New Orleans, Anfang des 20. Jahrhunderts. New Orleans (Stadtplan)

New Orleans wurde unter dem Einfluss vieler europäischer Kulturen geboren und erbte seinen Namen vom Regenten von Frankreich, Philippe d'Orleans. „La Nouvelle Orleans“ – wie es von den französischen Kolonialherren genannt wurde – wurde 1718 gegründet.

Es liegt am Zusammenfluss des Mississippi in den Golf von Mexiko, daher ist seine geografische Lage sehr vorteilhaft geworden, da viele Handelsschiffe es passierten. Damals wurde die Stadt zu einem wichtigen Glied in der Handelskette. Viele Waren, die aus den Vereinigten Staaten kamen, wurden in den Häfen von New Orleans gelagert und dann in den Golf von Mexiko geschickt.

Der Kolonialkrieg endete 1763, doch ein Jahr später ging die Stadt in den Besitz der Spanier über. Nach 36 Jahren stellten die Franzosen, angeführt von Napoleon Bonaparte, erneut ihre Forderungen nach der Stadt, und für die nächsten drei Jahre konnte niemand verstehen, wem diese Ländereien jetzt gehören.

1803 wurde die Stadt dennoch an die Vereinigten Staaten verkauft, was ihre Kultur maßgeblich beeinflusste, da sie völlig anders war als die, die Protestanten in den folgenden Jahren in Orleans und seinen Einwohnern pflanzten. Zwischen den englischsprachigen Siedlern und den Franzosen, die vor ihnen hier lebten, kam es immer mehr zu Konflikten.

1815 wird New Orleans Zeuge der Schlacht zwischen britischen und amerikanischen Truppen, die als „Battle of New Orleans“ in die Geschichte eingehen und später zu einer zentralen, praktisch entscheidenden Schlacht im angloamerikanischen Krieg werden wird. England versuchte, den Vereinigten Staaten ein strategisch wichtiges Objekt wegzunehmen, dessen Verlust die wirtschaftliche Situation des Landes erheblich beeinträchtigen würde, aber dies geschah nicht.

Ein paar Jahre später wird die Stadt praktisch zu einem Sklavenhalterzentrum der Vereinigten Staaten. Tausende von Sklaven passieren die Märkte von New Orleans. Da zu dieser Zeit Sklavenarbeit aktiv eingesetzt wurde, erhielt die Stadt daraus ziemlich große Einnahmen.

Seit 1830 hat der Zustrom europäischer Siedler stark zugenommen. Die Stadt wurde zunehmend von Deutschen und Iren besiedelt. Der Anteil der französischsprachigen Bevölkerung ist deutlich gesunken. In zehn Jahren hat sich die Einwohnerzahl der Stadt verdoppelt. Die Wirtschaft von New Orleans ist in diesen Jahren undenkbar gewachsen, sie ist zur reichsten Stadt der Vereinigten Staaten geworden.

Aber zu Beginn des 20. Jahrhunderts änderte sich die Situation in Orléans, und zwar nicht zum Besseren. Mit der Entwicklung der Eisenbahnen und der Zersiedelung der Städte im Westen verlor New Orleans seine Lorbeeren, da das Haupteinkommen der Einwohner der Handel war, und nach dem Zweiten Weltkrieg schrumpfte die Industrie der Stadt noch mehr. All dies wirkte sich auch auf die Bevölkerung im Jahr 1960 aus, sie erreichte ihren Höhepunkt, 624.000 Menschen lebten damals in der Stadt, danach ging sie nur noch zurück.

Zwangsläufig begannen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts Konflikte zwischen der weißen und der schwarzen Bevölkerung der Stadt. In diesen Jahren begann hier die Abwanderung der weißen Bevölkerung aus der Stadt an sicherere Orte. In den meisten Fällen waren dies Vororte. New Orleans verwandelte sich allmählich in eine schwarze Stadt, die Kriminalität wuchs in einem unvorstellbaren Tempo, die Wirtschaft ging zurück, der Lebensstandard wurde immer niedriger.

2005 wurde die Stadt von der verheerenden Wucht des Hurrikans Katrina schwer getroffen. Am Morgen des 29. August 2005 begann Wasser über den Damm zu fließen, der die östliche St. Bernhard. Nach einiger Zeit war der größte Teil des Viertels überflutet, die Menschen mussten auf die Dächer ihrer Häuser umziehen. 30.000 Einwohner der Stadt versteckten sich unter der Kuppel des neuen Stadions "Superdom". starker Wind sein Dach zerstört.

Kurz vor der Nacht wurden die Dämme fast vollständig zerstört, fast 80 % der Stadt wurden überflutet. Die Stadtverwaltung kündigte die Evakuierung noch vor dem Einsetzen des Hurrikans am 28. August an, sodass zum Zeitpunkt der Katastrophe etwa 10.000 Einwohner in der Stadt lebten. Schätzungen zufolge starben etwa 1.500 Menschen an den Folgen des Hurrikans. Diejenigen, die zum Zeitpunkt der Katastrophe in der Stadt blieben, litten unter einem Mangel an Nahrung und sauberem Wasser. Viele Menschen, die New Orleans zum Zeitpunkt der Katastrophe verlassen haben, sind bis heute nicht zurückgekehrt.

Die Arbeiten an der Restaurierung der Stadt dauern noch an. Die Bevölkerung der Stadt ist nur noch halb so hoch wie vor dem Hurrikan, wobei ein erheblicher Teil davon Arbeiter sind, die die Infrastruktur der Stadt wiederherstellen. Nach offiziellen Angaben für 2010 beträgt die Einwohnerzahl von New Orleans 343.000 Menschen.

Trotz aller Zerstörungen, die der Hurrikan Katrina über eine der buntesten Städte Amerikas gebracht hat, lebt New Orleans weiter. Und während einige Skeptiker behaupten, dass dieser erstaunliche Ort nie wieder derselbe sein wird, machen wir einfach mit. Aber wir werden den Gedanken, irgendwann dorthin zu fahren, trotzdem nicht aufgeben – die Welthauptstadt des Jazz ist nach wie vor für Touristen und Reisende aus aller Welt interessant. Und jeden Tag mehr zum Ersten, denn die Infrastruktur der Stadt erholt sich schnell.

Name und Gründung der Stadt

Es ist unwahrscheinlich, dass wir jemals erfahren werden, warum wir diese Stadt New Orleans und nicht New Orleans nennen, wie man vermuten könnte, wenn man eine Analogie zu New York oder New Hampshire zieht, in deren Namen das Präfix „neu“ vor dem Wort „neu“ steht "Niemand ändert sich. Aber wir kennen noch viele andere interessante Fakten aus der Geschichte des kulturellen Zentrums des amerikanischen Südens. Wie viele Städte des Kontinents wurde sie nicht nur von europäischen Kolonisten gegründet, sondern war sehr lange Gegenstand der direkten Interessen ihrer europäischen Spender, die die lokalen Territorien (südlich von Louisiana) mit dem nötigen frischen Blut versorgten - neue Siedler. Der ursprüngliche Name der Stadt ist nicht das englische New Orleans, sondern das französische La Nouvelle-Orláns, später einfach in die Sprache der internationalen Kommunikation übersetzt. Diese Situation ist überhaupt nicht überraschend, da die Franzosen zum Zeitpunkt der Gründung dieser Siedlung alle vollwertigen Ansprüche auf den Titel der dominierenden Nationalität der Kolonialisten an jenen Orten hatten, die heute als hundertprozentig anglo gelten -Sächsisch. Diejenigen, die sich für dieses Thema interessieren, haben bereits festgestellt, dass der französische Einfluss in Nordamerika nicht auf Kanada beschränkt ist. Dazu reicht es aus, zumindest auf die vielen Toponyme des Bundesstaates Louisiana zu achten - von den Namen kleiner Städte wie Baton Rouge bis hin zum Namen des Bundesstaates.

Der Geburtstag von New Orleans und die Geschichte seiner Entwicklung

New Orleans hat seinen eigenen wohldefinierten Geburtstag. Es ist der 25. August 1718. Dann wurde an der Stelle der modernen Stadt eine französische Kolonie gegründet, die ihren Namen zu Ehren von Philipp II., Herzog von Orléans, erhielt, der zu dieser Zeit der Regent von Frankreich war. Die Ära war alarmierend, die Umverteilung kolonisierter Länder ähnelte der Umverteilung von Einflusssphären zwischen Solntsevo und Tambow, und als Ergebnis dieser Umverteilungen wurden 1763 infolge des Pariser Abkommens die Ländereien, auf denen sich New Orleans befand, festgelegt an das spanische Reich übertragen. Erst 1801 wurde die Stadt mit dem Umland an Frankreich zurückgegeben. Aber Napoleons Macht hier hielt nicht lange an. 1803 verkaufte der Kaiser Louisiana an die Vereinigten Staaten von Amerika, was sich sehr günstig auf die wirtschaftliche und demografische Entwicklung von New Orleans auswirkte.

Auf den Vorstadtplantagen sicherten die Sklaven durch den Anbau von Zucker und Baumwolle die finanzielle Existenz der Stadt. Unkontrolliert wuchs auch die städtische Bevölkerung auf Kosten der britischen, französischen und französischsprachigen Kreolen. Besonders hervorzuheben ist in diesem Zusammenhang die haitianische Revolution von 1804, als mehr als neunzig Prozent der Flüchtlinge von der Insel, von denen ein großer Teil so genannte "free people of color" waren, sich in New Orleans niederließen.

Zehn Jahre später fand das glorreichste Ereignis in der Geschichte der Stadt statt. Am 8. Januar 1815 fand eine epische Schlacht zwischen den amerikanischen Truppen und den britischen Streitkräften statt, die die Macht des Königreichs über die lokalen Länder wiederherstellen wollten. Es endete mit dem vollständigen und bedingungslosen Sieg der Vertreter der Neuen Welt.

Diese und die folgenden Jahre haben das einzigartige Gesicht von New Orleans weitgehend geprägt. Der Hafen der Stadt war von größter strategischer Bedeutung im Sklavenhandel – fast alle Schiffe, vollgestopft mit lebender Fracht aus Afrika, legten in New Orleans an. Einschließlich hier, wie nirgendwo sonst in Amerika, gab es viele freie, mit allem ausgestattet notwendige Rechte Neger, meist gebildet und Mittelschicht. Aus diesem Grund gilt die Stadt als Ort der wahren Verschmelzung schwarzer und weißer Kulturen mit der Prävalenz der ersten - und ein solches Ergebnis wurde bisher in keinem anderen Staat beobachtet. In den Beziehungen der beiden Rassen in New Orleans gab es keine so starke Entfremdung, die im selben New York noch vorhanden ist. Infolgedessen herrschte in der Stadt eine besondere Atmosphäre der Gleichberechtigung, die Kriminalität der Schwarzen war unglaublich niedrig und der Rassismus auf beiden Seiten wurde auf ein Minimum beschränkt. Allerdings nicht ohne Probleme: Immerhin befand sich hier trotz der Anwesenheit vieler freier, wohlhabender Menschen aus Afrika der größte Sklavenmarkt des Landes. Wenn man auf die Straßen von New Orleans kommt, spürt man jedenfalls eines deutlich: Schwarze haben dort das Bild der Stadt auf Augenhöhe mit Weißen geschaffen und waren keine verbitterte kriminalisierte Schicht, die vor allem nur für die bekannt ist Hip-Hop-Subkultur.

Der Sklavenhandel ist ein schändliches Geschäft, aber 1840 stand New Orleans in Bezug auf die Bevölkerung an dritter Stelle in den Vereinigten Staaten und in Bezug auf das Einkommen brach es vollständig auf den ersten Platz.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war die Stadt eine wahrhaft fortschrittliche Siedlung, unter anderem bekannt für eines der ersten kommunalen Abwassersysteme des Kontinents, entworfen vom Ingenieur und Erfinder Baldwin Wood, der zu Recht zu einem der lokalen Helden der Stadt wurde für seine Arbeit. Es stimmt, wie einige Wissenschaftler jetzt glauben, dass es Woods Aktivität war, zusammen mit einigen natürlichen Prozessen, die zu einem systematischen Absinken des Bodens und infolgedessen dazu führten, dass ein bedeutender Teil des Stadtgebiets mehrere Fuß unter dem Meeresspiegel lag Wasserstand, was die Folgen möglicher Überschwemmungen erheblich verschärft.

Angesichts der zerstörerischen Kraft des Hurrikans Katrina, der im August 2005 auf die Küste traf, hätte selbst eine normale Korrelation mit dem Meeresspiegel kaum dazu beigetragen, eine Katastrophe zu vermeiden.

Hurrikan Katrina im Jahr 2005

Mehr als achtzig Prozent von New Orleans wurden überflutet, unterstützt durch den Zusammenbruch des städtischen Deichsystems, das später als die größte Katastrophe der föderalen Stadtplanung in der amerikanischen Geschichte bezeichnet wurde. Im Vergleich zu dem, was geschah, verblasste sogar das Erdbeben von 1999 in San Francisco. Dennoch können Reiseliebhaber aufatmen: Der historische Teil der Stadt, in dem sich alle Sehenswürdigkeiten befinden, liegt nicht im Flachland, sondern viel höher, ist also unberührt geblieben, der moderne Teil der Stadt aber immer noch lässt viel zu wünschen übrig.

Erholung von Hurrikan Katrina

Der offizielle Tourismus ist erst Anfang 2008 nach New Orleans zurückgekehrt. Der internationale Flughafen Louis Armstrong wurde wiedereröffnet, ebenso wie Hotels und andere Dienstleistungen für Besucher der Stadt. Natürlich ist etwa die Hälfte von allem, was das Auge eines Reisenden vor vier Jahren interessieren konnte, immer noch in einem Zustand der Inaktivität und Stagnation, aber wer will, findet immer noch viel Interessantes in der Umgebung. Außerdem sind die Sehenswürdigkeiten der Ruinen (und man kann nicht zwanzig Minuten mit dem Auto durch die Neustadt fahren, ohne mindestens ein dem Erdboden gleichgemachtes Haus zu sehen) in der Zeit, die seit Katrina vergangen ist, zu einer Art Attraktion geworden. Für diejenigen, die sich am meisten für dieses Thema interessieren, führt die Agentur Gray Line Tours hier Touren durch die beeindruckendsten Orte der Zerstörung mit einer Erklärung der Ursachen des Vorfalls auf dem Weg.

Aber natürlich hat der Charme von New Orleans weniger mit den Auswirkungen eines Hurrikans zu tun, der hier vorbeigefegt ist, als mit einem reichen kulturelles Erbe Städte.

Wie so oft in den Vereinigten Staaten lebt der Großteil der Bevölkerung von New Orleans nicht in der Stadt selbst, sondern stellt eine vorstädtische Agglomeration dar. Nach Angaben von 2007 sind es jetzt etwa eine Million und zweihunderttausend Menschen, während nur dreihunderttausend in der Stadt selbst leben. Jeden Monat kommen mehr und mehr Menschen hierher – Schlechtwetterflüchtlinge kehren nach Hause zurück, obwohl viele Soziologen sagen, dass New Orleans nicht auf das vorherige Bevölkerungsniveau steigen wird.

Aber das Wichtigste ist, dass der Geist der Altstadt hier erhalten geblieben ist. Die Köche aus New Orleans gehören immer noch zu den besten des Landes, Jazz spielt immer noch regelmäßig auf den Straßen. die höchste Klasse, und die berühmten Festivals in der Kulturhauptstadt des Südens begeistern wieder einmal Gäste und Einheimische.

Die Stadt ist vor allem als Ort bekannt, an dem es sich für erwachsene Touristen wirklich gut anfühlt - viele feine alkoholische Getränke, würzige kreolische Küche, Jazzmusik, Architektur des achtzehnten und neunzehnten Jahrhunderts, eine Fülle altmodischer Taxis auf den Straßen, das Bewusstsein der Tatsache, dass eine der größten Schwulengemeinschaften in Amerika - all dies wird viel interessanter für eine erwachsene reife Persönlichkeit sein und nicht für einen Teenager.

New Orleans ist in mehrere Blöcke aufgeteilt - gebrochen natürlich nicht nach irgendjemandes Plan, sondern historisch. Das bekannteste Wohnviertel der Stadt ist das French Quarter, Lieblingsort Aufenthalt aller Touristen. Alte Gebäude, unschätzbare Antiquitätenläden, Restaurants und Kneipen mit reichhaltigem Getränkeangebot haben dieser Gegend einen guten Ruf eingebracht. Es ist einfach unmöglich, New Orleans zu besuchen und das French Quarter zu ignorieren, es sei denn, Sie setzen sich bewusst ein so perverses Ziel. Dies ist ein Ort der Ruhe nicht nur für Touristen, sondern auch für Bürger. Hier arbeitet nur, wer seinen Lebensunterhalt dort verdient, wo andere lieber Geld ausgeben.

Der Central Business District ist eine andere Sache. Trotz der Präsenz mehrerer Museen (darunter das Louisiana State Children's Museum, das Sie auf jeden Fall brauchen werden, wenn Sie ein Kind mitnehmen, das Center for Contemporary Art und das Museum of Southern Art), ist dieser Ort unter New Orleanians mehr Verbindung mit Gefangenen hier Geschäftsvereinbarungen. Lokale Restaurants eignen sich viel besser nicht für trinktrüben Spaß mit Freunden, sondern für ein gemütliches, seriöses Abendessen mit einem Geschäftspartner. Und wenn es im Herbst 2005 aus offensichtlichen Gründen schwer vorstellbar war, dass jemand in der Stadt über Geschäftsabschlüsse nachdachte, ist dies jetzt wieder eine gemeinsame Aktivität für lokale Unternehmer. Touristen werden auch daran interessiert sein, sich die Julia Street anzusehen, die wegen ihrer beispielhaften Erscheinung in New Orleans auch Galeriestraße genannt wird.

Gegenüber dem French Quarter liegt Fabourge Marigny – ein unkonventionelles Erholungsgebiet. Neben den stilvollen Nachtclubs, in denen Sie nicht nur mit köstlichen Speisen und Getränken, sondern auch mit dem authentischsten Jazz der Welt verwöhnt werden, hat dieses Viertel einen ganz besonderen Ruf als Haupttreffpunkt für Schwule und Lesben, darunter es gibt unglaublich viele in Künstlerkreisen im Westen. In keiner anderen amerikanischen Stadt fühlen sich sexuelle Minderheiten so wohl – schließlich sind die Vereinigten Staaten ein sehr konservatives Land. Aber in New Orleans, wo der kontinentaleuropäische Katholizismus die dortige Mentalität viel stärker prägte als der klassische angelsächsische Protestantismus, behandelt man solche Dinge recht gelassen. Übrigens ist New Orleans vielleicht die Stadt in den USA, die den Geist der Alten Welt am weitesten bewahrt hat, höchstwahrscheinlich aus dem oben genannten religiösen Grund.

Jazz ohne Snobismus

Es ist jedoch unmöglich, die Essenz von New Orleans nur durch das Essen kreolischer Köstlichkeiten und das Bewundern der Architektur zu erleben. Die fanatischsten Touristen müssen auf zwei Dinge achten, die das moderne New Orleans von der spirituellen Seite geprägt haben. Ersteres wurde bereits mehrfach erwähnt. Das ist Jazz – Musik, die nicht nur eine Wiedergabe eines musikalischen Textes ist, wie es die europäische Musiktradition vermuten lässt, sondern eine spontane Improvisation, geboren aus der afrikanischen Tanzkultur, in der Klang und Körperbewegung untrennbar miteinander verbunden sind. Es ist nicht verwunderlich, dass sich die europäische Jazzschule allmählich von den tänzerischen Wurzeln des Stils entfernte und ihn in eine akademische Absurdität verwandelte. Hier, auf der Bühne der Cafés in New Orleans, in Clubs und einfach auf den Straßen, ist er immer noch so, wie er geboren wurde und sich entwickeln sollte - peppig, pikant, oft offen tanzbar und sehr unterhaltsam, völlig frei von dem europäischen Snobismus . Hier ehren sie immer noch ihren Landsmann, den großen Louis Armstrong, und pflegen die Traditionen von Dixieland, die Grundlage der lokalen Jazzrichtung ist der Wunsch, eine einfache Person, die nach vielen Stunden Arbeit müde ist, emotional zu wecken und den Geist eines nicht zu belasten gelangweilter Intellektueller mit komplexen Klangstrukturen. Wenn Sie also in dieser Stadt sind, sollten Sie unbedingt den Jazzmusikern zuhören - erstens, um damit Respekt für New Orleans auszudrücken, und zweitens ist es tatsächlich angenehm und interessant.

Voodoo-Kult

Die andere spirituelle Seite der Stadt wird sicherlich alle Liebhaber von Exotik, Romantik und Mystik verzaubern. In New Orleans hat der Voodoo-Kult Wurzeln geschlagen wie nirgendwo sonst. Genauer gesagt, ihr Ableger aus Louisiana, der im Gegensatz zum Haitianer eng mit der katholischen Tradition und damit dem christlichen Aberglauben verbunden ist. Neben rein ethnischen Gründen lässt sich dies durch den Blick auf örtliche Friedhöfe erklären. Tatsache ist, dass der Boden hier sumpfig ist, die Toten wurden an die sumpfigsten und anfälligsten Orte für Bodensenkungen geschickt. Dabei wurden sie nicht im Boden selbst vergraben, sondern in Krypten untergebracht, die übrigens für Kunstliebhaber von großem Interesse sind. Daher musste der Voodoo-Zauberer während der Durchführung des Hauptrituals - dh des Rufs in diese Welt der Zombies - unter erleichterten Bedingungen arbeiten - er musste lange Zeit keine Schaufel schwingen und das Grab aufreißen.

In Geschäften können Sie immer Amulette kaufen, die mit einem finsteren Kult verbunden sind, und glückliche Experten der englischen Sprache werden sich sicherlich an den schrecklichen mystischen Geschichten erfreuen, die unter der lokalen Bevölkerung im Umlauf sind. Eine Person mit einer prosaischeren Denkweise wird die Gefühle von Mystikfans wahrscheinlich nicht teilen. Er wird sehr gut in einem Restaurant mit einem Glas Hard Grenada sein.

Lokale Bevölkerung

Natürlich lohnt es sich, das Thema Kommunikation und gegenseitiges Verständnis mit der lokalen Bevölkerung gesondert anzusprechen. Entgegen einem weit verbreiteten Klischee sind die meisten Einwohner von New Orleans keine Cajuns. Cajuns, das sind einfach französischsprachige Einwohner des Bundesstaates Louisiana, nach denen der „amerikanische“ Dialekt der französischen Sprache benannt ist, leben hauptsächlich in ländlichen Gebieten. Daher können Ihnen Kenntnisse der Sprache von Balzac und Baudelaire bis zu einem gewissen Grad immer noch näher an die Quellen der Kultur der Stadt bringen, Ihnen ermöglichen, die Inschriften auf Häusern, berühmten Krypten von New Orleans und anderen architektonischen Denkmälern frei zu lesen, aber unter anderem Fähigkeiten, die zum Überleben und komfortablen Aufenthalt dringend benötigt werden, sind hier nicht enthalten. Ohne eines der Cajun-Cafés oder Geschäfte im südwestlichen Teil zu besuchen, können Sie die Atmosphäre der lokalen Exotik jedoch nicht vollständig erleben.

Wenn ein Reisender, der an einem langweiligen Zeitvertreib interessiert ist, das Land von New Orleans betritt (normalerweise geschieht dies am Flughafen Louis Armstrong), kennt er normalerweise bereits eine Reihe von Merkmalen der lokalen Lebensweise, ohne sich dessen bewusst zu sein, welche er möglicherweise nicht fühlt der Komfort, hier zu sein.

Kreditkarten - Klischees über Amerika zerstören

Die Einstellung der Anwohner zu Kreditkarten ist äußerst wichtig. Ein gewöhnlicher Tourist wird oft als Geisel eines Stereotyps über Amerika und Amerikaner gehalten. Der Name dieses Stereotyps ist das Vertrauen in die unbegrenzte Macht der Kreditkarten in den Vereinigten Staaten. Seinetwegen stopfen viele New-Orleans-Besucher ihr Portemonnaie voll, was sie später bereuen. Natürlich werden Supermärkte solche Kunden immer willkommen heißen, aber sie kommen nicht wegen der Supermärkte hierher. Und wenn das Restaurant eines Hotels in New York oder, sagen wir, Boston mit seinen Besuchern über das Kartensystem abgerechnet wird, dann werden die buntesten und attraktivsten Lokale für Touristen in dieser Stadt immer noch lieber auf die altmodische Art und Weise bezahlt. Daher sollte man bedenken, dass Papier hier viel höher bewertet wird als Plastik und auf dem Weg hierher besonders darauf geachtet werden muss.

Wie man sich in der Stadt fortbewegt

Die Ausgaben während Ihres Aufenthaltes in New Orleans (normalerweise fallen diese Ausgaben hauptsächlich im French Quarter an) können auf verschiedene Arten verwaltet und sogar in der ersten Nacht Ihres Aufenthalts ohne einen einzigen Cent belassen werden - die Attraktivität der Stadt trägt dazu bei. Aber es gibt einen Punkt unter den Ausgaben, dass es im Gegensatz zu Las Vegas, Los Angeles oder San Diego in New Orleans immer einfach ist, Geld zu sparen. Das sind die Kosten für ein Taxi. In anderen großen Ballungsräumen geht es schlichtweg nicht ohne sie, während die Jazzmetropole eine Stadt der Fußgänger ist. Seine Straßen, die normalerweise von goldenem Sonnenlicht durchflutet sind, scheinen dafür geschaffen, gemächlich entlang zu schlendern, die alten Schilder über den Eingängen der Geschäfte zu betrachten und das Hasenspiel in den Schaufenstern zu bewundern. Natürlich gibt es wirklich laute, mit Autos überfüllte Straßen, aber der Ruhm der Autostadt hat der „Perle von Louisiana“ nie innewohnt. Hier, wie in London, ist es üblich, bei der Wahl des städtischen Nahverkehrs auf Entfernungen, die nicht zum Gehen geeignet sind, in Bussen anzuhalten. Aber es gibt auch ein "Markenzeichen", um sich von einem Ende der Stadt zum anderen zu bewegen - das ist ein Zug, der einzige städtische Intercity-Zug im städtischen Amerika.

Ein wirklich originelles Merkmal des lokalen Bewusstseins ist das Fehlen des den meisten Menschen vertrauten Konzepts der Himmelsrichtungen. Tatsache ist, dass die Orientierungspunkte für die Bewegung am Boden für die Einwohner von New Orleans die Sonne sind, wie es traditionell fast überall akzeptiert wird, und der Lauf des legendären Mississippi, an dem die Stadt gebaut wurde. So hört man hier oft Sätze wie „going down the river“, „du solltest zum Fluss gehen“ oder „unser Unternehmen ist auf dem Weg vom Fluss“. Und das auf seine Weise, denn an den Mündungen von Flüssen wurden seit jeher Städte gebaut, und nicht das Sonnenlicht, sondern frisches Wasser war und ist für die menschliche Besiedlung überall auf der Welt von entscheidender Bedeutung.

Der Mississippi ist sehr lang, wie sich jeder erinnern wird, der Die Abenteuer von Huckleberry Finn liest, und es gibt viele Städte an seinen Ufern, deren Geschichte größtenteils bis in die Cowboy-Ära zurückreicht. Sie können aus vielen Gründen besucht werden, eine Auflistung, die hier nicht viel Sinn macht. Sie mischen sich mit zahlreichen kreolischen und Cajun-Siedlungen, von denen jede in der einen oder anderen Form eine erstaunliche Verschmelzung afrikanischer, europäischer und echter amerikanischer Kulturen bewahrt hat. Aber nirgendwo ist es ausgeprägter und klarer als hier in New Orleans.

Gute Reise und wir sehen uns auf den Seiten der Website !!!

New Orleans bleibt jedoch eines der meistbesuchten Touristenziele in den Vereinigten Staaten.

Die Stadt liegt in Louisiana, in der Nähe des Deltas, wo der Mississippi in den Golf von Mexiko mündet. New Orleans ist eine der farbenfrohsten Städte Amerikas und daher besuchen jedes Jahr viele Amerikaner diesen Ort. New Orleans ist auch bei Touristen aus aller Welt beliebt. Die Stadt ist bekannt für ihr Nachtleben, das sich im historischen Zentrum konzentriert und mit Musik, Alkohol, Tanz und natürlich Jazz gefüllt ist. Zunächst einmal ist New Orleans weltweit als Geburtsort des Jazz und Blues bekannt. Darüber hinaus hat die Stadt ziemlich reiche Vergangenheit, die untrennbar mit der Entwicklung Nordamerikas und der Entstehung der Vereinigten Staaten verbunden ist.

Geschichte von New Orleans

Kultur

Ganz Die aktive Erholung und das Nachtleben in New Orleans spielt sich im historischen Zentrum ab, das French Quarter genannt wird. Es befindet sich am Ort der Gründung der Stadt durch die Franzosen und hat sich interessanterweise nicht wesentlich verändert. Dem aufmerksamen Touristen bietet sich ein interessantes Schauspiel einer Mischung aus nordamerikanischer und französischer Kultur, eine Synthese der Bräuche der Alten und Neuen Welt. Nicht umsonst wurde New Orleans im 19. Jahrhundert das Paris der Neuen Welt genannt. Die Hauptstraße heißt Bourbon Street und besticht durch ihre Fülle an Unterhaltung. Im French Quarter finden Sie Unterhaltung für jeden Geschmack: Restaurants, Bars, Sommercafés, Kneipen, Nachtclubs und Diskotheken. Außerdem können Sie hier Jazz in seiner klassischen Aufführung hören.

Geburtsort des Jazz

Die vielleicht beliebteste und weltberühmteste Tatsache über New Orleans ist, dass die Stadt der Geburtsort des Jazz ist. Wie bereits erwähnt, besteht die Mehrheit der Bevölkerung im gesamten Bundesstaat Louisina aus Afroamerikanern. Daher entwickelt sich eine solche Musikrichtung wie der Jazz seit den 1920er Jahren sehr dynamisch unter den Anwohnern. Außerdem ist New Orleans der Geburtsort des berühmten afroamerikanischen Virtuosen und Jazzmusikers Louis Armstrong. Jazzliebhaber können in einem der vielen Jazzclubs im French Quarter echte Improvisationen genießen.

Wahrzeichen von New Orleans

Hinweis für Touristen

Jeder, der New Orleans besucht, entdeckt es auf seine Weise, von einer ungewöhnlichen Seite. Jemand kommt hierher, um sich in Gesellschaft wahrer Freunde in der Bourbon Street zu vergnügen, und jemand hört lieber in Ruhe Jazz, um Harmonie zu erreichen. Es ist auch erwähnenswert, dass das Klima in New Orleans überwiegend warm und ziemlich feucht ist, sodass Sie zu jeder Jahreszeit hierher kommen können. In der Stadt finden sehr oft Jazzfestivals statt, zu denen Jazzmusiker nicht nur aus ganz Amerika, sondern auch aus anderen Ländern kommen. Entdecken Sie New Orleans selbst und Sie werden diese Stadt von einer ganz anderen, besonderen Seite sehen!

Jazz - eine Form der Musikkunst, die Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts in den USA, in New Orleans, als Ergebnis der Synthese afrikanischer und europäischer Kulturen entstand und sich in der Folge verbreitete. Die Ursprünge des Jazz waren der Blues und andere afroamerikanische Volksmusik. Zu den charakteristischen Merkmalen der musikalischen Sprache des Jazz wurden zunächst Improvisation, Polyrhythmus auf der Grundlage synkopierter Rhythmen und eine einzigartige Reihe von Techniken zur Ausführung rhythmischer Texturen - Swing. Die Weiterentwicklung des Jazz erfolgte durch die Entwicklung neuer rhythmischer und harmonischer Modelle durch Jazzmusiker und Komponisten. Die Sub-Jazze des Jazz sind: Avantgarde-Jazz, Bebop, klassischer Jazz, Cool, Modal-Jazz, Swing, Smooth-Jazz, Soul-Jazz, Free-Jazz, Fusion, Hardbop und einige andere.

Entwicklungsgeschichte des Jazz

Wilex College-Jazzband, Texas

Jazz entstand als eine Kombination mehrerer Musikkulturen und nationaler Traditionen. Sie stammt ursprünglich aus Afrika. Jede afrikanische Musik zeichnet sich durch einen sehr komplexen Rhythmus aus, Musik wird immer von Tänzen begleitet, die schnelles Stampfen und Klatschen sind. Auf dieser Grundlage entstand Ende des 19. Jahrhunderts eine weitere Musikrichtung – der Ragtime. In der Folge führten die Rhythmen des Ragtime, kombiniert mit Elementen des Blues, zu einer neuen musikalischen Richtung - dem Jazz.

Der Blues entstand Ende des 19. Jahrhunderts als Verschmelzung afrikanischer Rhythmen und europäischer Harmonik, aber seine Ursprünge sollten in dem Moment gesucht werden, in dem Sklaven aus Afrika in die Neue Welt gebracht wurden. Die mitgebrachten Sklaven stammten nicht aus demselben Clan und verstanden sich meist nicht einmal. Die Notwendigkeit der Konsolidierung führte zur Vereinigung vieler Kulturen und in der Folge zur Schaffung einer einzigen Kultur (einschließlich Musik) der Afroamerikaner. Die Prozesse der Vermischung von afrikanischer und europäischer Musikkultur (die auch in der Neuen Welt gravierende Veränderungen erfuhren) fanden ab dem 18. Jahrhundert statt und führten im 19. Jahrhundert zur Entstehung des "Proto-Jazz", und dann des allgemein akzeptierten Jazz Sinn. Die Wiege des Jazz war der amerikanische Süden, insbesondere New Orleans.
Versprechen ewige Jugend Jazz - Improvisation
Die Besonderheit des Stils ist die einzigartige Einzelleistung des Jazz-Virtuosen. Der Schlüssel zur ewigen Jugend des Jazz ist die Improvisation. Nach dem Auftritt eines brillanten Performers, der sein ganzes Leben im Rhythmus des Jazz lebte und immer noch eine Legende bleibt – Louis Armstrong – erblickte die Kunst der Jazz-Performance neue, ungewöhnliche Horizonte für sich: Die vokale oder instrumentale Solo-Performance wird zum Zentrum der gesamten Performance , die Idee des Jazz völlig verändern. Jazz ist nicht nur eine bestimmte Art musikalischer Darbietung, sondern auch eine einzigartige heitere Ära.

New-Orleans-Jazz

Der Begriff New Orleans wird allgemein verwendet, um den Stil von Musikern zu beschreiben, die zwischen 1900 und 1917 in New Orleans Jazz spielten, sowie von Musikern aus New Orleans, die in Chicago spielten und von etwa 1917 bis in die 1920er Jahre Schallplatten aufzeichneten. Diese Periode der Jazzgeschichte wird auch als Jazz Age bezeichnet. Und der Begriff wird auch verwendet, um die Musik zu beschreiben, die in verschiedenen historischen Perioden von Erweckungskünstlern aus New Orleans gespielt wurde, die danach strebten, Jazz im gleichen Stil zu spielen wie Musiker der New Orleans School.

Afroamerikanische Folklore und Jazz haben sich seit der Eröffnung von Storyville, dem Rotlichtviertel von New Orleans, das für seine Unterhaltungsstätten berühmt ist, getrennt. Wer Spaß und Spaß haben wollte, wartete hier auf viele verführerische Möglichkeiten, die Tanzflächen, Kabarett, Varieté, Zirkus, Bars und Restaurants boten. Und überall in diesen Institutionen erklang Musik und Musiker, die die neue synkopierte Musik beherrschten, konnten Arbeit finden. Mit dem Wachstum der Zahl der Musiker, die professionell in den Unterhaltungseinrichtungen von Storyville arbeiten, nahm allmählich die Zahl der Marsch- und Straßenblaskapellen ab, und an ihrer Stelle entstanden die sogenannten Storyville-Ensembles, deren musikalische Manifestation individueller wurde , im Vergleich zum Spielen von Blaskapellen. Diese Kompositionen, die oft als "Combo-Orchester" bezeichnet werden, wurden zu den Begründern des Stils des klassischen New Orleans-Jazz. Zwischen 1910 und 1917 wurden die Nachtclubs von Storyville zum perfekten Ort Umgebung für Jazz.
Zwischen 1910 und 1917 wurden die Nachtclubs von Storyville zum idealen Ort für Jazz.
Die Entwicklung des Jazz in den Vereinigten Staaten im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts

Nach der Schließung von Storyville begann sich der Jazz von einem regionalen Folk-Genre in eine landesweite Musikrichtung zu verwandeln und breitete sich in den nördlichen und nordöstlichen Provinzen der Vereinigten Staaten aus. Aber natürlich konnte nur die Schließung eines Vergnügungsviertels nicht zu seiner weiten Verbreitung beitragen. Neben New Orleans spielten St. Louis, Kansas City und Memphis von Anfang an eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Jazz. Ragtime wurde im 19. Jahrhundert in Memphis geboren und verbreitete sich von dort in der Zeit von 1890 bis 1903 auf dem gesamten nordamerikanischen Kontinent.

Auf der anderen Seite verbreiteten sich Minstrel-Auftritte mit ihrem bunten Mosaik afroamerikanischer Folklore von Jig bis Ragtime schnell und bereiteten die Bühne für das Aufkommen des Jazz. Viele zukünftige Jazzstars begannen ihre Reise in der Minstrel-Show. Lange bevor Storyville geschlossen wurde, tourten Musiker aus New Orleans mit sogenannten „Vaudeville“-Truppen. Jelly Roll Morton aus dem Jahr 1904 tourte regelmäßig in Alabama, Florida, Texas. Ab 1914 hatte er einen Vertrag, um in Chicago aufzutreten. 1915 wechselte er nach Chicago und zu Tom Browns White Dixieland Orchestra. Große Vaudeville-Tourneen in Chicago wurden auch von der berühmten Creole Band unter der Leitung des Cornettisten Freddie Keppard aus New Orleans unternommen. Einst von der Olympia Band getrennt, traten die Künstler von Freddie Keppard bereits 1914 erfolgreich im besten Theater Chicagos auf und erhielten noch vor der Original Dixieland Jazz Band, die jedoch Freddie Keppard war, das Angebot, eine Tonaufnahme ihrer Auftritte zu machen kurzsichtig abgelehnt. Bedeutend erweiterte das Territorium, das durch den Einfluss des Jazz abgedeckt wurde, Orchester, die auf Vergnügungsdampfern spielten, die den Mississippi hinaufsegelten.

Seit Ende des 19. Jahrhunderts sind Flussfahrten von New Orleans nach St. Paul beliebt, zunächst für das Wochenende, später für die ganze Woche. Seit 1900 treten Orchester aus New Orleans auf diesen Flussschiffen auf, deren Musik zur attraktivsten Unterhaltung für Passagiere bei Flussfahrten geworden ist. In einem dieser Orchester begann Suger Johnny, Louis Armstrongs spätere Frau, die erste Jazzpianistin Lil Hardin. Die Riverboat-Band eines anderen Pianisten, Faiths Marable, spielte viele zukünftige Jazzstars aus New Orleans.

Dampfschiffe, die den Fluss entlang fuhren, hielten oft an vorbeifahrenden Bahnhöfen, wo Orchester Konzerte für die lokale Öffentlichkeit veranstalteten. Es waren diese Konzerte, die zu kreativen Debüts für Bix Beiderbeck, Jess Stacy und viele andere wurden. Eine andere berühmte Route verlief entlang des Missouri nach Kansas City. In dieser Stadt, in der sich dank der starken Wurzeln der afroamerikanischen Folklore der Blues entwickelte und schließlich Gestalt annahm, fand das virtuose Spiel der New-Orleans-Jazzer ein außerordentlich fruchtbares Umfeld. Zu Beginn der 1920er Jahre wurde Chicago zum Hauptzentrum für die Entwicklung der Jazzmusik, in der durch die Bemühungen vieler Musiker aus verschiedenen Teilen der Vereinigten Staaten ein Stil geschaffen wurde, der den Spitznamen Chicago Jazz erhielt.

Große Bands

Die klassische, etablierte Form der Big Bands ist im Jazz seit den frühen 1920er Jahren bekannt. Diese Form behielt ihre Gültigkeit bis Ende der 1940er Jahre. Die Musiker, die in der Regel fast die Mehrheit der Big Bands betraten Jugend, gut definierte Partys gespielt oder in Proben oder aus Notizen auswendig gelernt. Sorgfältige Orchestrierungen, zusammen mit massiven Bläser- und Holzbläsersätzen, erzeugten reichhaltige Jazzharmonien und erzeugten den sensationell lauten Sound, der als "The Big Band Sound" bekannt wurde.

Die Big Band wurde zur populären Musik ihrer Zeit und erreichte Mitte der 1930er Jahre ihren Höhepunkt. Diese Musik wurde zur Quelle des Swingtanzwahns. Die Anführer der berühmten Jazzbands Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet komponierten oder arrangierten und nahmen eine wahre Hitparade von Melodien auf, die nicht nur klangen im Radio, aber auch überall in Tanzlokalen. Viele Big Bands zeigten ihre Improvisations-Solisten, die das Publikum bei hochgehypten „Battles of the Orchestras“ in einen Zustand der Hysterie versetzten.
Viele Bigbands demonstrierten ihre Solo-Improvisationen, die das Publikum in einen Zustand nahe der Hysterie versetzten.
Obwohl Big Bands nach dem Zweiten Weltkrieg an Popularität verloren, tourten und nahmen Orchester unter der Leitung von Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James und vielen anderen in den nächsten Jahrzehnten häufig auf. Ihre Musik veränderte sich allmählich unter dem Einfluss neuer Trends. Gruppen wie Ensembles unter der Leitung von Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus und Thad Jones-Mal Lewis erforschten neue Konzepte in Harmonie, Instrumentierung und Improvisationsfreiheit. Heute sind Big Bands der Standard in der Jazzausbildung. Repertoireorchester wie das Lincoln Center Jazz Orchestra, das Carnegie Hall Jazz Orchestra, das Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra und das Chicago Jazz Ensemble spielen regelmäßig Originalarrangements von Big-Band-Kompositionen.

nordöstlicher Jazz

Obwohl die Geschichte des Jazz in New Orleans mit dem Aufkommen des 20. Jahrhunderts begann, erlebte diese Musik einen wahren Aufstieg in den frühen 1920er Jahren, als der Trompeter Louis Armstrong New Orleans verließ, um in Chicago neue revolutionäre Musik zu schaffen. Die kurz darauf einsetzende Abwanderung von Jazzmeistern aus New Orleans nach New York markierte einen Trend zur kontinuierlichen Bewegung von Jazzmusikern vom Süden in den Norden.

Louis Armstrong

Chicago nahm die Musik von New Orleans an und machte sie heiß, indem es sie nicht nur mit Armstrongs berühmten Hot Five- und Hot Seven-Ensembles aufdrehte, sondern auch mit anderen, darunter Eddie Condon und Jimmy McPartland, deren Crew der Austin High School dazu beitrug, New Orleans wiederzubeleben Schulen. Andere bemerkenswerte Chicagoer, die die Grenzen des klassischen New Orleans Jazz erweitert haben, sind der Pianist Art Hodes, der Schlagzeuger Barrett Deems und der Klarinettist Benny Goodman. Armstrong und Goodman, die schließlich nach New York zogen, schufen dort eine Art kritische Masse, die dieser Stadt half, sich zu einer echten Welthauptstadt des Jazz zu entwickeln. Und während Chicago im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts in erster Linie das Zentrum der Tonaufnahme blieb, entwickelte sich New York auch zum führenden Jazz-Veranstaltungsort und beherbergte so legendäre Clubs wie das Minton Playhouse, den Cotton Club, das Savoy und das Village Vanguard und sowie Arenen wie Carnegie Hall.

Kansas-City-Stil

Während der Ära der Weltwirtschaftskrise und der Prohibition wurde die Jazzszene von Kansas City zu einem Mekka für die neumodischen Klänge der späten 1920er und 1930er Jahre. Der Stil, der in Kansas City aufblühte, ist geprägt von gefühlvollen Stücken mit Blues-Einschlag, die sowohl von großen Bands als auch von kleinen Swing-Ensembles aufgeführt werden, sehr energische Soli demonstrieren und für die Gäste von Tavernen mit illegal verkauften Spirituosen aufgeführt werden. In diesen Pubs kristallisierte sich der Stil des großen Count Basie heraus, angefangen in Kansas City mit dem Orchester von Walter Page und später mit Benny Moten. Diese beiden Orchester waren typische Vertreter des Kansas-City-Stils, der auf einer eigentümlichen Form des Blues, dem sogenannten „Urban Blues“, basierte und sich im Spiel der oben genannten Orchester herausbildete. Die Jazzszene von Kansas City zeichnete sich auch durch eine ganze Galaxie herausragender Meister des Vocal Blues aus, der anerkannte „König“ unter ihnen war der langjährige Solist des Count Basie Orchestra, der berühmte Bluessänger Jimmy Rushing. Der berühmte Altsaxophonist Charlie Parker, der in Kansas City geboren wurde, verwendete nach seiner Ankunft in New York die charakteristischen Blues-„Chips“, die er in den Orchestern von Kansas City gelernt hatte, in großem Umfang und bildete später einen der Ausgangspunkte für Experimente mit Boppern in den 1940er Jahren.

Westcoast-Jazz

Künstler, die in den 1950er Jahren von der Cool-Jazz-Bewegung erobert wurden, arbeiteten ausgiebig in den Aufnahmestudios von Los Angeles. Stark beeinflusst von Nonett Miles Davis entwickelten diese in Los Angeles ansässigen Künstler das, was heute als West Coast Jazz bekannt ist. Der Westcoast-Jazz war viel sanfter als der wütende Bebop, der ihm vorausgegangen war. Der meiste Westküsten-Jazz wurde sehr detailliert niedergeschrieben. Die in diesen Kompositionen häufig verwendeten Kontrapunktlinien schienen Teil des europäischen Einflusses zu sein, der in den Jazz eingedrungen war. Allerdings ließ diese Musik viel Raum für lange lineare Soloimprovisationen. Obwohl West Coast Jazz hauptsächlich in Aufnahmestudios aufgeführt wurde, waren in Clubs wie dem Lighthouse in Hermosa Beach und dem Haig in Los Angeles oft seine Meister zu sehen, darunter der Trompeter Shorty Rogers, die Saxophonisten Art Pepper und Bud Shenk, die Schlagzeugerin Shelley Mann und der Klarinettist Jimmy Giuffrey .

Die Ausbreitung des Jazz

Jazz hat schon immer das Interesse von Musikern und Zuhörern auf der ganzen Welt geweckt, unabhängig von ihrer Nationalität. Es reicht aus, das frühe Werk des Trompeters Dizzy Gillespie und seine Synthese von Jazztraditionen mit schwarzer kubanischer Musik in den 1940er Jahren oder später, die Verschmelzung von Jazz mit japanischer, eurasischer und nahöstlicher Musik, berühmt in der Arbeit des Pianisten Dave Brubeck, zu verfolgen sowie in dem brillanten Komponisten und Anführer des Jazz - dem Duke Ellington Orchestra, das das musikalische Erbe Afrikas, Lateinamerikas und des Fernen Ostens vereinte.

Dave Brückeck

Jazz nahm ständig auf und nicht nur westliche Musiktraditionen. Zum Beispiel, als verschiedene Künstler versuchten, mit den musikalischen Elementen Indiens zu arbeiten. Ein Beispiel für diese Bemühungen sind die Aufnahmen des Flötisten Paul Horn im Taj Mahal oder der Strom der "Weltmusik", der beispielsweise von der Oregon-Band oder dem Shakti-Projekt von John McLaughlin vertreten wird. McLaughlins Musik, die früher weitgehend auf Jazz basierte, begann, neue Instrumente indischer Herkunft zu verwenden, wie Khatam oder Tabla, während seiner Arbeit mit Shakti, komplizierten Rhythmen erklangen und die Form des indischen Raga weit verbreitet war.
Im Zuge der fortschreitenden Globalisierung der Welt wird der Jazz ständig von anderen Musiktraditionen beeinflusst.
Das Art Ensemble of Chicago war ein früher Pionier in der Verschmelzung von afrikanischen und Jazzformen. Später lernte die Welt den Saxophonisten/Komponisten John Zorn und seine Auseinandersetzung mit der jüdischen Musikkultur kennen, sowohl innerhalb als auch außerhalb des Masada-Orchesters. Diese Werke inspirierten ganze Gruppen anderer Jazzmusiker, wie den Keyboarder John Medeski, der mit dem afrikanischen Musiker Salif Keita, dem Gitarristen Marc Ribot und dem Bassisten Anthony Coleman aufnahm. Der Trompeter Dave Douglas lässt seine Musik vom Balkan inspirieren, während das Asian-American Jazz Orchestra zu einem führenden Befürworter der Konvergenz von Jazz und asiatischen Musikformen geworden ist. Während die Globalisierung der Welt fortschreitet, wird der Jazz ständig von anderen Musiktraditionen beeinflusst, was ausgereifte Nahrung für zukünftige Forschung liefert und beweist, dass Jazz wirklich Weltmusik ist.

Jazz in der UdSSR und Russland

Die erste in der RSFSR-Jazzband von Valentin Parnakh

Die Jazzszene entstand in den 1920er Jahren in der UdSSR, zeitgleich mit ihrer Blütezeit in den USA. Das erste Jazzorchester in Soviet Russland wurde 1922 in Moskau von dem Dichter, Übersetzer, Tänzer und Theaterfigur Valentin Parnakh gegründet und hieß „Valentin Parnakhs erstes exzentrisches Jazzband-Orchester der RSFSR“. Der 1. Oktober 1922 gilt traditionell als Geburtstag des russischen Jazz, als das erste Konzert dieser Gruppe stattfand. Das Orchester des Pianisten und Komponisten Alexander Tsfasman (Moskau) gilt als das erste professionelle Jazz-Ensemble, das on air auftritt und eine Schallplatte aufnimmt.

Frühe sowjetische Jazzbands spezialisierten sich auf die Aufführung modischer Tänze (Foxtrott, Charleston). Im Massenbewusstsein gewann der Jazz in den 30er Jahren große Popularität, vor allem dank des Leningrader Ensembles unter der Leitung des Schauspielers und Sängers Leonid Utesov und des Trompeters Ya. B. Skomorovsky. Die beliebte Filmkomödie mit seiner Beteiligung „Merry Fellows“ (1934) widmete sich der Geschichte eines Jazzmusikers und hatte einen entsprechenden Soundtrack (geschrieben von Isaac Dunayevsky). Utyosov und Skomorovsky prägten den ursprünglichen Stil des "Tea-Jazz" (theatralischer Jazz), basierend auf einer Mischung von Musik mit Theater, Operette, Gesangsnummern und einem Element der Performance, das darin eine große Rolle spielte. Einen bemerkenswerten Beitrag zur Entwicklung des sowjetischen Jazz leistete Eddie Rosner, ein Komponist, Musiker und Orchesterleiter. Nachdem er seine Karriere in Deutschland, Polen und anderen begonnen hat europäische Länder, zog Rozner in die UdSSR und wurde einer der Pioniere des Swing in der UdSSR und der Initiator des belarussischen Jazz.
Im Massenbewusstsein begann Jazz in den 1930er Jahren in der UdSSR große Popularität zu erlangen.
Attitüde Sowjetische Behörden zum Jazz war zweideutig: Inländische Jazzkünstler waren in der Regel nicht verboten, aber es war üblich harte Kritik Jazz als solcher im Kontext der Kritik an der westlichen Kultur im Allgemeinen. In den späten 1940er Jahren, während des Kampfes gegen den Kosmopolitismus, erlebte der Jazz in der UdSSR eine besonders schwierige Zeit, als Gruppen, die "westliche" Musik aufführten, verfolgt wurden. Mit dem einsetzenden „Tauwetter“ wurden die Repressionen gegen die Musiker eingestellt, die Kritik aber hielt an. Laut der Forschung der Professorin für Geschichte und amerikanische Kultur Penny Van Eschen versuchte das US-Außenministerium, Jazz als ideologische Waffe gegen die UdSSR und gegen die Ausweitung des sowjetischen Einflusses in den Ländern der Dritten Welt einzusetzen. In den 50er und 60er Jahren. In Moskau nahmen die Orchester von Eddie Rozner und Oleg Lundstrem ihre Aktivitäten wieder auf, neue Kompositionen erschienen, unter denen sich die Orchester von Iosif Weinstein (Leningrad) und Vadim Ludvikovsky (Moskau) sowie das Riga Variety Orchestra (REO) hervorhoben.

Big Bands brachten eine ganze Galaxie talentierter Arrangeure und Solisten-Improvisatoren hervor, deren Arbeit den sowjetischen Jazz auf ein qualitatives Niveau brachte. Neues level und brachte es näher an Weltstandards. Unter ihnen sind Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Die Entwicklung des Kammer- und Clubjazz in all seiner Stilvielfalt beginnt (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan , Igor Bril, Leonid Chizhik usw.)

Jazzclub "Blauer Vogel"

Viele der oben genannten Meister des sowjetischen Jazz begannen ihre kreative Weise Auf der Bühne des legendären Moskauer Jazzclubs "Blue Bird", der von 1964 bis 2009 bestand, entdeckte er neue Namen von Vertretern der modernen Generation russischer Jazzstars (Brüder Alexander und Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko und Andere). In den 70er Jahren erlangte das bis 1986 bestehende Jazztrio „Ganelin-Tarasov-Chekasin“ (GTC), bestehend aus dem Pianisten Wjatscheslaw Ganelin, dem Schlagzeuger Wladimir Tarasow und dem Saxophonisten Wladimir Tschekasin große Popularität. In den 70-80er Jahren waren auch das Jazzquartett aus Aserbaidschan „Gaya“, die georgischen Vokal- und Instrumentalensembles „Orera“ und „Jazz-Khoral“ bekannt.

Nach dem Rückgang des Interesses am Jazz in den 90er Jahren begann er in der Jugendkultur wieder an Popularität zu gewinnen. Jazzmusikfestivals finden jährlich in Moskau statt, wie Usadba Jazz und Jazz in the Hermitage Garden. Der beliebteste Jazzclub in Moskau ist der Jazzclub Union of Composers, der weltberühmte Jazz- und Blueskünstler einlädt.

Jazz in der modernen Welt

Die moderne Welt der Musik ist so vielfältig wie das Klima und die Geographie, die wir auf Reisen kennenlernen. Und doch erleben wir heute eine Mischung aus immer mehr Weltkulturen, die uns immer näher an das heranführt, was im Grunde schon „Weltmusik“ (Weltmusik) wird. Der heutige Jazz kann nicht umhin, von Klängen beeinflusst zu werden, die aus fast allen Ecken der Welt in ihn eindringen. Europäischer Experimentalismus mit klassischen Obertönen beeinflusst weiterhin die Musik junger Pioniere wie Ken Vandermark, eines frostigen Avantgarde-Saxophonisten, der für seine Arbeit mit so bemerkenswerten Zeitgenossen wie Mats Gustafsson, Evan Parker und Peter Brotzmann bekannt ist. Andere traditionellere junge Musiker, die weiterhin nach ihrer eigenen Identität suchen, sind die Pianisten Jackie Terrasson, Benny Green und Braid Meldoa, die Saxophonisten Joshua Redman und David Sanchez sowie die Schlagzeuger Jeff Watts und Billy Stewart.

Die alte Tradition des Beschallens wird von Künstlern wie dem Trompeter Wynton Marsalis, der mit einem Team von Assistenten sowohl in seinen eigenen kleinen Bands als auch in der von ihm geleiteten Lincoln Center Jazz Band arbeitet, rasant fortgeführt. Unter seiner Schirmherrschaft wuchsen die Pianisten Marcus Roberts und Eric Reed, der Saxophonist Wes „Warmdaddy“ Anderson, der Trompeter Markus Printup und der Vibraphonist Stefan Harris zu großartigen Musikern heran. Bassist Dave Holland ist auch ein großer Entdecker junger Talente. Zu seinen vielen Entdeckungen gehören Künstler wie der Saxophonist/M-Bassist Steve Coleman, der Saxophonist Steve Wilson, der Vibraphonist Steve Nelson und der Schlagzeuger Billy Kilson. Andere großartige Mentoren für junge Talente sind der Pianist Chick Corea und der verstorbene Schlagzeuger Elvin Jones und die Sängerin Betty Carter. Das Potenzial für die Weiterentwicklung des Jazz ist derzeit ziemlich groß, da die Art und Weise der Entwicklung von Talent und die Mittel seines Ausdrucks unvorhersehbar sind und sich durch die gemeinsamen Bemühungen verschiedener Jazzgenres, die heute gefördert werden, vervielfachen.

Ragtime entstand unter Neger-Amateurpianisten. Der Höhepunkt der Ragtime-Popularität fällt auf das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts, aber sie erschienen etwa zwanzig Jahre früher. Die Popularität des Ragtime zu Beginn des 20. Jahrhunderts war größtenteils auf die massive Nachfrage nach Tanzmusik zurückzuführen. Der Phonograph war noch nicht weit verbreitet, und Massen von einfachen Amerikanern tanzten zum Klavier. Der tänzerische Charakter des Ragtime im Gegensatz zur „melodischen“ Popmusik, die vokale Wurzeln hat, bestimmte die rhythmische Innovation dieses Genres.

Scott Joplin - "Maple Leaf Rag"

Daniel Kramer

Klassische europäische Tänze waren hauptsächlich das Los der Aristokraten. Um sie zu tanzen, war es notwendig, verschiedene Schritte und ihre Kombinationen zu lernen, manchmal ziemlich komplex, und Leute, die in ihrer Position niedriger waren, wollten sich einfach nicht damit beschäftigen. Trotz der Leichtigkeit und Einfachheit des Rhythmus wurde Ragtime in exotischen afrikanischen pentatonischen Modi und unter Verwendung einiger Techniken gespielt, die weißen Musikern nicht vertraut waren. Diese Kombination aus einfach und neu brachte eine erstaunliche Art des Musikmachens vor dem Jazz hervor, die Ragtime genannt wird.

Ragtime ist nicht Liszts Rhapsodie, nicht Chopins Konzert, nicht Beethovens 5. Konzert, nicht Mozart und nicht Bach. Das ist nicht diese Art von Komplexität, nicht technologische oder kompositorische Komplexität – das ist stilistische Komplexität. Für akademische Musiker des frühen 20. Jahrhunderts war dieser Stil ziemlich schwierig: Diese Synkopen waren Europäern nicht vertraut. Als der frühe Jazz 1918 zum ersten Mal die europäischen Küsten erreichte, erhielt er daher den Spitznamen „verrückte Synkopen“- "verrückte Synkopen".

Synkopierung - in der europäischen Musik ein Klang, der auf einem schwachen Schlag beginnt und auf einem starken Schlag fortgesetzt wird, was zu einer Verschiebung der rhythmischen Akzente führt, einer Trennung der Melodie von der Begleitung.

Ragtime ist kein Jazz, er wird flüssig gespielt, er ist Polka pur, die jeder Komponist schreiben könnte, der nicht ganz klassische Musik schreiben will. Der "Vater des Ragtime" Scott Joplin brachte einige Pre-Jazz-Elemente - wie die "3 vs. 4"-Technik - und einige für die Zeit exotische Intervalle wie Sexten ein. In diesem Fall ist eine andere Art von Rhythmus charakteristisch. Beim Ragtime wird der Rhythmus ab dem zweiten und vierten Schlag des Takts gezählt, plus alle zwei Takte ein separater starker Akzent auf dem letzten, vierten Schlag. Diese Off-Beat-Akzente werden mit einer separaten Synkopierung der Melodie überlagert.

Off-Beat - das Prinzip, bei dem rhythmische Akzente von den "starken" Schlägen des Taktes - 1. und 3. - zu den "schwachen" - 2. und 4. verschoben werden.

"3 gegen 4" ist die Hauptart des Kreuzrhythmus, der für die westafrikanische Musik charakteristisch ist. Innerhalb einer metrischen Einheit (Takt) erklingen zwei rhythmische Muster parallel und kontrastierend zueinander. Einer von ihnen, der Hauptsatz, besteht aus vier gleichen rhythmischen Einheiten, der zweite, der darüber erklingt, besteht aus drei gleichen Einheiten.

2. Traditioneller Jazz: New Orleans und Dixieland. 1910-1920er Jahre

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts gab es in New Orleans mehrere Dutzend Blaskapellen und Tanzmusikensembles - hauptsächlich Neger und Kreolen. Die Musik, die sie spielten, war beeinflusst von Ragtime, Blues, Märschen und Arbeitsliedern der Neger. Sie waren stark beeinflusst von der Musikkultur der Kreolen, die ursprünglich der europäischen Hausmusik nahestand. Später, als die Kreolen der Südstaaten den Negern gleichgestellt wurden, konvergierten die Neger- und Kreolenkulturen, was zur Entstehung neuer synthetischer Formen beitrug. Nach dem Ende des Amerikanisch-Spanischen Krieges hatte die Stadt große Menge Instrumente von Militärkapellen, die zur Gründung von Amateurmusikgruppen beitrugen, deren Musiker mit Notenschrift nicht vertraut waren. Wie genau die Musik in New Orleans zu dieser Zeit klang, lässt sich nur aus dem Spiel von Nachahmern im New-Orleans-Stil auf den ersten Aufnahmen erahnen, die erst 1917 erschienen. Der Begriff "Dixieland" war zunächst ein Analogon zum Begriff "Jazz", der unter weißen Musikern unter dem Codenamen der Südstaaten der Vereinigten Staaten erfunden wurde. Später wurde der Dixieland-Stil speziell mit den "weißen" Ensembles des frühen Jazz in Verbindung gebracht, obwohl oft der New-Orleans-Stil und Dixieland als Synonyme verstanden werden. Nach der Veröffentlichung der ersten Jazzplatte einer Gruppe weißer Musiker Original Dixieland-Jass-Band 1917 beginnt sich der Jazz als neue Form der Volksmusik der Moderne im ganzen Land auszubreiten.

Original Dixieland Jassband - "Tiger Rag"

Wladimir Tarasow

Schlagzeuger, Mitglied des GTC-Trios (Ganelin-Tarasov-Chekasin)

Es ist erstaunlich, von Musikern zu hören, dass Swing nach Dixieland kam. Es stellt sich heraus, dass Dixieland kein Jazz ist. Im Dixieland gibt es jede Menge Swing. Hören Sie sich einfach das synkopierte Banjo und Snare-Drumming an. Später, in den 1930er und 1940er Jahren, als aus diesem Baum neue Äste sprossen, darunter auch weiße, veränderte sich die Sprache und damit auch das Swing-Gefühl stark.

Swing - die Art der Aufführung eines Solisten oder Ensembles, die auf konstanten Abweichungen vom Referenzrhythmus basiert und den Effekt des "Schaukelns" der gesamten Klangmasse erzeugt. Swing ist charakteristisch für verschiedene Stilrichtungen und Epochen in der Geschichte des Jazz. In den 1930er Jahren begann sich dieser Begriff auf den populären Stil des Jazz während der Ära der Big Bands zu beziehen.

King Oliver's Creole Jazz Band - "Dippermouth Blues"

Valery Kiselev

Klarinettist, Saxophonist, Leiter des Classical Jazz Ensemble

New Orleans ist eine besondere Stadt, sie wurde das „Paris der Neuen Welt“ genannt. Hafenstadt an der Mündung des Mississippi, das war viel Geschäft, viel Besucher. Es gab Picknicks, Paraden, Prozessionen, also hatten die Musiker in New Orleans immer viel zu tun. Wenn ein angesehener Mensch starb, wurde ihm eine Beerdigung mit einem Orchester befohlen - dies war auch ein Job für Musiker. Fast alle dort waren Autodidakten, kannten die Noten nicht, spielten nach Gehör, und King Oliver (eine Legende des New Orleans-Stils, in dessen Orchester der junge Louis Armstrong zu spielen begann. - Ed.) war Autodidakt. Einige verwechseln Dixieland- und New-Orleans-Stil. New Orleans ist ein Bluesstil, sie spielten nicht den dominanten, verminderten Septakkord, wie später im Dixieland.

The New Orleans Rhythm Kings – „Sie weint um mich“

Juri Tschugunov

Komponist, Arrangeur, Lehrer

Das Improvisationsprinzip hat im Jazz nie seine Rolle verloren. Das strukturelle Grundprinzip des New-Orleans-Stils war die spontane Polyphonie. Dieser polyphone Beginn basierte auf der simultanen Improvisation mehrerer Blechbläser-Solisten (Trompete, Posaune und Klarinette). Außerdem klangen einfache Akkorde dank der Blues-Tonleiter völlig neu. Über den kontinuierlichen Takt der Rhythmusgruppe konnten Solisten rhythmische Freiheit in der Improvisation zulassen. All diese Merkmale führten dazu, dass Jazz von der Öffentlichkeit als etwas Neues und Beispielloses wahrgenommen wurde, was zu seiner raschen Verbreitung in der Welt führte. Jazz war ursprünglich auf schnelle Entwicklung programmiert. Die Perspektive dieser Entwicklung wurde durch eine Kombination zweier Elemente bestimmt: dem folkloristischen (Blues) Beginn und dem Einsatz von Instrumenten des Symphonieorchesters, einschließlich des Klaviers.

Polyphonie ist das Prinzip des Aufbaus eines musikalischen Werks (Lager), in dem getrennte melodische Stimmen parallel und in ihrer Funktion gleich erklingen. Es steht im Gegensatz zu einem homophonen Lager, in dem die Funktion der Melodie von der Oberstimme übernommen wird und die übrigen Stimmen sie harmonisch unterstützen.

3. Chicago-Stil. 1920er

Wichtige gesellschaftliche Veränderungen fanden in den 1920er Jahren statt. Diese Ära ist als die Goldenen Zwanziger in die Geschichte eingegangen. Der Schriftsteller Francis Scott Fitzgerald hat es in seinen berühmten Erzählungen anders formuliert – „das Jazz-Zeitalter“. In den frühen 1930er Jahren schrieb er: „Das Wort ‚Jazz', das heute niemand mehr für obszön hält, bedeutete zuerst Sex, dann Tanzstil und schließlich Musik. Wenn sie von Jazz sprechen, meinen sie einen Zustand nervöser Erregung, wie er in Großstädten vorherrscht, wenn die Frontlinie auf sie zukommt. In den 1920er Jahren begann Jazz in Restaurants und Tanzlokalen Einzug zu halten und wurde zu einem wichtigen Bestandteil der Populärkultur. Das Wesen des Jazz drückt sich in der Art der Aufführung aus, die nicht auf Papier aufgezeichnet werden kann, und dank der Entwicklung der Schallplattenindustrie beginnt der Jazz massenhaft repliziert zu werden, was die These von Walter Benjamin über "a Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit". In den 1920er Jahren verstärkte sich die Abwanderung von Jazzmusikern in die nördlichen Industriestädte, wobei Chicago zum Zentrum wurde. Zu dieser Zeit werden sie auch weit verbreitet Jam-Sessions- kostenlose Auftritte in Kneipen nach Mitternacht für ein kleines Publikum von Kennern, basierend auf der spontanen Improvisation mehrerer Solisten. Die Verkomplizierung der Arrangements und der Gegensatz eines einzelnen Solisten zum Gesamtensemble beginnt.

Louis Armstrong – „West End Blues“

Daniel Kramer

Das Jazz-Ensemble ist nach einem ganz anderen Prinzip aufgebaut als das Dixieland-Ensemble. Dixieland basiert auf dem Prinzip von zwei Linien, wenn eine Rhythmusgruppe im Hintergrund spielt - Bass, Banjo und Percussion-Instrumente. Und davor gibt es polyphone Linien, sagen wir, von einer Trompete, einer Posaune und einer Klarinette. Und diese polyphonen Linien sind ständig miteinander verflochten, eine davon ist die Hauptlinie und die anderen rahmen sie ein. Gleichzeitig ist die rhythmische Basis ausgefallen, das harmonische Prinzip viel einfacher. In einem Jazz-Ensemble ist die rhythmische Basis bereits ein Viererschlag, kein Off-Beat. Wenn es mehrere Solisten gibt, rahmen sie nicht ein Hauptlinie und jedes für sich improvisieren. Und schließlich viel komplexere Arrangements von Jazzstücken. Jazzfeeling ist das Gefühl eines gespannten Bogens. Diese rhythmische Komponente, Antrieb genannt, ein unaufhaltsamer rhythmischer Fluss, ist bei Bach noch vorhanden, in etwas geringerem Maße bei Mozart, und beginnt bei den Romantikern verloren zu gehen. Jazzmusiker haben diesen Drive auf die nächste Stufe gehoben. Ich habe verstanden, woher es kommt, als ich in Afrika war und gesehen habe, wie ländliche afrikanische Musiker spielen: Es liegt ihnen im Blut.

Viertakt – eine Art Rhythmus, bei dem alle vier Taktschläge gleichmäßig betont werden – stark und schwach.

Von Dixielands und frühen Jazz-Ensembles würde ich Louis Armstrong-Ensembles hervorheben - Heiße Fünf und Heiße Sieben. Persönlich fühle ich mich dem Antrieb von Armstrong näher als dem von King Oliver oder Bix Beiderbeck. Einen solchen Antrieb - sehr hart und gleichzeitig schön - hat vielleicht niemand zu dieser Zeit.

Bix Beiderbeck – „Singin“ the Blues“

Oleg Grymow

Klarinettist, Saxophonist, Oleg Lundstrem Orchestra

Im frühen Jazz war Swing sowohl für weiße als auch für schwarze Musiker anders, grotesker. Und später, mit Hawkins, Lester Young, wurde es glatter. Bix Beiderbeck ist ein großartiger Kornettist, aber wenn man seinen Schwung hört, sieht man, dass die Ecken etwas spitzer sind. Dieser frühe Swing war eher Ragtime.

Ich komme zu dem Schluss, je älter die großen Künstler wurden, desto mehr strebten sie nach Einfachheit. Es ist nur so, dass viele nicht überlebt haben, wie Young oder Parker, sie sind beim Start abgereist. Armstrong lebte lange, aber als er mit dieser Einfachheit begann, endete er damit. Außerdem lag in dieser Einfachheit auch eine Tiefe, die Intellektuelle brauchten. Es scheint mir, dass die Hauptsache Natürlichkeit ist. Wenn diese Komplexität nicht erzwungen wird, dann muss sie existieren; wenn Einfachheit keine gähnende Leere ist, dann lass sie sein. Armstrong war die Quintessenz seiner Zeit. Das ist der Johann Sebastian Bach des Jazz. Zu viele Zufälle bei diesem Mann. Es gab viele sehr gute Musiker dieser Zeit, bei denen nicht alles so lief wie bei ihm. Ein weniger bekannter Musiker ist Sydney Bechet. Bechet war von Natur aus sehr leidenschaftlich, hören Sie sich einfach seine Aufnahmen an, um sich davon zu überzeugen. Er war ein Mann der Extreme und alles, was er tat, war so leidenschaftlich wie seine Schauspielerei. Wie sein Schüler Bob Wilber sich an ihn erinnert, konnte Bechet sehr freundlich und fürsorglich sein, aber wenn er in Ihren Worten eine Art Vernachlässigung empfand, konnte er sehr bösartig und rachsüchtig sein. Ohne Bechet ist nicht bekannt, ob wir von John Hodges (dem berühmten Altsaxophonisten des Duke Ellington Orchestra) erfahren hätten. Ed.), weil Hodges sein ganzes Leben lang Bechet gehört und sogar ein paar Stunden bei ihm gelernt hat. Man kann es hören, so eine New Orleans-Annäherung an das Instrument. Bechet hat einen sehr hellen, originellen Klang, ein sehr häufiges Vibrato, das schwer zu kopieren ist. Vielleicht ist seine berühmteste Komposition Sommerzeit Georg Gershwin. Für viele Sopransaxophonisten ist es zu einer Aufführungsvorlage geworden. Ich persönlich liebe die Platte Black-Stick-Blues, dort spielt er Klarinette - schließlich hat er als Klarinettist angefangen. Der Schweizer Dirigent Ernest Ansermet sagte über ihn, dass es einen solchen Musiker aus dem Orchester gibt Southern Syncopated Orchestra ist ein wahres Genie. Dann spielte er Klarinette.

Sydney Bechet - "Sommerzeit"

Vibrato ist ein schnelles Pulsieren eines Tons mit einer periodischen Änderung seiner Tonhöhe um weniger als einen Halbton. Das Ergebnis ist eine durchgehende Wellenlinie.

Jack Teagarden & His Orchestra - "Basin Street Blues"

Roswell Rudd

Posaunist, Komponist, New York Art Quartet

Dixieland ist die Musik, von der ich gelernt habe. Ich habe es in den 40er und 50er Jahren gehört, als ich jung war. Was mich an ihr am meisten angezogen hat, war ihre kollektive Improvisation. Sie war sehr offen. Es gab eine klare Struktur, aber innerhalb dieser Struktur machten die Leute Musik, indem sie einander zuhörten. Es hat mich damals erstaunt und tut es immer noch. Ich denke, kollektive Improvisation ist das, was ich und meine Kollegen in den Zwanzigern in den 60er Jahren zum Jazz zurückgebracht haben. Als wir zum ersten Mal vor der Öffentlichkeit auftraten, haben wir kollektive Improvisation in unser Spiel integriert. Das war für mich selbstverständlich, weil ich aus dem Dixieland kam und ein Gespür dafür hatte, wie man im Verhältnis zu jemand anderem spielt – improvisatorisches „Frage und Antwort“. Charles Mingus, Cecil Taylor-Gruppen; San Ra - alle haben sich mit kollektiver Improvisation beschäftigt und das sehr schön gemacht. Diese Leute haben alte Musik wiederbelebt und gleichzeitig etwas Modernes geschaffen.

Reaktionstechnik (Frage-Antwort) - grundlegend Kompositionsprinzip, in der sich alle Elemente der musikalischen Form in komplementären Paaren aufreihen, wobei das erste Element, instabil und unvollständig, die Anwesenheit eines nachfolgenden, logisch abschließenden Elements impliziert.

Jack Teagarden ist unser amerikanisches Denkmal; er ist wie JJ Johnson (legendärer Posaunist der Bebop-Ära. - Ed.). Er personifiziert bestimmten Stil Posaunenspiel - sehr sauber, frisch und druckvoll. Ich mag Teegardens frühere Musik, als er eher ein Experimentator war. Als ich jung war, hörte ich viele seiner späteren Sachen bei Live-Auftritten, und es war wunderschön. Aber ich vermisste seine "Fehler".

Jeder Jazz ist "free", nicht nur Free Jazz. Es hängt alles davon ab, von welchen Musikern Sie sprechen. Jazz ist im Wesentlichen die erste Musik. Sie ist auf der ganzen Welt zu finden, denn wenn Menschen improvisieren, ist das die erste Musik. Dixieland, Kollektivimprovisation ist die avantgardistischste Form, die man erreichen kann, und wenn man es gut macht, echtes Gefühl hineinsteckt und es nicht mit Intellektualismus übertreibt, dann bekommt man großartige Musik. Free Jazz, Neue Musik, freie Improvisation – das alles bedeutet für mich dasselbe, es ist alles nur Musik. Kollektive Improvisation ist die Grundlage meiner Arbeit. Kann analysiert werden bestimmte Perioden und Stile - Congo Square (ein Gebiet in der Nähe von New Orleans, wo sich die schwarze Bevölkerung im 18. und frühen 19. Jahrhundert zum Handel, Singen und Tanzen versammeln durfte. - Ed.), New Orleans, Chicago, Kansas City, New York, Westküste usw. Oder die großen Pioniere des Stils - Louis Armstrong, Coleman Hawkins, Pee Wee Russell, John Birks Gillespie, Charlie Parker, Ornette Coleman usw. Aber was sie alle auszeichnet, ist genau die einzigartige Art der Improvisation, und wenn sie gemeinsam geschieht, dann entsteht freie „symphonische“ Musik. Ich nenne es Dixieland.

Bud Freeman - "Der Aal"

Oleg Grymow

Bud Freeman ist ein großartiger Musiker. Er war so ein Dandy, er sah immer sehr stylisch aus und spielte genauso schön. Viele Kritiker schreiben ihm einen Einfluss auf Lester Young zu. Bei den Konzerten der späten 1960er Jahre scheint es, wenn man die Augen schließt, dass Lester Young. Lester bestritt dies meiner Meinung nach, sprach aber sehr hoch über Bud Freeman. Freeman hat intensiv mit Benny Goodman und Tommy Dorsey zusammengearbeitet. Er ist ein typischer Vertreter des Swing, spielte aber auch mit Dixieland-Musikern. Er hat viele Platten, auf denen er in Dixieland-Bands spielt, wo es anscheinend eine Posaune geben sollte, und Bud Freemans Tenorsaxophon spielt dort, es ergibt einen völlig anderen Sound, beweglicher, weniger verpflichtend. Er wurde in Chicago geboren und starb dort. In dieser Zeit lebten dort viele große Musiker – zum Beispiel Jimmy Noon. Ich höre in den Aufnahmen der 30er Jahre einen deutlichen Einfluss von Nun. Es ist ganz offensichtlich, dass sie zu den Auftritten des anderen gegangen sind, etwas mitgenommen, sich etwas ausgeliehen haben. Also alles durcheinander: Bei Freeman findet man Jimmy Noone, bei Lester findet man Freeman und Frankie Trumbauer. Das ist so ein Mischboden, aus dem dann schöne Blumen wachsen. Überhaupt ist - bei aller Hauptrolle schwarzer Musiker - nicht bekannt, wie es gewesen wäre, wenn New Orleans nicht gewesen wäre, wo es riesige französische und spanische Kolonien gab. Kreolen sind die unehelichen Kinder französischer und spanischer Kolonisten von ihren Sklaven. Im frühen Jazz war es für Blasinstrumente üblich, ein flaches Vibrato zu verwenden, insbesondere gegen Ende einer Phrase. Das extremste Beispiel ist Bechet, der französisches Blut hatte. Mir scheint, dass auch dies eine Art genetischen französischen Einfluss zeigte: Wenn Sie den Gesang französischer Chansonniers nehmen, können Sie ihn hören.

4. Die Ära des Swing, die Ära der Big Bands. 1930er

Die steigende Popularität des Jazz führte zu einer Nachfrage nach großen Tanzmusikorchestern. Dies wiederum erforderte ein kohärenteres, organisierteres Spiel und komplexere Arrangements. Die Art und Weise des Hot Jazz wird einer breiten Öffentlichkeit bekannt und beginnt, sich in den Mainstream zu bewegen. Besonders wichtig ist, wie das ganze Orchester „swingt“.

Fats Waller - "Honeysuckle Rose"

Daniel Kramer

Swing ist eine natürliche Synkopierung, die auf einem kontinuierlichen rhythmischen Fluss namens Drive basiert, kombiniert mit einem variierenden variablen Verhältnis von realen und wahrgenommenen Rhythmen, was nach einigen Meinungen, einschließlich meiner, eine der Bedeutungen des Begriffs "Beat" ist (eine andere Bedeutung ist Streik, eine Methode der Intratakt-Akzentuierung). Wenn der Komplex aus drei Komponenten besteht – Beat, Drive und natürlicher Synkopierung – dann beginnt tatsächlich Jazz. Fats Waller hat sowohl Swing als auch etablierte Jazz-Harmonikkomplexe in vollem Umfang. Eine Person spricht mit Akzent, die andere spricht dieselben Wörter aus, jedoch ohne Akzent. Fats Waller spricht bereits akzentfrei, die Sprache ist dort etabliert. Schon gibt es einen swingenden Viertakt. In der Jazzmusik spielt der Solist entweder mit dem Rhythmus oder leicht dahinter, aber niemals davor. Die Triole in der Jazzmusik schwingt in sich selbst, der Rhythmus wird vom schwachen, dritten Takt der Triole gezählt und senkt sich wie von einer Welle zunächst zum starken.

Eine Triole ist eine Möglichkeit, drei Noten gleicher Dauer zu gruppieren, die zusammen so lange dauern wie zwei Noten derselben Dauer.

Fletcher Henderson & His Orchestra - "Kopenhagen"

Valery Kiselev

Fletcher Henderson gehörte zu jenem Negerzirkel, der es bis in die Oberschicht geschafft hatte, und er war sehr stolz darauf. Sie schätzten ihre Position sehr, sie erlaubten ihren Kindern nicht, mit schwarzen Kindern zu spielen: Wenn ein Weißer ungezogen ist, ist das eine Sache, und wenn ein Schwarzer ist, ist alles anders. Fletcher erhielt eine gute Ausbildung. Er gilt eigentlich als Begründer der modernen Bigband. Im Dixieland-Ensemble führt die Trompete die Hauptmelodie, die Klarinette spielt das sogenannte Obligato, die Posaune führt den Oberton. Vier oder fünf Instrumente, dann kommt eine Kakophonie – da kann man nirgendwo ausweiten. Als Orchester begannen, in respektablen Häusern zu spielen, wo mehr Musiker gebraucht wurden, war es irgendwie notwendig, sich neu zu organisieren. Und dann kamen Fletcher Henderson und sein Kollege Don Redman auf die Idee, die Gruppen aufeinander abzustimmen – drei Saxophone und drei Blechblasinstrumente, in der Regel waren das zwei Pfeifen und eine Posaune. Ständiges Nebeneinander, die Saxophone spielen das Thema, der Hintergrund spielt die Blechbläser, dann übernehmen die Blechbläser die Melodie, die Saxophone die Begleitung. Das sind schon die ersten Anzeichen einer Big Band, der Konkurrenz der Instrumentengruppen.

Eine Bigband ist ein Jazzensemble mit mehr als zehn Mitgliedern. Die Big Band zeichnet sich durch ein sorgfältigeres Arrangement, eine kompliziertere Textur und eine stärkere Rolle des Leiters des Ensembles aus.

Glenn Miller Orchester – „In the Mood“

Saxophonist, Komponist, Leiter der "Round Band"

Für mich war die Zeit der Prä-Bebop-Jazzmusik lange Zeit ein Mysterium. Ehrlich gesagt höre ich diese Musik selten, und wenn ich mich jetzt beispielsweise den Schallplatten der 30er Jahre des letzten Jahrhunderts zuwende, kommt es mir etwas seltsam vor, typische Bop-Beschreibungen, Klischees und Abwandlungen nicht zu hören das Spiel der Swingmusiker. Wenn Sie sich jedoch mit dem Studium dieses Stils, der Art, Musiker zu spielen, ihren sprachlichen Merkmalen, Harmonien und Improvisationen befassen, verstehen Sie, dass dies eine außergewöhnliche künstlerische Ebene ist, eine riesige Richtung, ohne die ein neuer Schritt unmöglich war. Die Welt der „Swing-Ära“ ist, würde ich sagen, ein besonderes Weltbild. Das Spiel der Musiker scheint mit einem Strom von Emotionen, manchmal sogar ungeformten, nicht realisierten Ideen in Form verschiedener melodischer Konstruktionen, manchmal sogar streitend, sich gegenseitig unterbrechend, mit hellen Kontrastbildern, für Bläser beispielsweise beides enthaltend, herauszuspritzen ein Passagenelement oder ein langes Keuchen auf einer Note. Vielleicht ist dies der Einfluss des Hot Jazz, in dem die Musiker versuchten, mehr Freiheit und Ausdruckskraft in Soli zu erreichen, in denen man afrikanische Ursprünge hören kann.

Hot Jazz ist eine Spielart des Jazz, die durch einen verstärkten improvisatorischen Ansatz, die Dominanz von intonatorischer und rhythmischer Ausdruckskraft über die Komposition gekennzeichnet ist. "Hot" bedeutet seit den Anfängen des Jazz "authentisch", im Gegensatz zu weißen Imitationen des New Orleans-Stils und kommerziellem Jazz, der nur einige der charakteristischen Elemente der Jazzsprache verwendet. Während in den 1920er Jahren der Hot Jazz scharf gegen die kommerzielle Version des Jazz – Sweet Jazz – war, wird der Hot Jazz in den 1930er Jahren in Form des Swing zu einer kommerziell erfolgreichen populären Musik und tritt in den Mainstream ein.

Aber gleichzeitig haben Musiker in der Ära des Swing in den 30er Jahren, während sie Ideen ausdrücken und ausdrücken, ein solides, manchmal sogar rationales Spiel, in dem immer eine klare rhythmische Organisation zu hören ist, und einen integralen Swing mit einem besonderen rhythmische Verzögerung, die dieser Periode des Jazz eigen ist. Man hat das Gefühl, als wollten die Musiker mit Hilfe ihrer Instrumente sagen, was sie mit Worten nicht sagen können. Aber auch gleichzeitig hört man in ihrem Spiel eine deutliche Stabilität, Treue zu Stil, Manier, Sprache, Melodie, Metro-Rhythmus. Übrigens, über den Rhythmus - ein separates Gespräch. Nehmen wir an, wenn wir allgemein über die Zeit vor dem Bop sprechen, wurde die rhythmische Organisation von Musikern auf unterschiedliche Weise aufgebaut und wahrgenommen. Zum Beispiel sind die Bands von Count Basie, Glenn Miller, Duke Ellington, Benny Goodman nicht nur unterschiedliche melodische, improvisatorische Konzepte, sondern auch unterschiedliche Ansätze zur metrischen Lösung.

Count Basie Orchestra - "Swingin' the Blues"

Wladimir Tarasow

Wir Jazzer haben einen berühmten Spruch, der Parteimitglieder parodiert: Wir sagen "Jazz", wir meinen "Swing" - und umgekehrt. Bisher konnte niemand genau beschreiben, was Swing ist. Was ist das für eine besondere schwankende Art der Klangerzeugung mit Synkopen? Ich habe einmal vereinfacht und für mich festgestellt, dass es für mich kein Jazz ist, wenn es einfach in Achtelnoten gespielt wird, aber wenn musikalische Phrasen aus einer Achtelnote mit einem Punkt und einer Sechzehntelnote aufgebaut sind, dann ist es Jazz. Und es muss nicht in einem regelmäßigen Tempo sein. Früher glaubten Musiker in Russland aus irgendeinem Grund hartnäckig, dass Swing ist, wenn man ein bisschen vorne oder ein bisschen hinten spielen muss, dann wird alles klappen. Heute gibt es glücklicherweise viele Musiker, die mit Swing spielen können. Ich kenne auch viele klassische Musiker, die meiner Meinung nach einen hervorragenden Swing haben.

Benny Goodman - "Singen, singen, singen"

Valery Kiselev

Meine Bekanntschaft mit Jazz geschah 1963, als ich in der 7. Klasse war. Mein älterer Freund lud mich ins regionale Kulturhaus ein, wo sie den Film „Sunny Valley Serenade“ mit Glenn Miller zeigten. Jazz, Bigband, Swing sind mit diesem Film in mich eingedrungen. In den 1930er Jahren war Swing-Jazz sehr wichtig. Dies zum Ausdruck bringen moderne Sprache, war der einzige "Pop". In den 1930er Jahren gab es in New York mehr als hundert Big Bands mit berühmten Namen. Ende der 1930er Jahre war Amerika mit einem Netz von Radiosendern überzogen, und die Menschen konnten von morgens bis abends Jazz hören, tanzen und Spaß haben. Vor Kriegsbeginn wurden unzählige Schallplatten produziert. Mit Hilfe von Schallplatten erlangten Orchester Berühmtheit, gingen auf Tournee, Leute kauften ihre Schallplatten und gingen zum Tanzen. Als in der Sowjetunion Videorecorder auftauchten und wir diese Orchester live sahen, waren wir erstaunt: Wie, solche Stars - und sie spielen Tänze! Im Allgemeinen war es nicht üblich, Tickets zu kaufen, sich auf einen Stuhl zu setzen und Jazz zu hören. Jazz wurde gespielt, wo Menschen tranken, aßen, tanzten.

Der Lindy Hop ist der Haupttanz der Swing-Ära.

Alle Musiker der Swing-Ära gingen zum Tanzen. Als ich diese Tänze lernte, verstand ich wirklich, was Swing ist. Ein Nicht-Tanzender nimmt Musik mit seinen Ohren wahr, und Swing-Tanzen basiert auf Sprungkraft, auf dem Schwingen des Körpers. Erst im Januar 1938 wurde das Jazzkonzert des Benny Goodman Orchestra zum ersten Mal in der Carnegie Hall organisiert, wo normalerweise symphonische Musik gespielt wurde. Diese Musik kam von unten und musste ihren Weg in den Konzertsaal finden.

Bounce - Leistung in einem mäßig schnellen Tempo mit einer für Swing charakteristischen "elastischen" rhythmischen Tonhöhe. Auch eine Art Swingtanz.

Savoyen war der erste Tanzsaal wo gemischte Paare tanzen durften - schwarz und weiß. In solchen Sälen gab es in der Regel zwei Orchester - eines für sich, das andere eingeladen; es gab Konkurrenz zwischen ihnen. Als Benny Goodman sein Orchester gründete, hatte er ein Problem: Wie es damals hieß, hatte er kein eigenes „Portfolio“ – das Repertoire. Ihm wurde geraten, Arrangements bei Fletcher Henderson zu suchen, der sein Orchester kürzlich aufgelöst hatte. Fletcher Henderson hatte Chick Webb bereits seine Werke gegeben. Und zwei Orchester spielten die gleichen Töne. Jemand hatte die Idee, einen Wettbewerb zu veranstalten - ein weiß-schwarzes Orchester. Eine Aufzeichnung dieses Konzerts ist erhalten geblieben. Ich hätte nie geglaubt, dass schwarze Orchester besser swingen könnten, aber wenn sie die gleichen Töne spielten, sah Benny Goodmans Orchester viel schwächer aus. Ich würde die weiße und schwarze Kultur in Amerika nicht trennen. Sie sind alle in dieser Kultur aufgewachsen – man muss nur in Amerika leben.

Es gab viele sehr ähnliche Orchester, die zum Tanzen vorbeigingen. Aber es gab auch viele helle Orchester, Arrangeure, Solisten. Jemand wurde mehr, in modernen Begriffen, befördert, jemand weniger. Benny Goodman war ein großartiger Klarinettist, aber auch ein großartiger Geschäftsmann. Ein Kritiker sagte über zwei Freunde, die in ihrer Jugend für Ben Pollack zusammengearbeitet haben, Benny Goodman und Glenn Miller: Wenn diese beiden Typen in irgendein anderes Geschäft eingestiegen wären, hätten sie Erfolg gehabt. Glenn Miller zählte jeden Cent. Kein besonders talentierter Musiker, er sammelte ein Orchester, Arrangeure und wurde großartig.

In den 1930er Jahren spielten Solisten eine geringere Rolle. Das Stück sollte in ungefähr drei Minuten passen. Daher spielten Solisten nie ein volles Quadrat von 32 Takten. Alle Solisten spielten solo in Stücken, teilten den Platz in Teile. Daher konnten sich die Solisten nicht wie im Bebop ausdrücken.

Ein Quadrat ist ein harmonisches Raster (Akkordfolge), das eine bestimmte Anzahl von Takten (meistens 32) dauert und dem Hauptthema zugrunde liegt, das, wenn es wiederholt wird, von Improvisation überlagert wird. Eine Jazzkomposition besteht meistens aus einer Reihe solcher Quadrate.

Duke Ellington – „Take the A Train“

Wladimir Tarasow

Die Big-Band-Ära war großartig. Ich selbst habe in der Big Band angefangen und verehrte die Orchester von Duke Ellington, Count Basie, Don Ellis, Gil Evans, die das kompositorische Denken von Miles Davis geprägt haben. Wichtig für eine Big Band kompetente Arbeit Arrangeur und das Talent eines Leiters, Dirigenten. Ich habe zwölf Konzerte lang das Duke Ellington Orchestra gehört. Im Allgemeinen improvisierten sie fast nicht im allgemein akzeptierten Sinne des Wortes, sie spielten das gleiche Programm, aber jedes Konzert war anders. Das ist das Können eines Musikers – hier und jetzt, in dieser Zeit und an diesem Ort. Sie haben absolut fantastisch gespielt. Duke Ellington selbst klang und war Teil dessen, was er spielte. Das Charisma des Künstlers, des Anführers, „begann“ das Orchester. Als Ellington starb, hörte ich buchstäblich einen Monat später, wie dieses Orchester mit derselben Besetzung spielte, nur sein Sohn Mercer Ellington dirigierte. Es gab das gleiche Programm, die gleichen Musiker, aber ganz andere Musik. In der Kunst gibt es schließlich drei Abstufungen - Amateur, Profi und Meister. Duke Ellington war ein großer Meister. Heutzutage gibt es in Russland viele Profis, aber nur wenige Meister. Es geht nicht um Technologie. Wir alle wissen, wie man Notizen und Bücher liest, aber wir müssen immer noch die Bedeutung des Textes verstehen. Dafür sind gute Orchesterleiter (und nicht nur die des Jazz) da – sie offenbaren uns die im Klang eingebettete „Geschichte“.

5. Jazz in der akademischen Musik und den Saxophonisten der 30er Jahre

"Porgy und bess"

Deutsch Lukjanow

Trompeter, Flügelhornist, Komponist, Leiter des Ensembles "Kadans"

Schostakowitsch war bei der Uraufführung von Porgy and Bess in Leningrad. Meine Mutter kannte ihn, sie wusste, wie er über die Oper sprach: "Dreißig Prozent gute Musik." Ich würde auch nicht hundert Prozent geben - es gibt einige Schwächen, man kann nicht sagen, dass dies ein tadelloses Meisterwerk ist. Aber dreißig Prozent sind sehr wenig. Natürlich da mehr als die Hälfte gute Musik. Das ist Musik, die Elemente der Jazzkunst enthält. Gershwin war dem Jazz sympathisch, das ist ziemlich offensichtlich. Wenn es nicht so wäre, würden Jazzmusiker seine Themen nicht spielen. Darin empfanden sie etwas Ursprüngliches - in der Harmonie, im Rhythmus, in der Ästhetik. Aber er war begierig auf Symphonie, die Skala des Jazz erschien ihm klein.

Coleman Hawkins – „Körper und Seele“

Oleg Grymow

Hawkins bekannte sich zu einer harmonischen Herangehensweise an die Improvisation. Er hat jeden Quadratzentimeter des musikalischen Gewebes ausgegraben, versucht, alle Facetten der Jazzharmonie freizulegen. Vor ihm spielten nur wenige Menschen so meisterhaft Tenorsaxophon.

Lester Young – „Way down Yonder in New Orleans“

Alexey Kruglov

Unter den Musikern, die sich in den 1930er Jahren als Saxophonist durchgesetzt haben, ist für mich die Persönlichkeit von Lester Young besonders interessant. Dies ist ein erstaunlicher Musiker, der sich ganz im Stil der Swing-Improvisation dennoch deutlich von anderen Swing-Saxophonisten unterscheidet, insbesondere von Ben Webster und Coleman Hawkins. Dies ist in vielerlei Hinsicht eine allumfassende Persönlichkeit. Erstens fühlte er sich offensichtlich nicht zu einem „heißen“ Spiel hingezogen, er hat oft Chul-Intonationen, die er möglicherweise mit dem Erscheinen von Chul als Stil vorweggenommen hat. Lester Young verwendet manchmal Änderungen, Stücke, die zu einem Eckpfeiler für Bopper geworden sind. Natürlich war dieser Moment nicht seine Hauptlinie, oft bauen seine Soli auf der üblichen siebten Akkordreihe mit Blues-Turns auf, aber dennoch die Schaffung harmonischer Spannung durch die Verwendung eines partiellen Bop-Moves mit Alteration, gepaart mit kaltem Spiel , macht einen einzigartigen Eindruck.

Alteration – Anheben oder Absenken der Tonhöhe eines Sounds, ohne seinen Namen zu ändern.

Ich denke, nicht nur Lester Young ging, wenn auch unbewusst, über seinen Stil hinaus. Es lohnt sich dennoch, dieses Thema zu untersuchen, da das Thema Beherrschung in dieser Richtung nur auf den ersten Blick eine leichte Aufgabe zu sein scheint. Schließlich ist ein Jazzer eine besondere Weltanschauung, erst recht - in der Prä-Bop-Zeit, als jeder Musiker nicht versuchte, wie ein anderer zu sein, sondern seinen eigenen, ursprünglichen Weg ging.

Fortsetzung folgt