu membutuhkan, minum banyak, dua kali duduk di lubang hutang - dan benar-benar mati selama hukuman penjara ...
Sebagai orang berpendidikan Eropa, Grigoriev membela ide-ide identitas nasional dalam artikel-artikel kritis. Dia menyebut prinsip-prinsip kritiknya organik, yaitu, co-natural dengan seni, berbeda dengan kritik "historis" Belinsky atau kritik "nyata" Dobrolyubov. Orang-orang sezaman membaca dan secara aktif mendiskusikan artikel Grigoriev; namun, selama kehidupan penyair, puisi-puisinya yang indah diterbitkan sebagai edisi terpisah hanya sekali - dan dalam edisi kecil, hanya lima puluh eksemplar ...
- Baca "Gypsy Hungarian" oleh Apollon Grigoriev. Ungkapkan ciri-ciri romansa dalam konstruksi puisi, tunjukkan bagaimana awal "musik" terkandung dalam strukturnya.
Alexey Tolstoy
Sebaliknya, biografi sastra Alexei Konstantinovich Tolstoy (1817-1875), salah satu "pencipta" utama Kozma Prutkov, berkembang jauh lebih sukses. (Anda telah membaca di sekolah dasar puisinya yang indah "Loncengku, Bunga-bunga Stepa...", yang, seperti banyak puisi Tolstoy, telah menjadi roman populer.)
Berasal dari keluarga tua, setelah menghabiskan masa kecilnya di tanah Rusia Kecil ibunya di wilayah Chernihiv, Alexei Konstantinovich, sepuluh tahun, diperkenalkan dengan Goethe yang hebat. Dan ini bukan "kenalan sastra" pertama Alexei muda. Pamannya, Alexey Perovsky (nama samaran - Anthony Pogorelsky), adalah seorang penulis romantis yang luar biasa, penulis dongeng "The Black Hen", yang telah dibaca banyak dari Anda. Dia mengumpulkan seluruh warna sastra Rusia di rumahnya di St. Petersburg - Pushkin, Zhukovsky, Krylov, Gogol; keponakannya diterima di pertemuan "abadi" ini - dan selama sisa hidupnya dia ingat percakapan, komentar, komentar mereka.
Tidak mengherankan bahwa pada usia enam tahun dia sudah mulai menulis; Zhukovsky sendiri menyetujui puisi pertamanya. Dan kemudian Tolstoy juga menulis prosa; dalam novel sejarahnya The Silver Prince (selesai pada tahun 1861), orang-orang mulia akan bertindak dan nafsu yang tulus akan berkuasa; Selain itu, Alexei Konstantinovich sama sekali tidak malu dengan kenyataan bahwa prinsip-prinsip romantis Walter Scott, yang selalu dia ikuti, dianggap oleh banyak orang sudah ketinggalan zaman. Kebenaran tidak bisa ketinggalan zaman, dan itu di bawah martabatnya untuk diperhitungkan dengan mode sastra.
Pada tahun 1834, Alexei Konstantinovich memasuki dinas kedaulatan di arsip Kementerian Luar Negeri Moskow, mempelajari manuskrip Rusia kuno; kemudian dia melayani dalam misi Rusia di Frankfurt am Main; akhirnya, dia terdaftar di kantor Yang Mulia sendiri - dan menjadi punggawa sejati. Di pengadilan ia bertemu calon istrinya, Sofya Andreevna Miller (nee Bakhmetyeva), - mereka bertemu di sebuah pesta pada musim dingin 1850/51.
Karier birokrasi Tolstoy berkembang dengan sukses; dia tahu bagaimana mempertahankan kemandirian batin, mengikuti prinsipnya sendiri. Tolstoy-lah yang membantu membebaskan Taras Shevchenko, penyair besar Ukraina, penulis puisi brilian "The Wide Dnieper Roars and Groans" dari pengasingan di Asia Tengah dan dari dinas militer; melakukan segalanya sehingga Ivan Sergeevich Turgenev dibebaskan dari pengasingan di Spasskoe-Lutovinovo untuk obituari untuk mengenang Gogol; ketika Alexander II pernah bertanya kepada Alexei Konstantinovich: "Apa yang sedang dilakukan dalam sastra Rusia?", dia menjawab: "Sastra Rusia telah berkabung atas kecaman yang tidak adil terhadap Chernyshevsky."
Namun demikian, pada pertengahan 1850-an, setelah berhasil mengambil bagian dalam Perang Krimea, yang sangat tidak berhasil bagi Rusia, Tolstoy memutuskan untuk pensiun, untuk membebaskan dirinya dari layanan yang telah lama membebani dirinya. Tetapi hanya pada tahun 1861, Alexander II memberikan pengunduran dirinya - dan Alexei Konstantinovich dapat berkonsentrasi penuh pada karya sastra.
Pada saat ini, dunia seninya telah berkembang sepenuhnya. Karena Tolstoy sendiri dibedakan oleh integritas batin, kesehatan mental yang langka, maka pahlawan lirisnya asing bagi keraguan yang tak terpecahkan, melankolis; cita-cita keterbukaan Rusia, kemurnian perasaan sangat dekat dengannya:
Jika Anda mencintai, jadi tanpa alasan,
Jika Anda mengancam, itu bukan lelucon,
Jika Anda memarahi, begitu gegabah,
Jika Anda memotong, itu sangat ceroboh!Jika Anda berdebat, itu sangat berani
Kohl untuk menghukum, jadi untuk penyebabnya,
Jika Anda memaafkan, maka dengan sepenuh hati Anda,
Jika ada pesta, maka pesta adalah gunung!
Dalam delapan baris ini, yang ditulis pada tahun 1850 atau 1851, tidak ada julukan tunggal: pahlawan liris tidak membutuhkan nuansa, ia berusaha untuk kepastian, kecerahan nada utama. Untuk alasan yang sama, Tolstoy menghindari variasi dalam struktur puisi itu sendiri; prinsip kebulatan suara (anaphora) digunakan secara konsisten, berpindah dari baris ke baris: "Kol ... jadi." Seolah-olah penyair dengan penuh semangat mengetuk tangannya di atas meja, mengalahkan ritme yang jelas ...
Tolstoy tidak pernah bergabung dengan kubu mana pun yang bertikai - orang Barat dan Slavofil; dia adalah seorang pria budaya dunia - dan pada saat yang sama pembawa tradisi yang sangat Rusia. Cita-cita politiknya adalah Republik Novgorod, dengan struktur demokrasinya; dia percaya bahwa otoritas domestik pernah mengikuti prinsip-prinsip moral, tetapi di dunia modern mereka telah kehilangannya, menukarnya dengan kepentingan politik, mereduksinya menjadi perjuangan kecil dari berbagai kelompok. Ini berarti bahwa penyair tidak dapat berdampingan dengan "platform" ideologis apa pun. Begitu juga pahlawan lirisnya - "Dua kubu bukanlah pejuang, tetapi hanya tamu yang tidak disengaja"; dia bebas dari segala jenis kewajiban "pesta".
Bukan tanpa alasan bahwa banyak puisi Tolstoy - seperti puisi-puisi karya Grigoriev yang kita bicarakan - diatur ke musik, menjadi roman "nyata" dan masih dinyanyikan hingga hari ini:
Di tengah-tengah bola yang berisik, secara kebetulan,
Dalam gejolak dunia,
Aku melihatmu, tapi misteri
Fitur terselubung Anda;Hanya mata sedih yang terlihat
Dan suara itu terdengar sangat indah,
Seperti suara seruling yang jauh,
Seperti ombak lautan.
...............................................
Dan sayangnya aku tertidur jadi
Dan dalam mimpi yang tidak diketahui aku tidur ...
Apakah aku mencintaimu - aku tidak tahu
Tapi saya pikir saya menyukainya!
("Di tengah-tengah bola yang berisik, kebetulan ...", 1851)
Mempertahankan motif romantis tradisional, Tolstoy tanpa terasa "meluruskan" mereka, dengan sengaja menyederhanakannya. Tapi bukan karena dia takut mendekati jurang maut, menghadapi masalah yang tak terpecahkan, tapi karena sifat sehatnya yang muak dengan segala ambiguitas, ketidakpastian. Untuk alasan yang sama, liriknya tidak memiliki ironi romantis, dengan tragedi batinnya, penderitaan; tempatnya diambil oleh humor - tawa bebas dari orang yang ceria atas ketidaksempurnaan hidup, atas ketidakpraktisan mimpi.
Puisi lucu paling terkenal oleh Tolstoy - "Sejarah Negara Rusia dari Gostomysl hingga Timashev" memiliki sebutan genre: "satir". Tapi mari kita baca ayat-ayat ini, yang secara mengejek menjelaskan peristiwa-peristiwa utama sejarah nasional:
Dengarkan teman-teman
Apa yang akan kakekmu katakan padamu?
Tanah kami kaya
Hanya saja tidak ada urutan di dalamnya.
.......................................
Dan mereka semua menjadi di bawah panji
Dan mereka berkata: "Bagaimana kita bisa?
Mari kita kirim ke Varangian:
Biarkan mereka datang untuk memerintah."
Apa hal utama dalam baris-baris lucu ini? Sebuah kecaman satir, marah, pedas dari kekurangan tradisional Rusia, atau ejekan orang Rusia yang mendalam pada dirinya sendiri, pada sejarah yang dicintainya, pada kekekalan kejahatan domestik? Tentu saja, yang kedua; Tidak heran penulis memakai topeng joker tua, dan menyamakan pembaca dengan orang kecil! Faktanya, Alexei Tolstoy tidak membuat sindiran yang mematikan, tetapi parodi yang sedih dan lucu. Dia memparodikan bentuk kronik, gambar penulis sejarah ("Dikompilasi dari bilah rumput // Kisah yang tidak bijaksana // Biksu kurus yang rendah hati // Hamba Tuhan Alexei"). Tetapi subjek utama parodinya berbeda, dan yang mana - akan kami katakan nanti.
Ada 83 bait dalam puisi itu, dan dalam volume yang begitu pendek, Tolstoy berhasil memasukkan cerita parodi tentang semua peristiwa simbolis utama dalam sejarah Rusia, dari pemanggilan kaum Varangia dan pembaptisan Rusia hingga tahun 1868, ketika puisi-puisi itu dibuat. tertulis:
Kapan Vladimir masuk?
Ke tahta ayahmu
......................................
Dia mengirim pendeta
Ke Athena dan Tsargrad,
Para pendeta datang berbondong-bondong
Dibaptis dan disensorBernyanyilah dengan manis untuk diri mereka sendiri
Dan isi kantong mereka;
Bumi, sebagaimana adanya, berlimpah,
Hanya tidak ada pesanan.
Tentu saja, ini diikuti oleh serangkaian perselisihan pangeran - "Tatar mengetahuinya. // Yah, mereka pikir, jangan takut! // Kenakan pof, // Kami tiba di Rusia ... // Mereka berteriak : "Mari kita membayar upeti!" // (Meskipun membawa orang-orang kudus keluar.) // Ada banyak sampah di sini // Itu telah datang ke Rusia". Tapi tetap tidak ada pesanan. Baik pendatang baru Barat, maupun "imam" Bizantium, atau Tatar-Mongol - tidak ada yang membawanya, tidak ada yang mengatasi kekacauan Rusia yang tidak berubah. Dan di sini, dari kedalaman sejarah nasional, muncul "penata" sendiri:
Ivan Vasilievich yang Mengerikan
Dia punya nama
Karena serius
Orang yang solid.Resepsi tidak manis,
Tetapi pikiran tidak timpang;
Perintah yang dibawa seperti itu
Apa yang menggulung bola!
Dengan demikian, pandangan Tolstoy sendiri - dan sangat serius - tentang esensi sejarah Rusia muncul melalui parodi. Kesalahannya adalah kelanjutan dari kebajikannya; "gangguan" ini menghancurkannya - dan, sayangnya, memungkinkan Rusia untuk mempertahankan orisinalitasnya. Tidak ada yang baik dalam hal itu, tetapi apa yang bisa dilakukan ... Hanya dua penguasa yang berhasil memaksakan "ketertiban" padanya: Ivan the Terrible dan Peter I. Tapi berapa biayanya!
Tsar Peter menyukai ketertiban,
Hampir seperti Tsar Ivan,
Dan itu juga tidak manis.
Terkadang dia mabuk.Dia berkata: "Aku merasa kasihan padamu,
Anda akan binasa sepenuhnya;
Tapi aku punya tongkat
Dan aku ayahmu!"
Tolstoy tidak mengutuk Peter ("... Saya tidak menyalahkan Peter: // Berikan perut yang sakit // Bagus untuk rhubarb"), tetapi tidak menerima kekakuannya yang berlebihan. Semakin banyak konten yang mendalam terbenam dalam cangkang parodi yang ringan, kesedihan muncul melalui humor. Ya, Rusia sakit, tetapi perawatannya mungkin menjadi lebih buruk, dan hasil "penyembuhan" masih berumur pendek: "... Meskipun dia sangat kuat // Mungkin ada resepsi, // Tapi masih cukup kuat // Perintah telah menjadi // Tapi tidur menguasai kuburan // Peter di puncak kehidupan, // Kamu lihat, tanahnya berlimpah, // Tidak ada ketertiban lagi.
Genre satire memberi jalan kepada genre parodi, dan parodi itu tanpa terasa berubah menjadi puisi filosofis, meskipun ditulis dengan cara yang menyenangkan. Tetapi jika parodi dapat dilakukan tanpa konten positif, tanpa cita-cita, maka puisi filosofis tidak akan pernah bisa. Jadi, di suatu tempat pasti ada jawaban Tolstoy sendiri yang tersembunyi atas pertanyaan: apa yang masih bisa menyembuhkan sejarah Rusia dari penyakit berusia berabad-abad? Bukan Varangian, bukan Byzantium, bukan "tongkat" - lalu apa? Mungkin jawaban tersembunyi untuk pertanyaan yang jelas terkandung dalam bait-bait ini:
Apa alasannya?
Dan di mana akar kejahatan,
Catherine sendiri
Tidak bisa mendapatkannya."Nyonya, bersamamu itu luar biasa
Pesanan akan mekar
Menulis padanya dengan sopan
Voltaire dan DiderotHanya orang-orang yang membutuhkan
kepada siapa Anda adalah ibu,
Melainkan memberikan kebebasan
Mari beri Anda kebebasan."
Tetapi Catherine takut akan kebebasan, yang memungkinkan orang untuk menyembuhkan diri mereka sendiri: "... Dan segera menempelkan // Ukraina ke tanah."
Puisi berakhir dengan bait tentang kontemporer Tolstoy, Menteri Dalam Negeri Timashev, pendukung ketat "ketertiban". Ketertiban di Rusia dibuat seperti sebelumnya - dengan tongkat; Tidak sulit menebak apa yang ada di depannya.
- Apa perbedaan antara satire dan humor? Mengapa genre parodi begitu dekat dengan Alexei Konstantinovich Tolstoy? Menurut Anda mengapa dia memilih bentuk parodik untuk puisi filosofis tentang nasib sejarah Rusia?
Penyair tahun 1870-an dan 1880-an
Anda sudah tahu bahwa seluruh paruh kedua abad ke-19, dari pertengahan 1850-an hingga awal 1880-an, berlalu di bawah tanda Nekrasov, bahwa era itu berbicara dengan suara Nekrasov. Di bab berikutnya dari buku teks, Anda akan berkenalan secara detail dengan dunia artistik Nekrasov, belajar menganalisis puisi dan puisinya. Sedikit lebih jauh, dalam bayangan publiknya, ada dua penulis lirik hebat lainnya, Fyodor Tyutchev dan Afanasy Fet. Mereka juga memiliki bab terpisah dalam buku teks. Sementara itu, mari kita langsung dari tahun 1850-an hingga 1870-an-1880-an, mari kita lihat apa yang terjadi pada puisi Rusia setelah Nekrasov.
Dan hal yang hampir sama terjadi padanya seperti setelah Pushkin, setelah Lermontov, setelah kepergian penulis besar mana pun. Puisi Rusia kembali bingung, tidak tahu jalan mana yang harus diikuti. Beberapa penulis lirik mengembangkan motif sosial dan sipil. Misalnya, Semyon Yakovlevich Nadson (1862-1887). Sama seperti Vladimir Benediktov mengambil prinsip artistik dari lirik romantis secara ekstrem, Nadson memadatkan hingga batas kesedihan dan gaya lirik sipil model Nekrasov:
Sahabatku, saudaraku, saudaraku yang lelah dan menderita,
Siapapun kamu, jangan menyerah.
Biarkan ketidakbenaran dan kejahatan berkuasa
Di atas bumi dicuci dengan air mata
Biarkan cita-cita suci dihancurkan dan dinodai
Dan darah tak berdosa mengalir,
Percaya: waktunya akan tiba - dan Baal akan binasa,
Dan cinta akan kembali ke bumi! ..
Puisi-puisi Nadson menikmati popularitas luar biasa di tahun 1880-an - hampir seperti puisi-puisi Benediktov di tahun 1830-an. Pleshcheev merawatnya; Kumpulan puisi Nadson, pertama kali diterbitkan pada tahun 1885, melewati lima edisi seumur hidup, Academy of Sciences memberinya Hadiah Pushkin. Dia disebut penyair penderitaan, penderitaan sipil. Dan ketika, setelah hidup hanya dua puluh lima tahun, Nadson meninggal karena konsumsi, kerumunan siswa menemani peti matinya ke kuburan ...
Tetapi beberapa tahun berlalu - dan kemuliaan Nadson mulai memudar. Tiba-tiba, entah bagaimana ternyata dengan sendirinya dia terlalu bermoral, terlalu lugas, gambarnya kurang volume dan kedalaman, dan banyak puisinya hanya meniru.
Mengapa ini tidak diperhatikan selama masa hidup penyair?
Ini kadang-kadang terjadi dalam sastra: penulis tampaknya jatuh ke titik sakit di zamannya, dia berbicara tentang apa yang dipikirkan orang-orang sezamannya saat ini. Dan mereka dengan sepenuh hati menanggapi kata puitis dan sastranya. Ada efek resonansi, suara pekerjaan diperkuat berkali-kali. Dan pertanyaan tentang seberapa artistik kata ini, seberapa orisinalnya, memudar ke latar belakang. Dan ketika beberapa waktu berlalu dan masalah lain muncul di hadapan masyarakat, maka semua kekurangan artistik yang tersembunyi, "ketidaksempurnaan" kreatif terungkap.
Sebagian, ini juga berlaku untuk penyair populer lain tahun 1870-1880-an - Alexei Nikolayevich Apukhtin (1840-1893). Tidak seperti Nadson, dia tidak berasal dari birokrasi dan raznochinny, tetapi dari keluarga bangsawan yang terpandang. Masa kecilnya berlalu dengan tenang, di tanah milik orang tua; ia belajar di Sekolah Tinggi Hukum di St. Petersburg. Dan dia tidak melanjutkan tradisi sosial dan sipil Nekrasov, tetapi garis perkembangan puisi Rusia yang digariskan Maykov pada masanya.
Apukhtin memperlakukan puisi sebagai seni murni, tanpa tendensi, bebas dari pelayanan publik, seolah-olah disuling. Dia berperilaku sesuai - dengan menantang menghindari partisipasi dalam proses sastra "profesional", dapat menghilang dari bidang pandang majalah selama satu dekade, kemudian mulai mencetak lagi. Pembaca, dan terutama pembaca wanita, masih menghargai Apukhtin; intonasinya yang lembut dan terputus-putus, hubungan batin puisinya dengan hukum genre roman - semua ini bergema di hati pembaca:
Malam gila, malam tanpa tidur
Bicara tidak jelas, mata lelah ...
Malam diterangi oleh api terakhir,
Bunga mati musim gugur terlambat!
Bahkan jika waktu adalah tangan tanpa ampun
Itu menunjukkan padaku apa yang salah dalam dirimu,
Namun demikian, saya terbang ke Anda dengan memori serakah,
Mencari hal yang mustahil di masa lalu...
Dan kemudian, setelah beberapa waktu, dan lirik Apukhta mulai terdengar semakin teredam, teredam; sentimentalitasnya yang berlebihan, kurangnya kedalaman yang nyata, mulai muncul dengan sendirinya. Tempat Nadson dan Apukhtin diambil oleh penyair "modis" baru milik generasi sastra berikutnya - Konstantin Fofanov, Mirra Lokhvitskaya. Mereka mendudukinya - untuk kemudian, pada gilirannya, menyerahkannya kepada "pemain" lain dari peran sastra yang sudah jadi.
Lirik oleh Konstantin Sluchevsky
Tetapi pada tahun 1880-an dan 1890-an, ada bakat yang benar-benar hebat dalam puisi Rusia, yang tidak hanya bergema dengan zamannya, tetapi menyusulnya, bekerja untuk masa depan. Salah satunya adalah penyair lirik halus Konstantin Konstantinovich Sluchevsky (1837-1904).
Ia dilahirkan pada tahun kematian Pushkin dalam keluarga seorang pejabat besar (ayahnya, seorang senator, meninggal dalam epidemi kolera tahun 1848, dan ibunya menjadi kepala Institut Gadis Alexander-Mariinsky Warsawa). Sluchevsky belajar di Korps Kadet Pertama dan bahkan terdaftar dalam Buku Emas Lulusan; lalu dia servis dengan brilian...
Orang-orang di sekitarnya selalu menganggap Sluchevsky sebagai pribadi yang utuh; pengekangan aristokratnya, didikan yang ketat menyesatkan orang-orang di sekitarnya. Karena dalam puisinya terungkap dunia batin yang sangat berbeda dan dramatis, terkait dengan perasaan hidup yang romantis sebagai alam dualitas:
Aku tidak pernah pergi kemanapun sendirian
Kami berdua hidup di antara orang-orang:
Yang pertama adalah saya, apa yang saya telah menjadi dalam penampilan,
Dan yang lainnya - maka saya adalah impian saya ...
Tetapi untuk saat ini, hampir tidak ada rombongan Sluchevsky yang membaca puisi-puisi ini, mereka diterbitkan dalam publikasi kelas tiga. Tetapi pada tahun 1860 Sovremennik membuka tahun dengan pilihan puisi liris Sluchevsky, dan kemudian siklus puitisnya muncul di Otechestvennye Zapiski. Kritikus dan penyair yang antusias Apollon Grigoriev menyatakan penyair baru itu jenius, Ivan Turgenev (yang kemudian akan bertengkar dengan Sluchevsky dan memparodikannya dalam novel "Smoke" dengan nama Voroshilov) setuju: "Ya, ayah, ini adalah masa depan yang hebat penulis."
Pengakuan itu menginspirasi, tetapi Sluchevsky menjadi sandera perjuangan sastra yang sengit pada tahun-tahun itu. Diterima di satu "kamp", dia langsung ditolak di yang lain. Sayap editor Sovremennik yang sangat beragam memutuskan untuk mengucilkan penyair dari majalah, terlepas dari simpati yang dirasakan Nekrasov sendiri terhadap penulis lirik muda itu. Dari halaman-halaman publikasi revolusioner-demokratis lainnya, Sluchevsky dicemooh, dia digambarkan sebagai seorang yang mundur, seorang pria tanpa ide.
Hasilnya melebihi harapan: berpikir dalam kategori kehormatan dan martabat mulia yang "ketinggalan zaman", Sluchevsky menganggap bahwa seorang perwira dan bangsawan tidak boleh menjadi pahlawan feuilleton. Dan - dia pensiun untuk meninggalkan Rusia. Dia menghabiskan beberapa tahun di Universitas Paris - di Sorbonne, di Berlin, di Universitas Leipzig, mempelajari ilmu alam, matematika. Dan di Heidelberg ia menjadi doktor filsafat.
Pada akhirnya, pada tahun 1866, ia kembali ke Rusia dan mulai membuat karier baru - sudah di jalur sipil. Dia jatuh ke dalam jumlah rekan dekat keluarga kerajaan, menjadi bendahara. Tetapi dari keterkejutan yang menimpanya di awal perjalanan sastranya, dia tidak pernah pulih. Dan karena itu ia membangun biografi puitisnya sebagai non-sastra, amatir, tidak terlibat dalam lingkungan profesional. (Dalam hal ini dia dekat dengan Apukhtin.)
Di antara puisi-puisi yang ditulis oleh Sluchevsky pada tahun 1860-an dan 1870-an dan tidak diterbitkan, kita hampir tidak akan menemukan puisi-puisi khotbah yang "terprogram". Struktur artistik mereka sangat tidak merata, dan gaya mereka jelas heterogen. Sluchevsky adalah salah satu yang pertama dalam puisi Rusia yang mulai menggunakan tidak hanya sehari-hari, pidato sehari-hari, tetapi bahkan pekerjaan klerikal: "Menurut totalitas fenomena bercahaya ...", "Fajar telah berkobar dengan cara yang tepat .. .". Dia mengembangkan puisi khusus dari konsonan yang tidak tepat, sajak yang tidak berpasangan:
Saya melihat pemakaman saya.
Tinggi lilin terbakar,
Diakon yang tidak bisa tidur itu mengasingkan diri,
Dan paduan suara serak bernyanyi.
................................................
Kakak dan adik yang sedih
(Betapa alam tidak dapat dipahami oleh kita!)
Menangis di pertemuan yang menyenangkan
Dengan seperempat dari pendapatan.
................................................
Para antek sedang berdoa di luar pintu,
Mengucapkan selamat tinggal pada tempat yang hilang
Dan di dapur, juru masak yang makan berlebihan
mengutak-atik adonan yang mengembang...
Dalam puisi-puisi awal ini, pengaruh lirik sosial yang pahit dari Heinrich Heine sangat terasa; Seperti kebanyakan penulis lirik Rusia pada paruh kedua abad ke-19, Sluchevsky jatuh ke dalam medan energi yang kuat dari "romantis terakhir" ini. Tetapi sesuatu yang lain sudah terlihat di sini: Sluchevsky memiliki ide lintas sektoralnya sendiri, yang perwujudannya tidak membutuhkan bentuk puisi yang harmonis dan sempurna, tetapi syair kasar, "belum selesai", tidak berpasangan, semacam sajak "tersandung".
Ini adalah gagasan fragmentasi, tentang perpecahan tragis kehidupan manusia, di mana jiwa, pikiran, hati bergema sama lemah dan tulinya seperti sajak yang tidak berpasangan dalam syair.
Mungkin yang paling khas - dan sekaligus yang paling ekspresif - adalah puisi Sluchevsky "Petir jatuh ke sungai ...". Itu hanya berbicara tentang ketidakmungkinan pertemuan, tentang penderitaan yang tak terhindarkan, tentang ketidakmungkinan cinta: "Petir jatuh ke sungai. // Airnya tidak menjadi panas. // Dan aliran itu menembus ke dasar, / / Dia tidak mendengar melalui gemerisik jet ...<...>Tidak ada cara lain: / Dan saya akan memaafkan, dan Anda memaafkan. "Bukan tanpa alasan bahwa motif kuburan terus-menerus muncul dalam puisi Sluchevsky, suram seperti angin malam; bukan tanpa alasan bahwa rencana tersembunyi kedua muncul melalui sketsa sosialnya.Rencananya mistis.
Sluchevsky terus-menerus menulis tentang Mephistopheles, yang merambah dunia, tentang iblis jahat, yang gambarnya yang berlipat ganda dan samar-samar muncul di sini sepanjang waktu. Pandangan dunia seperti itu tidak hanya menjadi ciri khas Sluchevsky; pahlawan lirisnya bukan tanpa alasan menyerupai pahlawan "bawah tanah" Dostoevsky. Hanya saja Sluchevsky adalah salah satu yang pertama menangkap dan menangkap dalam puisinya sikap yang akan menentukan banyak dalam lirik Rusia - dan secara umum dalam budaya Rusia - pada akhir abad ke-19. Sikap ini nantinya akan disebut dekadensi, dari kata Perancis yang berarti kemunduran, krisis kesadaran yang menyakitkan. Penyair ingin disembuhkan dari kekecewaan ini - dan tidak dapat menemukan penyembuhan dalam apa pun: baik dalam kehidupan sosial, maupun dalam refleksi tentang kehidupan abadi.
- Tugas kompleksitas meningkat. Baca puisi Sluchevsky: "Aku lelah di ladang, aku akan tertidur nyenyak, // Setelah di desa untuk makan. // Melalui jendela yang terbuka aku bisa melihat // Dan kebun kami, dan sepotong brokat / / Malam yang indah... Udaranya cerah... // Betapa hening dan sunyi! Aku akan tertidur, penuh kasih // Seluruh dunia Tuhan... Tapi jerat itu berteriak! // Atau apakah aku telah meninggalkan diriku sendiri? " Jelaskan mengapa penyair berturut-turut, dipisahkan dengan koma, menggunakan ekspresi umum ("Aku akan tertidur nyenyak", "ke desa untuk grub") - dan puitis umum, kosakata luhur ("... sepotong brokat / / Semoga malammu menyenangkan ...")? Tahukah Anda dari mana gambar ini berasal dalam puisi Sluchevsky: "berteriak berulang kali! // Atau apakah saya meninggalkan diri saya sendiri?"? Jika tidak, coba baca bab terakhir dari keempat Injil, yang menceritakan tentang penyangkalan Kristus oleh Rasul Petrus. Sekarang rumuskan bagaimana Anda memahami pemikiran penyair yang diungkapkan dalam baris terakhir.
Puisi Rusia Akhir Abad dan Penulis Lirik Prancis tahun 1860-an-1880-an
Charles Baudelaire. Paul Verlaine. Arthur Rimbaud
Seperti yang telah kami katakan, sastra Rusia pada sepertiga pertama abad ke-19 adalah mahasiswa sastra Barat yang rajin. Dia dengan cepat mengejar "mentor" -nya, belajar dengan romantisme Jerman dan Inggris, kemudian dengan naturalis Prancis. Dan pada akhirnya "terjebak" dengan kursus umum budaya dunia, menjadi peserta yang setara dalam proses budaya.
Ini tidak berarti bahwa penulis Rusia benar-benar berhenti mengadopsi pengalaman orang lain (hanya orang bodoh yang menolak pelajaran yang berguna); tetapi ini berarti bahwa mereka telah memperoleh kemerdekaan internal, telah belajar untuk bergerak secara paralel, berbarengan dengan rekan-rekan mereka di Eropa. Oleh karena itu, banyak yang terjadi dalam puisi Rusia pada paruh kedua abad ke-19 tampaknya berima dengan apa yang terjadi pada saat yang sama dalam puisi Eropa, khususnya Prancis. Di sini kita tidak berbicara banyak tentang pengaruh tetapi tentang kesamaan non-acak. Atau, seperti yang dikatakan sejarawan dan kritikus sastra, tentang tipologi.
Anda tahu bahwa setelah Nekrasov, penyair lirik Rusia terbaik kembali ke motif romantis ganda, kelesuan semangat, nada keputusasaan terdengar dalam karya mereka, suasana penurunan muncul. Motif yang sama mudah ditemukan dalam puisi Prancis tahun 1860-an-1880-an.
Penulis lirik terkemuka Charles Baudelaire (1821-1867), seorang kiri, seorang pemberontak yang secara langsung berpartisipasi dalam peristiwa-peristiwa revolusioner tahun 1848, menerbitkan pada tahun 1857 kumpulan puisi "Bunga Jahat". (Koleksinya, yang diperbarui, dicetak ulang beberapa kali.) Puisi-puisi yang dikumpulkan dalam buku ini tidak hanya menantang moralitas borjuis kecil (universal); pahlawan liris Baudelaire mengalami kekecewaan ekstrem yang hampir mistis dalam fondasi peradaban Kristen dan menutupi perasaannya yang sangat tidak harmonis dalam bentuk klasik yang sempurna.
Katakan padaku dari mana asalmu, Kecantikan?
Apakah pandangan Anda biru surga atau produk neraka?
Anda, seperti anggur, memabukkan bibir yang menempel,
Sama halnya, Anda senang menabur kegembiraan dan intrik.
Fajar dan senja yang memudar di matamu,
Anda mengalirkan aromanya, seolah-olah malam itu penuh badai;
Anak itu menjadi pahlawan, yang hebat jatuh ke debu,
Setelah meminum bibirmu dengan guci yang mempesona.
Seperti para pendahulunya yang romantis, Baudelaire melanggar estetika dan moralitas, dan dengan menantang, dengan menantang; serunya, beralih ke Kecantikan: "Kamu berjalan di atas mayat dengan senyum bangga, / Berlian horor mengalirkan kecemerlangan kejam mereka ..." Ini tidak membuatnya takut; bukan Kecantikan yang mandiri yang mengerikan, tetapi dunia tempat ia datang. Dan karena itu dia menerima bencana alamnya sebagai jalan keluar yang mengerikan dari keputusasaan duniawi:
Apakah Anda Tuhan atau Setan? Apakah Anda seorang malaikat atau sirene?
Bukankah semuanya sama: hanya Anda, Ratu Kecantikan,
Anda membebaskan dunia dari penawanan yang menyakitkan,
Anda mengirim dupa dan suara dan warna!
("Nyanyian untuk Keindahan." Per. Ellis)
Amoralisme menjadi prinsip artistik bagi Baudelaire. Tetapi jika Anda membaca puisinya dengan cermat - cerah, berbahaya, sangat mirip dengan bunga rawa, itu akan menjadi jelas: mereka tidak hanya mengandung racun, tetapi juga penawar racun; kengerian itu, di mana Baudelaire menjadi penyanyinya, dihidupi oleh penderitaan penyair, ditebus oleh rasa sakit dunia, yang dia bawa ke dalam dirinya sendiri. Namun demikian, "Bunga Jahat" menjadi bahan pertimbangan di pengadilan Paris; penyair itu dituduh menghina moralitas publik dan dihukum "penarikan" beberapa puisi dari buku "Bunga Jahat". Para hakim tidak diwajibkan untuk mendengarkan suara tersembunyi dari baris-baris itu, mereka membuat keputusan berdasarkan makna langsung, setiap hari, dan bukan makna puitis dari kata-kata tersebut.
Baudelaire mulai diterjemahkan di Rusia pada tahun 1870-an. Dan pionirnya adalah penyair populis seperti Vasily Kurochkin dan Dmitry Minaev. Gaya mereka sendiri, sedikit kasar, sangat jauh dari puisi Baudelaire, permainan metaforis dan kesedihannya yang rumit, bersinar dengan menonjol. Seperti para hakim Paris, mereka memperhatikan eksternal, tema pemberontakan Baudelaire - hanya dengan tanda positif. Dan hanya penulis lirik Rusia dari generasi berikutnya yang mampu mengungkap misteri Baudelaire, merasa dalam puisinya pertanda gambar skala besar dan tragis abad ke-20: “Seperti spanduk hitam, Tosca sang ratu // Akan berkembang dengan kemenangan alisnya yang tertekuk" ("Limpa". Per. Vyach.I. Ivanova).
"Tepat waktu" mulai menerjemahkan penyair lirik Prancis lainnya, yang termasuk dalam generasi berikut Baudelaire - Paul Verlaine (1844-1896). Sesuatu yang akrab tampak dalam puisi-puisinya yang menyedihkan, pemikiran tentang perpecahan jiwa manusia yang tak terhindarkan, tentang kesedihan yang melankolis yang meliputi dunia, penurunan kekuatan hati - semua ini kami bertemu dengan Anda dan Nadson, dan Apukhtin, dan Sluchevsky:
erangan musim gugur -
dering panjang,
Dering pemakaman -
Sakit hati
Kedengarannya seperti string
Gelisah...
("Lagu Musim Gugur". Per. N. Minsky)
Tetapi semua motif dalam puisi Verlaine ini memiliki nada simbolis yang berkilauan. Dia tidak hanya berbagi dengan pembaca "limpa", blues; dia merasa bahwa seluruh alam semesta sedang "bersedih", bahwa kekuatan kreatif alam semesta mengering, bahwa saat ketidakpastian yang menyakitkan dan gugup akan datang, bahwa umat manusia berada di ambang era baru, di belakangnya adalah ketidakpastian total. Dan subteks ini juga akan diurai hanya oleh para penerjemah awal abad ke-20.
Tetapi yang paling tidak "beruntung" pada akhir abad ke-19 dengan terjemahan bahasa Rusia adalah Arthur Rimbaud (1854-1891), penulis puisi tragis, bencana, dan agung yang cerdik "The Drunken Ship" (1871). Dalam puisi inilah semua "garis kekuatan" utama puisi abad ke-20 pertama kali diidentifikasi, motif tradisional dan konflik lirik romantis dipindahkan ke daftar yang berbeda secara fundamental, terkait dengan firasat sejarah global, dengan universal masa depan. pergolakan:
Mereka yang mengendalikan saya menjadi kacau:
Keahlian menembak India mereka ditargetkan
Bahwa terkadang, seperti saya, tanpa perlu layar,
Dia pergi, mengikuti arus sungai.Setelah keheningan membuatku mengerti
Bahwa kru tidak ada lagi,
Saya, seorang Belanda, di bawah beban sutra dan biji-bijian
Dilempar ke laut oleh hembusan badai.Dengan kecepatan sebuah planet yang baru saja muncul,
Sekarang menyelam ke bawah, lalu naik di atas jurang,
Saya terbang menyalip semenanjung
Dalam spiral badai yang berubah.
............................................................
Jika saya masih memasuki perairan Eropa,
Lagi pula, bagi saya mereka tampak seperti genangan air sederhana, -
Saya perahu kertas - saya tidak selaras
Seorang anak laki-laki yang penuh kesedihan, berjongkok.Bersyafaatlah, O ombak! Bagiku, di banyak lautan
Dikunjungi - saya, terbang di awan -
Apakah pantas untuk berlayar melalui bendera kapal pesiar amatir?
Atau di bawah tatapan mengerikan penjara terapung?
(Diterjemahkan oleh D. Brodsky)
Namun, Arthur Rimbaud mulai diterjemahkan di Rusia jauh kemudian; yang menjadi penyair di Prancis pada akhir abad ke-19, di Rusia ia menjadi penyair abad ke-20. Tetapi ini tidak berarti bahwa penyair lirik Rusia tahun 1880-an dan 1890-an tidak memikirkan masalah yang sama, tidak bergerak ke arah yang ditentukan oleh sejarah.
- Ingat puisi oleh M.Yu. Lermontov "Layar yang sepi menjadi putih". Bandingkan gambar puisi ini dengan gambar "Kapal Mabuk" karya A. Rimbaud. Apa persamaannya, apa perbedaan mendasarnya?
Puisi Vladimir Solovyov dan awal era baru dalam lirik Rusia
Dan Vladimir Sergeevich Soloviev (1853-1900) menjadi penyair seperti itu, yang sebagian besar meramalkan penemuan artistik dan ide-ide filosofis abad ke-20. Setelah menjadi lulusan Fakultas Sejarah dan Filsafat Universitas Moskow dan menjadi sukarelawan di Akademi Teologi Moskow, Solovyov mempelajari risalah mistik kuno tentang Sophia. Yaitu, tentang Jiwa Dunia, tentang Kebijaksanaan Tuhan, tentang personifikasi Feminitas Abadi. Seperti banyak romantika, Solovyov percaya bahwa kekuatan mistik ini secara langsung memengaruhi hidupnya, dan karenanya mencari pertemuan misterius dengan Sophia.
Pada tahun 1875 Vladimir Sergeevich pergi ke London; alasan formalnya adalah bekerja di perpustakaan British Museum, alasan sebenarnya adalah mencari pertemuan dengan Sophia. Solovyov mengisi buku catatan dengan tulisan-tulisan aneh, di mana di antara tanda-tanda yang tidak dapat diuraikan, nama yang akrab sering ditemukan: Sophie, Sophia. Dan - tiba-tiba meninggalkan London melalui Paris ke Mesir. Dia memiliki "suara" tertentu yang memanggilnya ke Kairo. Seperti yang kemudian dia tulis dalam puisi "Tiga kencan": ""Jadilah di Mesir!" - sebuah suara terdengar di dalam, / Ke Paris - dan uap membawaku ke selatan. Konstruksi frase puitis murni Solovievian ini adalah karakteristik: tidak sepatah kata pun dikatakan tentang keadaan peralihan, tentang keraguan. Keputusan dibuat seketika. Begitulah sifat Solovyov.
Untuk alasan yang sama, dia cenderung menggunakan simbol (omong-omong, ingat definisi konsep sastra ini, lihat kamus). Bagaimanapun, sebuah simbol tidak bergantung pada realitas yang dapat berubah, pada perubahan sudut pandang. Itu selalu samar dalam arti, tetapi selalu didefinisikan dalam bentuk. Jadi, dalam puisi Solovyov tahun 1875 "At my queen ...", yang baru saja dikaitkan dengan perjalanan ke Mesir, warna keabadian, warna abadi berlaku: "Ratuku memiliki istana yang tinggi, / Sekitar tujuh pilar emas, / / Ratuku memiliki mahkota bersisi tujuh, // Di dalamnya ada banyak batu mulia. // Dan di taman hijau ratuku // Keindahan mekar mawar dan bunga lili, // Dan dalam gelombang transparan aliran keperakan / / Menangkap pantulan ikal dan dahi....".
Taman "ratu" selalu hijau, setiap saat sepanjang tahun, tidak pudar; mawar selalu merah, bunga lili putih, alirannya keperakan. Dan semakin tidak berubah, semakin "dapat diandalkan" warna simbolis ini, semakin dramatis kedengarannya topik utama puisi. Dan tema ini adalah perubahan hati penyair, perubahan wajah Kekasih Surgawinya.
Di Mesir, Solovyov terkejut. Dia menghabiskan malam yang dingin di padang pasir, menunggu penampilan Sophia, seperti yang diberitahukan oleh suara batin, tetapi tidak ada pertemuan misterius yang terjadi, mistikus muda itu hampir dipukuli oleh pengembara lokal. Penyair lain akan mengambil insiden itu secara tragis, sementara di Solovyov, sebaliknya, semua ini menyebabkan serangan tawa. (Bukan tanpa alasan, dalam salah satu kuliahnya, dia mendefinisikan manusia sebagai "hewan yang tertawa".) Secara umum, dia, seperti penulis lirik favoritnya Alexei Tolstoy, sering menulis puisi-puisi lucu.
Tertawa bagi Solovyov semacam penangkal mistisisme yang berlebihan; dia sengaja bermain dengan gambar pahlawan lirisnya, gambar peziarah, mistikus, menempatkannya dalam situasi komik. Hingga epitaf otomatis: "Vladimir Solovyov // Berbaring di tempat ini. // Awalnya dia adalah seorang filsuf, // Dan sekarang dia telah menjadi kerangka ..." (1892).
Tetapi dengan kemudahan yang sama yang tidak dapat dijelaskan, Solovyov kembali dari ejekan, dari kekecewaan - ke intonasi yang serius, ke pesona dengan cara yang mistis. Dalam puisi Solovyov yang terbaik, mungkin, - "Ex oriente lux" (1890), Rusia dengan kasar diundang untuk membuat pilihan antara militansi raja Persia kuno Xerxes dan pengorbanan Kristus:
Oh Rus! dalam antisipasi tinggi
Anda sibuk dengan pikiran yang sombong;
Apa yang Anda inginkan untuk menjadi orang Timur:
Orient Xerxes atau Kristus?
Pada tahun 1890-an, mata biru Sophia yang tak terlihat kembali dengan jelas menyinari Solovyov. Kali ini cahaya datang bukan dari Timur, bukan dari Barat, melainkan dari Utara. Pada musim dingin 1894, setelah pergi bekerja di Finlandia, Solovyov tiba-tiba merasakan kehadiran rahasia Sophia dalam segala hal - di bebatuan Finlandia, di pinus, di danau ... Tapi saat itulah dia membuat kesimpulan untuk dirinya sendiri tentang kedekatan yang mengerikan dari bencana global, tentang kemunculan Antikristus. Sekelompok pengamatan sejarahnya yang menyedihkan adalah puisi "Pan-Mongolisme":
Pan-Mongolisme! Meskipun kata itu liar
Tapi itu membelai telingaku,
Seolah-olah pertanda yang hebat
Takdir Tuhan penuh....Instrumen hukuman Tuhan
Stok belum habis.
Mempersiapkan ketukan baru
Segerombolan suku yang terbangun.
Pan-Mongolisme - dalam pemahaman Solovyov - adalah penyatuan orang-orang Asia demi permusuhan dengan "ras" Eropa; Vladimir Sergeevich yakin bahwa pada abad ke-20 perwakilan militan bersatu dari "ras kuning" akan menjadi kekuatan sejarah utama: "Dari perairan Melayu ke Altai // Pemimpin dari pulau-pulau timur // Di tembok Cina yang terkulai // Mereka mengumpulkan kegelapan resimen mereka."
Motif-motif ini akan dikembangkan dalam karya mereka oleh pewaris sastra terdekat Solovyov, penyair generasi berikutnya yang akan menyebut diri mereka Simbolis Rusia - Anda juga akan mengenal karya mereka di kelas 11 berikutnya.
- Pola pikir apa yang melekat pada penyair Rusia pada akhir abad ke-19? Apa kesamaan mereka dengan Romantisisme awal abad ini?
- Blok A.A. Nasib Apollon Grigoriev // Dia. sobr. cit.: Dalam 8 jilid M.-L., 1962.
- Gippius V.V. Dari Pushkin ke Blok. M, 1966.
- Grigoriev A.A. Memori. M, 1980.
- Egorov B.F. Apollo Grigoriev. M., 2000 (Seri "Kehidupan Orang-Orang yang Luar Biasa").
- Korovin V.I. Hati yang mulia dan suara penyair yang murni // Pleshcheev A.N. puisi. Prosa. M., 1988.
- Nolman M.L. Charles Baudelaire. Takdir. Estetika. Gaya. M, 1979.
- Novikov Vl. Dunia artistik Prutkov // Karya Kozma Prutkov. M, 1986.
- Fedorov A.V. Kreativitas puitis K.K. Sluchevsky // Sluchevsky K.K. Puisi dan puisi. M.-L., 1962.
- Yampolsky I.G. Pertengahan abad: Esai tentang puisi Rusia 1840-1870. L., 1974.
