Nowy Orlean, początek XX wieku. Nowy Orlean (mapa miasta)

Nowy Orlean narodził się pod wpływem wielu kultur europejskich, a swoją nazwę odziedziczył od regenta Francji, Filipa d'Orleans. „La Nouvelle Orleans” – jak nazywali ją francuscy kolonialiści, powstała w 1718 roku.

Znajduje się u zbiegu rzeki Missisipi do Zatoki Meksykańskiej, dlatego jego położenie geograficzne stało się bardzo korzystne, ponieważ przepływało przez niego wiele statków handlowych. W tym czasie miasto stało się ważnym ogniwem w łańcuchu handlowym. Wiele towarów pochodzących z USA składowano w portach Nowego Orleanu, po czym wysyłano je do Zatoki Meksykańskiej.

Wojna kolonialna zakończyła się w 1763 roku, ale rok później miasto przeszło we władanie Hiszpanów. Po 36 latach Francuzi pod wodzą Napoleona Bonaparte ponownie wysunęli swoje żądania dla miasta i przez następne trzy lata nikt nie mógł zrozumieć, kto teraz jest właścicielem tych ziem.

W 1803 roku miasto zostało jednak sprzedane Stanom Zjednoczonym, co znacząco wpłynęło na jego kulturę, gdyż było zupełnie inne od tej, którą w kolejnych latach zasadzili protestanci w Orleanie i jego mieszkańcach. Coraz więcej konfliktów narastało między anglojęzycznymi osadnikami a Francuzami, którzy mieszkali tu przed nimi.

W 1815 roku Nowy Orlean jest świadkiem bitwy między wojskami brytyjskimi i amerykańskimi, która przejdzie do historii jako „bitwa o Nowy Orlean”, a następnie stanie się kluczową, praktycznie decydującą w wojnie anglo-amerykańskiej. Anglia próbowała odebrać Stanom Zjednoczonym strategicznie ważny obiekt, którego utrata znacząco wpłynęłaby na sytuację gospodarczą w kraju, ale tak się nie stało.

Kilka lat później miasto staje się praktycznie niewolniczym centrum Stanów Zjednoczonych. Tysiące niewolników przechodzą przez rynki Nowego Orleanu. Ponieważ w tamtych czasach aktywnie wykorzystywano niewolniczą pracę, miasto otrzymywało z tego dość duże dochody.

Od 1830 r. napływ imigrantów z Europy znacznie się zwiększył. Miasto było coraz bardziej zaludniane przez Niemców i Irlandczyków. Odsetek ludności francuskojęzycznej znacznie spadł. W ciągu dziesięciu lat liczba mieszkańców miasta podwoiła się. Gospodarka Nowego Orleanu w tych latach urosła niewyobrażalnie, stał się najbogatszym miastem w Stanach Zjednoczonych.

Ale na początku XX wieku sytuacja w Orleanie zmieniła się i to nie na lepsze. Wraz z rozwojem kolei i rozrostem miast na zachodzie Nowy Orlean stracił swoje laury, biorąc pod uwagę, że głównym dochodem mieszkańców był handel, a po II wojnie światowej przemysł miasta skurczył się jeszcze bardziej. Wszystko to dotknęło również ludność w 1960 roku, osiągnęła swój najwyższy punkt, w mieście mieszkało wówczas 624 tys. osób, po czym tylko spadła.

Nieuchronnie w drugiej połowie XX wieku zaczęły się konflikty między białą i czarną ludnością miasta. W tych latach rozpoczęła się tutaj migracja białej ludności z miasta do bezpieczniejszych miejsc. W większości były to przedmieścia. Nowy Orlean stopniowo zamieniał się w czarne miasto, przestępczość rosła w niewyobrażalnym tempie, gospodarka spadała, poziom życia stawał się coraz niższy.

W 2005 roku miasto zostało mocno dotknięte niszczycielską siłą huraganu Katrina. Rankiem 29 sierpnia 2005 r. woda zaczęła płynąć przez tamę chroniącą wschodnią część św. Bernarda. Po pewnym czasie większość dzielnicy została zalana, ludzie zostali zmuszeni do przeniesienia się na dachy swoich domów. 30 tys. mieszkańców miasta ukryło się pod kopułą stadionu „Superdom” nowość silny wiatr zniszczył dach.

Bliżej nocy zapory zostały prawie całkowicie zniszczone, prawie 80% miasta zostało zalane. Władze miasta zapowiedziały ewakuację jeszcze przed nadejściem huraganu 28 sierpnia, więc w chwili katastrofy w mieście było około 10 tysięcy jego mieszkańców. Szacuje się, że w wyniku huraganu zginęło około 1500 osób. Ci, którzy pozostali w mieście w czasie katastrofy, cierpieli z powodu braku żywności i czystej wody. Wiele osób, które opuściły Nowy Orlean w czasie katastrofy, do dziś nie wróciło.

Prace nad odbudową miasta wciąż trwają. Populacja miasta jest o połowę mniejsza niż przed huraganem, przy czym znaczna część z nich to robotnicy zajmujący się odbudową miejskiej infrastruktury. Według oficjalnych danych za 2010 rok liczba mieszkańców Nowego Orleanu wynosi 343 tys. osób.

Pomimo wszystkich zniszczeń, jakie huragan Katrina przyniósł jednemu z najbardziej kolorowych miast Ameryki, Nowy Orlean żyje dalej. I choć niektórzy sceptycy twierdzą, że to niesamowite miejsce już nigdy nie będzie takie samo, my po prostu się z tym zgodzimy. Ale pomysł, aby kiedyś tam pojechać, i tak nie zostanie porzucony – światowa stolica jazzu wciąż cieszy się zainteresowaniem turystów i podróżników z całego świata. I każdego dnia coraz więcej za pierwszych, bo infrastruktura miasta szybko się regeneruje.

Nazwa i założenie miasta

Jest mało prawdopodobne, abyśmy kiedykolwiek dowiedzieli się, dlaczego nazywamy to miasto Nowym Orleanem, a nie Nowym Orleanem, jak można by sugerować, czerpiąc analogię z Nowym Jorkiem lub New Hampshire, w których nazwach przedrostek „nowy” przed słowem „nowy” „Nikt się nie zmienia. Ale znamy wiele innych ciekawych faktów z historii centrum kulturalnego amerykańskiego Południa. Jak wiele miast na kontynencie, nie tylko został założony przez europejskich kolonistów, ale przez bardzo długi czas był obiektem bezpośredniego zainteresowania jego europejskich darczyńców, którzy zaopatrywali lokalne terytoria (południe Luizjany) w niezbędną świeżą krew - nowi osadnicy. Oryginalna nazwa miasta to nie angielski Nowy Orlean, ale francuska La Nouvelle-Orl?ans, później po prostu przetłumaczona na język komunikacji międzynarodowej. Sytuacja ta wcale nie dziwi, biorąc pod uwagę, że w momencie założenia tej osady Francuzi mieli wszelkie pełnoprawne roszczenia do tytułu dominującej narodowości kolonialistów w tych miejscach, które obecnie uważane są za stuprocentowo anglojęzyczne. -Sas. Zainteresowani tą kwestią zauważyli już, że wpływy francuskie w Ameryce Północnej nie ograniczają się do Kanady. Aby to zrobić, wystarczy chociażby zwrócić uwagę na wiele nazw miejscowości stanu Luizjana – od nazw małych miasteczek, takich jak Baton Rouge, po samą nazwę stanu.

Urodziny Nowego Orleanu i historia jego rozwoju

Nowy Orlean ma swoje dobrze określone urodziny. Jest 25 sierpnia 1718 r. Następnie na miejscu współczesnego miasta założono kolonię francuską, która otrzymała swoją nazwę na cześć księcia orleańskiego Filipa II, który w tym czasie był regentem Francji. Epoka była alarmująca, redystrybucja skolonizowanych ziem przypominała redystrybucję stref wpływów między Solntsevo i Tambow, a w wyniku tych redystrybucji, w 1763 roku w wyniku Porozumienia Paryskiego, ziemie, na których znajdował się Nowy Orlean, zostały przeniesiony do Cesarstwa Hiszpańskiego. Dopiero w 1801 roku miasto wraz z otaczającymi go okolicami zostało zwrócone Francji. Ale władza Napoleona tutaj nie trwała długo. W 1803 roku cesarz sprzedał Luizjanę Stanom Zjednoczonym, co miało bardzo korzystny wpływ na rozwój gospodarczy i demograficzny Nowego Orleanu.

Na podmiejskich plantacjach niewolnicy zapewniali miastu rentowność finansową, uprawiając cukier i bawełnę. W niekontrolowany sposób, kosztem Brytyjczyków, Francuzów i Francuskojęzycznych Kreolów, wzrosła również populacja miejska. Na szczególną uwagę w tym względzie zasługuje rewolucja haitańska z 1804 r., kiedy ponad dziewięćdziesiąt procent uchodźców z wyspy, z których duża część była tak zwanymi „wolnymi kolorami”, osiedliła się w Nowym Orleanie.

Dziesięć lat później miało miejsce najwspanialsze wydarzenie w historii miasta. 8 stycznia 1815 r. doszło do epickiej bitwy pomiędzy wojskami amerykańskimi a wojskami brytyjskimi, które chciały przywrócić władzę Królestwa nad okolicznymi ziemiami. Zakończyło się całkowitym i bezwarunkowym zwycięstwem przedstawicieli Nowego Świata.

Te i kolejne lata w dużej mierze zdeterminowały wyjątkowe oblicze Nowego Orleanu. Port miasta miał najważniejsze strategiczne znaczenie w handlu niewolnikami – prawie wszystkie statki wypchane jak towar, żywy ładunek z Afryki, zatrzymywały się w Nowym Orleanie. W tym tutaj, jak nigdzie indziej w Ameryce, było wielu wolnych, obdarzonych wszystkim niezbędne prawa Murzyni, głównie wykształceni i klasa średnia. Dlatego miasto uważane jest za miejsce prawdziwej fuzji kultur czarno-białych z przewagą tej pierwszej - a takiego rezultatu nie zaobserwowano w żadnym innym stanie. W stosunkach obu ras w Nowym Orleanie nie było tak silnego wyobcowania, które wciąż jest obecne w tym samym Nowym Jorku. W rezultacie w mieście panowała szczególna atmosfera równości, poziom przestępczości Czarnych był niewiarygodnie niski, a rasizm po obu stronach był ograniczony do minimum. Choć nie obyło się bez problemów: wszak mimo obecności wielu wolnych, bogatych imigrantów z Afryki, znajdował się tu największy w kraju targ niewolników. W każdym razie, gdy wychodzisz na ulice Nowego Orleanu, wyraźnie czujesz jedno: w tych miejscach czarni tworzyli wizerunek miasta na równi z białymi, a nie byli rozgoryczoną warstwą kryminalniczną, znaną przede wszystkim z subkultura hip-hopowa.

Handel niewolnikami to haniebny biznes, ale w 1840 r. Nowy Orlean zajął trzecie miejsce w Stanach Zjednoczonych pod względem liczby ludności, a pod względem dochodów całkowicie wpadł na pierwsze miejsce.

Na początku XX wieku miasto było prawdziwie postępową osadą, znaną m.in. z jednego z pierwszych miejskich systemów kanalizacyjnych na kontynencie, zaprojektowanego przez inżyniera i wynalazcę Baldwina Wooda, który słusznie stał się jednym z lokalnych bohaterów miasta za jego pracę. To prawda, jak sądzą obecnie niektórzy naukowcy, to działalność Wooda, wraz z pewnymi naturalnymi procesami, doprowadziła do systematycznego osiadania gleby, a w rezultacie do tego, że znaczna część obszaru miejskiego znajdowała się kilka stóp pod powierzchnią morza. poziomu, co znacznie nasila skutki potencjalnej powodzi.

Jednak biorąc pod uwagę niszczycielską siłę huraganu Katrina, który uderzył w wybrzeże w sierpniu 2005 r., nawet normalna korelacja z poziomem morza nie pomogłaby uniknąć katastrofy.

Huragan Katrina w 2005 r.

Ponad osiemdziesiąt procent Nowego Orleanu zostało zalane, do czego przyczynił się upadek miejskiego systemu wałów przeciwpowodziowych, nazwany później największą federalną katastrofą urbanistyczną w historii Ameryki. W porównaniu z tym, co się wydarzyło, nawet trzęsienie ziemi w San Francisco z 1999 r. osłabło. Niemniej jednak miłośnicy podróży mogą odetchnąć z ulgą: historyczna część miasta, w której znajdują się wszystkie zabytki, nie leży na nizinie, ale znacznie wyżej, więc pozostała nietknięta, ale nowoczesna część miasta wciąż Pozostawia wiele do życzenia.

Odzyskiwanie po huraganie Katrina

Oficjalna turystyka powróciła do Nowego Orleanu dopiero na początku 2008 roku. Port lotniczy im. Louisa Armstronga został ponownie otwarty, podobnie jak hotele i inne usługi dla odwiedzających miasto. Oczywiście około połowa wszystkiego, co cztery lata temu mogłoby zainteresować oko podróżnika, jest wciąż w stanie bezczynności i stagnacji, ale każdy, kto chce jeszcze znaleźć wiele ciekawych rzeczy w okolicy. Co więcej, zabytki ruin (a nie da się przejechać samochodem przez nową część miasta przez dwadzieścia minut bez zobaczenia przynajmniej jednego spłaszczonego domu) stały się swego rodzaju atrakcją w czasie, który minął od Katriny. Dla najbardziej zainteresowanych tą tematyką działa tu agencja Gray Line Tours, która po drodze prowadzi wycieczki po najbardziej imponujących miejscach zniszczenia wraz z wyjaśnieniem przyczyn incydentu.

Ale oczywiście urok Nowego Orleanu ma mniej wspólnego ze skutkami huraganu, który przetoczył się tutaj, niż z bogatym dziedzictwo kulturowe miasta.

Jak to często bywa w Stanach Zjednoczonych, większość mieszkańców Nowego Orleanu nie mieszka w samym mieście, ale reprezentuje aglomerację podmiejską. Według danych z 2007 roku jest to około milion dwieście tysięcy osób, podczas gdy w samym mieście mieszka tylko trzysta tysięcy. Z każdym miesiącem przybywa tu coraz więcej ludzi – uchodźcy ze złej pogody wracają do domów, choć wielu socjologów twierdzi, że Nowy Orlean nie wzniesie się do poprzedniego poziomu demograficznego.

Ale najważniejsze jest to, że zachował się tu sam duch starego miasta. Nowoorleańscy szefowie kuchni wciąż są uważani za jednych z najlepszych w kraju, jazz wciąż gra na ulicach. najwyższa klasa, a słynne festiwale odbywające się w kulturalnej stolicy Południa po raz kolejny zachwycają zarówno gości, jak i okolicznych mieszkańców.

Miasto znane jest przede wszystkim jako miejsce, w którym jest naprawdę komfortowo dla dorosłych turystów - dużo wybornych alkoholi, pikantna kuchnia kreolska, muzyka jazzowa, architektura XVIII i XIX wieku, mnóstwo staromodnych taksówek na ulicach, świadomość tego, że jedna z największych społeczności gejowskich w Ameryce - wszystko to będzie o wiele ciekawsze dla dorosłej, dojrzałej osobowości, a nie dla nastolatka.

Nowy Orlean podzielony jest na kilka bloków – połamanych oczywiście nie według czyjegoś planu, ale historycznie. Najbardziej znaną dzielnicą mieszkaniową miasta jest Dzielnica Francuska, ulubione miejsce pobyt wszystkich turystów. Stare budynki, nieocenione antykwariaty, restauracje i puby z bogatym wyborem napojów przyniosły tej okolicy silną reputację. Po prostu nie da się odwiedzić Nowego Orleanu i zignorować Dzielnicy Francuskiej, chyba że świadomie postawi się sobie tak wypaczony cel. To miejsce wypoczynku nie tylko dla turystów, ale także dla mieszkańców. Pracują tu tylko ci, którzy zarabiają na życie w miejscach, w których inni wolą wydawać swoje pieniądze.

Centralny Obszar Biznesu to inna sprawa. Pomimo obecności w nim kilku muzeów (w tym Louisiana State Children's Museum, którego na pewno będziesz potrzebować, jeśli zabierzesz ze sobą dziecko, Center for Contemporary Art i Museum of Southern Art), to miejsce wśród nowoorleańczyków jest bardziej związane z więźniami tutaj umowy handlowe. Lokalne restauracje znacznie lepiej nadają się nie do zabawy w chmurach alkoholowych z przyjaciółmi, ale na spokojną, porządną kolację z partnerem biznesowym. A jeśli jesienią 2005 roku z oczywistych względów trudno było sobie wyobrazić, że ktoś w mieście myśli o interesach, to teraz jest to znowu wspólne zajęcie dla lokalnych przedsiębiorców. Turystę zainteresuje również spojrzenie na ulicę Julia, zwaną ulicą galerii ze względu na jej przykładowy nowoorleański wygląd.

Naprzeciw Dzielnicy Francuskiej znajduje się Fabourge Marigny - artystyczny obszar rekreacyjny. Oprócz stylowych klubów nocnych, w których uraczycie Was nie tylko pysznym jedzeniem i napojami, ale także najbardziej autentycznym jazzem na świecie, ta dzielnica ma bardzo specyficzną reputację jako główne miejsce spotkań gejów i lesbijek, z których w kręgach artystycznych na Zachodzie jest niesamowicie dużo. W żadnym innym amerykańskim mieście mniejszości seksualne nie czują się tak dobrze – w końcu Stany Zjednoczone to bardzo konserwatywny kraj. Jednak w Nowym Orleanie, gdzie kontynentalny katolicyzm europejski w znacznie większym stopniu wpłynął na lokalną mentalność niż klasyczny anglosaski protestantyzm, traktuje się takie sprawy dość spokojnie. Nawiasem mówiąc, Nowy Orlean to chyba miasto w USA, które w największym stopniu zachowało ducha Starego Świata, najprawdopodobniej z wyżej wymienionego powodu religijnego.

Jazz bez snobizmu

Nie da się jednak doświadczyć samej istoty Nowego Orleanu wyłącznie poprzez jedzenie kreolskich przysmaków i podziwianie architektury. Najbardziej fanatyczni turyści muszą zwrócić uwagę na dwie rzeczy, które ukształtowały współczesny Nowy Orlean od strony duchowej. O pierwszym z nich już kilkakrotnie wspominano. To jest jazz - muzyka, która nie jest jedynie reprodukcją tekstu muzycznego, jak zakłada europejską tradycję muzyczną, ale spontaniczną improwizacją, zrodzoną z afrykańskiej kultury tanecznej, w której dźwięk i ruch ciała są nierozłączne. Nic dziwnego, że europejska szkoła jazzowa stopniowo odchodziła od tanecznych korzeni tego stylu, zamieniając ją w akademickie zaum. Tu, na scenie nowoorleańskich kawiarni, w klubach i po prostu na ulicach, wciąż jest taki, jakim się urodził i miał się rozwijać - żwawy, pikantny, często szczerze taneczny i bardzo rozrywkowy, zupełnie pozbawiony tkwiącego w Europie snobizmu . Tutaj wciąż honorują swojego rodaka, wielkiego Louisa Armstronga, pielęgnują tradycje Dixielandu, podstawą lokalnego nurtu jazzu jest chęć pobudzenia emocjonalnego prostego człowieka, zmęczonego po wielu godzinach pracy, a nie obciążania umysłu znudzony intelektualista o skomplikowanych strukturach dźwiękowych. Będąc więc w tym mieście, zdecydowanie warto posłuchać jego jazzmanów – po pierwsze wyrażających w ten sposób szacunek dla Nowego Orleanu, a po drugie jest rzeczywiście przyjemnie i ciekawie.

kult voodoo

Druga duchowa strona miasta z pewnością oczaruje wszystkich miłośników egzotyki, romantyzmu i mistycyzmu. To właśnie w Nowym Orleanie kult Voodoo zakorzenił się jak nigdzie indziej. Dokładniej, jego odgałęzienie z Luizjany, które w przeciwieństwie do Haiti jest ściśle związane z tradycją katolicką, a co za tym idzie z chrześcijańskimi przesądami. Oprócz przyczyn czysto etnicznych można to wytłumaczyć przyglądając się lokalnym cmentarzom. Faktem jest, że gleba tutaj jest bagnista, zmarłych wysyłano do najbardziej podmokłych i podatnych na zapadanie się miejsc glebowych. Pod tym względem nie zakopano ich w samej ziemi, lecz umieszczono w kryptach, które zresztą cieszą się sporym zainteresowaniem miłośników sztuki. Dlatego czarownik Voodoo, podczas odprawiania głównego rytuału – czyli wezwania do tego świata zombie, pracował w lekkich warunkach – nie musiał długo dzierżyć łopaty, rozrywając grób.

W sklepach zawsze można kupić amulety związane ze złowieszczym kultem, a szczęśliwi znawcy języka angielskiego z pewnością ucieszą się straszliwymi mistycznymi opowieściami, które krążą wśród miejscowej ludności. Osoba o bardziej prozaicznym sposobie myślenia raczej nie podzieli emocji fanów mistycyzmu. Będzie bardzo dobry w restauracji z kieliszkiem Hard Grenada.

Lokalna populacja

Oczywiście warto poruszyć osobno temat komunikacji i wzajemnego zrozumienia z miejscową ludnością. Wbrew dość powszechnemu stereotypowi większość mieszkańców Nowego Orleanu to nie Cajunowie. Cajunowie, to po prostu francuskojęzyczni mieszkańcy stanu Luizjana, od którego pochodzi „amerykański” dialekt języka francuskiego, mieszkają głównie na obszarach wiejskich. Dlatego znajomość języka Balzaca i Baudelaire'a w pewnym stopniu może jeszcze przybliżyć do źródeł kultury miasta, pozwolić na swobodne czytanie napisów na domach, słynnych kryptach nowoorleańskich i innych zabytkach architektury, ale wśród umiejętności, które są pilnie potrzebne do przetrwania i komfortowego pobytu tutaj, nie są uwzględnione. Chociaż bez wizyty w żadnej z kawiarni czy sklepów Cajun, które są obecne w południowo-zachodniej części, nadal nie będziesz w stanie w pełni poczuć atmosfery tutejszej egzotyki.

Gdy podróżnik zainteresowany nudną rozrywką na terenie Nowego Orleanu (zwykle dzieje się to na lotnisku Louisa Armstronga), zwykle zna już szereg cech lokalnego stylu życia, nie zdając sobie sprawy z tego, że może nie czuć komfort bycia tutaj.

Karty kredytowe – burzenie stereotypów na temat Ameryki

Niezwykle ważny jest stosunek mieszkańców do kart kredytowych. Zwykły turysta jest często zakładnikiem jednego stereotypu o Ameryce i Amerykanach. Nazwa tego stereotypu to zaufanie do nieograniczonej mocy kart kredytowych w Stanach Zjednoczonych. To dzięki niemu wielu odwiedzających Nowy Orlean ciasno napycha nimi portfel, czego później żałują. Oczywiście supermarkety zawsze przyjmą takich klientów, ale nie przyjeżdżają tu ze względu na supermarkety. A jeśli restauracja hotelu w Nowym Jorku lub, powiedzmy, Bostonie, rozlicza się ze swoimi gośćmi za pomocą systemu kart, to najbardziej kolorowe i atrakcyjne lokale dla turystów w tym mieście nadal wolą być opłacane w staromodny sposób. Dlatego należy pamiętać, że papier jest tu ceniony znacznie wyżej niż plastik i po drodze trzeba na niego zwracać szczególną uwagę.

Jak poruszać się po mieście

Wydatki podczas pobytu w Nowym Orleanie (zwykle większość tych wydatków przypada na Dzielnicę Francuską) można zagospodarować na różne sposoby, a nawet zostać bez ani grosza w pierwszą noc pobytu - przyczynia się do tego atrakcyjność miasta. Ale jest jedna pozycja wśród wydatków, która w przeciwieństwie do Las Vegas, Los Angeles czy San Diego, w Nowym Orleanie zawsze jest łatwa do zaoszczędzenia. To jest koszt taksówki. W innych dużych aglomeracjach po prostu nie da się bez nich obejść, a stolica jazzu to miasto pieszych. Jej ulice, zwykle zalane złotym światłem słonecznym, wydają się być stworzone do spokojnego spaceru po nich, przyglądania się starym szyldom nad wejściami do sklepów i podziwiania gry „króliczków” w oknach. Są oczywiście naprawdę hałaśliwe ulice zatłoczone samochodami, ale świetność miasta samochodowego nigdy nie była nieodłączna od „perły Luizjany”. Tutaj, podobnie jak w Londynie, wybierając transport miejski na odległości, które nie nadają się do spacerów, zwyczajowo zatrzymuje się autobusy. Ale jest też "znakowy" sposób przemieszczania się z jednego końca miasta na drugi - jest to pociąg, jedyny miejski pociąg międzymiastowy w miejskiej Ameryce.

Prawdziwie oryginalną cechą świadomości lokalnej jest brak znanego większości ludzi pojęcia punktów kardynalnych. Faktem jest, że punktem orientacyjnym dla ruchu na ziemi dla mieszkańców Nowego Orleanu jest tradycyjnie przyjęte niemal wszędzie słońce oraz bieg legendarnej rzeki Missisipi, na której zbudowano miasto. Dlatego często można tutaj usłyszeć zwroty typu „spływając z rzeki”, „trzeba iść w kierunku rzeki” czy „nasza firma jest w drodze z rzeki”. I to jest prawda na swój sposób, ponieważ to w ujściach rzek od niepamiętnych czasów budowano miasta i to słodka woda, a nie światło słoneczne, miała i ma decydujące znaczenie dla osadnictwa ludzkiego na całym świecie.

Mississippi jest bardzo długa, jak pamięta każdy, kto czytał Przygody Huckleberry Finn, a wzdłuż jej brzegów jest wiele miast, których historia sięga czasów kowbojów. Można je odwiedzać z wielu powodów, lista, która nie ma tutaj większego sensu. Mieszają się z licznymi osadami kreolskimi i cajuńskimi, z których każda zachowała w takiej czy innej formie niesamowitą fuzję kultur afrykańskich, europejskich i właściwych kultur amerykańskich. Ale nigdzie nie jest to bardziej wyraźne i wyraźne niż tutaj, w Nowym Orleanie.

Miłej podróży i do zobaczenia na stronach serwisu !!!

Jednak Nowy Orlean pozostaje jednym z najczęściej odwiedzanych miejsc turystycznych w Stanach Zjednoczonych.

Miasto położone jest w Luizjanie, w pobliżu delty, w której rzeka Missisipi wpada do Zatoki Meksykańskiej. Nowy Orlean to jedno z najbardziej kolorowych miast Ameryki, dlatego każdego roku odwiedza to miejsce ogromna liczba Amerykanów. Nowy Orlean jest również popularny wśród turystów z całego świata. Miasto słynie z życia nocnego, które koncentruje się w historycznym centrum i jest wypełnione muzyką, alkoholem, tańcem i oczywiście jazzem. Przede wszystkim Nowy Orlean znany jest na całym świecie jako kolebka jazzu i bluesa. Ponadto miasto ma dość bogata historia, co jest nierozerwalnie związane z rozwojem Ameryki Północnej i powstaniem Stanów Zjednoczonych.

Historia Nowego Orleanu

kultura

Cały wypoczynek a życie nocne w Nowym Orleanie toczy się w jego historycznym centrum, zwanym Dzielnicą Francuską. Znajduje się w miejscu założenia miasta przez Francuzów i, co ciekawe, niewiele się zmieniło. Uważnemu turyście zostaje przedstawiony ciekawy spektakl mieszający się kultur północnoamerykańskich i francuskich, będący syntezą obyczajów Starego i Nowego Świata. Nie bez powodu w XIX wieku Nowy Orlean był nazywany Paryżem Nowego Świata. Główna ulica nazywa się Bourbon Street i zachwyca bogactwem rozrywki. W Dzielnicy Francuskiej można znaleźć rozrywkę na każdy gust: restauracje, bary, letnie kawiarnie, puby, kluby nocne i dyskoteki. Ponadto to tutaj można posłuchać jazzu w jego klasycznym wykonaniu.

kolebka jazzu

Być może najbardziej popularnym i znanym na całym świecie faktem o Nowym Orleanie jest to, że miasto jest kolebką jazzu. Jak już wspomniano, większość populacji w całym stanie Luizyna to Afroamerykanie. Dlatego od lat 20. XX wieku taki gatunek muzyki jak jazz rozwija się bardzo dynamicznie wśród okolicznych mieszkańców. Ponadto Nowy Orlean jest miejscem narodzin słynnego afroamerykańskiego wirtuoza i jazzmana Louisa Armstronga. Miłośnicy jazzu mogą cieszyć się prawdziwą improwizacją w jednym z wielu klubów jazzowych w Dzielnicy Francuskiej.

Zabytki Nowego Orleanu

Uwaga dla turystów

Każdy, kto odwiedza Nowy Orlean, odkrywa go na swój własny sposób, z jakiejś niezwykłej strony. Ktoś przyjeżdża tu, by oddać się szaleństwu na Bourbon Street w towarzystwie prawdziwych przyjaciół, a ktoś woli słuchać jazzu w spokoju, by osiągnąć harmonię. Warto również zauważyć, że klimat w Nowym Orleanie jest głównie ciepły i dość wilgotny, więc można tu przyjechać o każdej porze roku. W mieście bardzo często odbywają się festiwale jazzowe, na które przyjeżdżają jazzmani nie tylko z całej Ameryki, ale nawet z innych krajów. Odkryj Nowy Orlean dla siebie, a ujrzysz to miasto z zupełnie innej, wyjątkowej strony!

Jazz - forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w USA, w Nowym Orleanie w wyniku syntezy kultur afrykańskich i europejskich, a następnie upowszechniła się. Początki jazzu to blues i inna afroamerykańska muzyka ludowa. Charakterystycznymi cechami muzycznego języka jazzu stały się początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej - swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych modeli rytmicznych i harmonicznych. Subjazzami jazzowymi są: awangardowy jazz, bebop, jazz klasyczny, cool, modal jazz, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop i wiele innych.

Historia rozwoju jazzu

Wilex College Jazz Band, Teksas

Jazz powstał jako połączenie kilku kultur muzycznych i tradycji narodowych. Pochodzi z Afryki. Każda muzyka afrykańska charakteryzuje się bardzo złożonym rytmem, muzyce zawsze towarzyszą tańce, które są szybkie tupanie i klaskanie. Na tej podstawie pod koniec XIX wieku powstał kolejny gatunek muzyczny – ragtime. Następnie rytmy ragtime w połączeniu z elementami bluesa dały początek nowemu kierunekowi muzycznemu - jazzowi.

Blues powstał pod koniec XIX wieku jako fuzja afrykańskich rytmów i europejskiej harmonii, ale jego początków należy szukać od momentu sprowadzenia niewolników z Afryki do Nowego Świata. Sprowadzeni niewolnicy nie pochodzili z tego samego klanu i zwykle nawet się nie rozumieli. Konieczność konsolidacji doprowadziła do zjednoczenia wielu kultur iw efekcie do powstania jednej kultury (w tym muzycznej) Afroamerykanów. Procesy mieszania afrykańskiej kultury muzycznej z europejską (która również przeszła poważne zmiany w Nowym Świecie) miały miejsce od XVIII wieku, a w XIX wieku doprowadziły do ​​pojawienia się „proto-jazzu”, a następnie jazzu w ogólnie przyjętym sens. Kolebką jazzu było amerykańskie Południe, a zwłaszcza Nowy Orlean.
Zastaw wieczna młodość jazz - improwizacja
Osobliwością stylu jest wyjątkowe, indywidualne wykonanie wirtuoza jazzu. Kluczem do wiecznej młodości jazzu jest improwizacja. Po pojawieniu się genialnego wykonawcy, który całe życie żył w rytmie jazzu i nadal pozostaje legendą - Louis Armstrong, sztuka wykonawstwa jazzowego ujrzała dla siebie nowe niezwykłe horyzonty: solowy występ wokalny lub instrumentalny staje się centrum całego spektaklu , całkowicie zmieniając ideę jazzu. Jazz to nie tylko pewien rodzaj muzycznego wykonania, ale także wyjątkowa wesoła epoka.

jazz nowoorleański

Termin Nowy Orlean jest powszechnie używany do opisania stylu muzyków, którzy grali jazz w Nowym Orleanie w latach 1900-1917, a także muzyków z Nowego Orleanu, którzy grali w Chicago i nagrywali płyty od około 1917 do 1920 roku. Ten okres w historii jazzu znany jest również jako Epoka Jazzu. Termin ten jest również używany do opisania muzyki granej w różnych okresach historycznych przez nowoorleańskich odrodzeniowców, którzy starali się grać jazz w tym samym stylu, co muzycy ze szkoły nowoorleańskiej.

Afroamerykański folklor i jazz rozeszły się od czasu otwarcia Storyville, dzielnicy czerwonych latarni w Nowym Orleanie słynącej z lokali rozrywkowych. Ci, którzy chcieli się tu dobrze bawić i dobrze się bawić, czekali na wiele uwodzicielskich okazji, które oferowały parkiety taneczne, kabarety, pokazy rozrywkowe, cyrk, bary i restauracje. I wszędzie w tych instytucjach rozbrzmiewała muzyka i muzycy, którzy opanowali nową muzykę synkopowaną, mogli znaleźć pracę. Stopniowo, wraz ze wzrostem liczby muzyków pracujących zawodowo w zakładach rozrywkowych Storyville, zmniejszyła się liczba orkiestr marszowych i ulicznych, a zamiast nich powstały tak zwane zespoły Storyville, których muzyczna manifestacja staje się bardziej indywidualna , w porównaniu z grą orkiestr dętych. Kompozycje te, często nazywane „orkiestrami combo”, stały się założycielami stylu klasycznego nowoorleańskiego jazzu. W latach 1910-1917 kluby nocne w Storyville stały się idealne środowisko dla jazzu.
W latach 1910-1917 kluby nocne w Storyville stały się idealnym miejscem dla jazzu.
Rozwój jazzu w Stanach Zjednoczonych w pierwszej ćwierci XX wieku

Po zamknięciu Storyville jazz zaczął przekształcać się z regionalnego gatunku folkowego w ogólnokrajowy kierunek muzyczny, rozprzestrzeniając się na północne i północno-wschodnie prowincje Stanów Zjednoczonych. Ale oczywiście samo zamknięcie jednego kwartału rozrywkowego nie mogło przyczynić się do jego szerokiej dystrybucji. Wraz z Nowym Orleanem, St. Louis, Kansas City i Memphis od samego początku odgrywały ważną rolę w rozwoju jazzu. Ragtime narodził się w Memphis w XIX wieku, skąd w latach 1890-1903 rozprzestrzenił się na cały kontynent północnoamerykański.

Z drugiej strony występy minstreli, z ich pstrokatą mozaiką folkloru afroamerykańskiego od jig do ragtime, szybko się rozprzestrzeniły i przygotowały scenę na nadejście jazzu. Wiele przyszłych gwiazd jazzu rozpoczęło swoją podróż w show minstreli. Na długo przed zamknięciem Storyville nowoorleańscy muzycy koncertowali z tak zwanymi zespołami „wodewilowymi”. Jelly Roll Morton od 1904 regularnie koncertował w Alabamie na Florydzie w Teksasie. Od 1914 miał kontrakt na występy w Chicago. W 1915 przeniósł się do Chicago i Toma Browna White Dixieland Orchestra. Duże trasy wodewilowe po Chicago odbył także słynny Creole Band, prowadzony przez nowoorleańskiego kornetistę Freddiego Kepparda. Po odłączeniu się od Olympia Band artyści Freddiego Kepparda już w 1914 roku z powodzeniem występowali w najlepszym teatrze w Chicago i otrzymali propozycję nagrania dźwiękowego ich występów jeszcze przed Original Dixieland Jazz Band, który jednak Freddie Keppard krótkowzrocznie odrzucony. Znacząco poszerzył obszar objęty wpływem jazzu, orkiestry grające na statkach wycieczkowych pływających w górę Missisipi.

Od końca XIX wieku popularne stały się wycieczki rzeczne z Nowego Orleanu do St. Paul, najpierw na weekend, a później na cały tydzień. Od 1900 roku na tych rzecznych statkach występują orkiestry nowoorleańskie, których muzyka stała się najatrakcyjniejszą rozrywką dla pasażerów podczas rejsów po rzece. W jednej z tych orkiestr zaczął Suger Johnny, przyszła żona Louisa Armstronga, pierwszy pianista jazzowy Lil Hardin. W zespole rzecznym innego pianisty, Faiths Marable, wystąpiło wiele przyszłych gwiazd nowoorleańskiego jazzu.

Parowce płynące wzdłuż rzeki często zatrzymywały się na mijanych stacjach, gdzie orkiestry organizowały koncerty dla miejscowej publiczności. To właśnie te koncerty stały się twórczymi debiutami dla Bix Beiderbeck, Jess Stacy i wielu innych. Inna słynna trasa biegła wzdłuż Missouri do Kansas City. W tym mieście, gdzie dzięki silnym korzeniom afroamerykańskiego folkloru rozwinął się i wreszcie ukształtował blues, wirtuozowskie granie nowoorleańskich jazzmanów znalazło wyjątkowo podatne środowisko. Na początku lat dwudziestych Chicago stało się głównym ośrodkiem rozwoju muzyki jazzowej, w którym staraniem wielu muzyków zgromadzonych z różnych części Stanów Zjednoczonych powstał styl, który otrzymał przydomek Chicago jazz.

Wielkie zespoły

Klasyczna, ugruntowana forma big bandów znana jest w jazzie od wczesnych lat dwudziestych. Forma ta zachowała swoją aktualność do końca lat 40. XX wieku. Muzycy, którzy weszli do większości big bandów, z reguły prawie adolescencja, grali dobrze zdefiniowane partie lub zapamiętywali na próbach lub z nut. Ostrożne orkiestracje, wraz z masywnymi sekcjami instrumentów dętych blaszanych i drewnianych, wytworzyły bogate harmonie jazzowe i wytworzyły rewelacyjnie głośny dźwięk, który stał się znany jako „brzmienie big bandu”.

Big band stał się popularną muzyką swoich czasów, osiągając apogeum w połowie lat 30. XX wieku. Ta muzyka stała się źródłem szaleństwa swingowego. Liderzy słynnych zespołów jazzowych Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet skomponowali lub zaaranżowali i nagrali na płytach prawdziwą paradę przebojów, które brzmiały nie tylko w radiu, ale także wszędzie w salach tanecznych. Wiele big bandów pokazało swoich solowych improwizatorów, którzy podczas rozreklamowanych „bitew orkiestr” wprowadzili publiczność w stan bliski histerii.
Wiele big bandów zademonstrowało swoich solowych improwizatorów, którzy wprowadzili publiczność w stan bliski histerii.
Chociaż duże zespoły straciły na popularności po II wojnie światowej, orkiestry prowadzone przez Basiego, Ellingtona, Woody'ego Hermana, Stana Kentona, Harry'ego Jamesa i wielu innych często koncertowały i nagrywały w ciągu następnych kilku dekad. Ich muzyka ulegała stopniowym przemianom pod wpływem nowych trendów. Grupy takie jak zespoły prowadzone przez Boyda Ryburna, Sun Ra, Olivera Nelsona, Charlesa Mingusa, Thada Jonesa-Mal Lewisa badały nowe koncepcje w zakresie harmonii, instrumentacji i swobody improwizacji. Dziś big bandy są standardem w edukacji jazzowej. Orkiestry repertuarowe, takie jak Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra i Chicago Jazz Ensemble regularnie wykonują oryginalne aranżacje kompozycji big bandów.

północno-wschodni jazz

Chociaż historia jazzu rozpoczęła się w Nowym Orleanie wraz z nadejściem XX wieku, to muzyka ta przeżywała prawdziwy rozkwit na początku lat 20., kiedy trębacz Louis Armstrong opuścił Nowy Orlean, by tworzyć nową rewolucyjną muzykę w Chicago. Rozpoczęta wkrótce potem migracja nowoorleańskich mistrzów jazzu do Nowego Jorku wyznaczyła trend ciągłego przemieszczania się muzyków jazzowych z południa na północ.

Louis Armstrong

Chicago przyjęło muzykę Nowego Orleanu i sprawiło, że stała się gorąca, podkręcając ją nie tylko słynnymi zespołami Armstronga Hot Five i Hot Seven, ale także innymi, w tym takimi jak Eddie Condon i Jimmy McPartland, których ekipa z Austin High School pomogła ożywić Nowy Orlean szkoły. Inni znani mieszkańcy Chicago, którzy przesunęli granice klasycznego nowoorleańskiego jazzu, to pianista Art Hodes, perkusista Barrett Deems i klarnecista Benny Goodman. Armstrong i Goodman, którzy ostatecznie przenieśli się do Nowego Jorku, stworzyli tam rodzaj masy krytycznej, która pomogła temu miastu zamienić się w prawdziwą jazzową stolicę świata. I podczas gdy Chicago pozostało przede wszystkim centrum nagrań dźwiękowych w pierwszej ćwierci XX wieku, Nowy Jork stał się również czołowym miejscem jazzu, goszcząc tak legendarne kluby jak Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy i Village Vanguard oraz a także areny takie jak Carnegie Hall.

Styl Kansas City

W epoce Wielkiego Kryzysu i Prohibicji scena jazzowa w Kansas City stała się mekką dla nowomodnych dźwięków późnych lat 20. i 30. XX wieku. Styl, który rozkwitł w Kansas City, charakteryzują uduchowione utwory z nutą bluesa, wykonywane zarówno przez big bandy, jak i małe swingowe zespoły, demonstrujące bardzo energiczne solówki, wykonywane dla bywalców tawern z nielegalnie sprzedawanym trunkiem. To właśnie w tych pubach krystalizował się styl wielkiego hrabiego Basiego, zaczynając w Kansas City z orkiestrą Waltera Page'a, a później z Bennym Motenem. Obie te orkiestry były typowymi przedstawicielami stylu Kansas City, który opierał się na swoistej formie bluesa, zwanej „urban blues”, i ukształtował się w grze tych orkiestr. Scenę jazzową Kansas City wyróżniała też cała plejada wybitnych mistrzów wokalnego bluesa, wśród których uznanym „królem” był wieloletni solista Count Basie Orchestra, słynny bluesowiec Jimmy Rushing. Słynny saksofonista altowy Charlie Parker, urodzony w Kansas City, po przybyciu do Nowego Jorku, szeroko wykorzystywał charakterystyczne bluesowe „żetony”, których nauczył się w orkiestrach Kansas City, a później stał się jednym z punktów wyjścia w eksperymentach bopperów w latach czterdziestych.

Jazz na Zachodnim Wybrzeżu

Artyści uwikłani w chłodny ruch jazzowy w latach 50. intensywnie pracowali w studiach nagraniowych w Los Angeles. Ci artyści z Los Angeles, w dużej mierze zainspirowani nonetem Milesem Davisem, stworzyli coś, co jest obecnie znane jako West Coast Jazz. Jazz z Zachodniego Wybrzeża był znacznie delikatniejszy niż wściekły bebop, który go poprzedził. Większość jazzu z Zachodniego Wybrzeża została napisana bardzo szczegółowo. Linie kontrapunktyczne często używane w tych kompozycjach wydawały się być częścią europejskiego wpływu, który przeniknął do jazzu. Muzyka ta pozostawiała jednak dużo miejsca na długie, linearne improwizacje solowe. Chociaż West Coast Jazz wykonywano głównie w studiach nagraniowych, kluby takie jak Lighthouse w Hermosa Beach i Haig w Los Angeles często gościły swoich mistrzów, wśród których byli trębacz Shorty Rogers, saksofoniści Art Pepper i Bud Shenk, perkusista Shelley Mann i klarnecista Jimmy Giuffrey .

Rozprzestrzenianie się jazzu

Jazz od zawsze wzbudzał zainteresowanie muzyków i słuchaczy na całym świecie, niezależnie od ich narodowości. Wystarczy prześledzić wczesną twórczość trębacza Dizzy'ego Gillespie i jego syntezę tradycji jazzowych z czarną muzyką kubańską w latach 40. lub później, fuzję jazzu z muzyką japońską, euroazjatycką i bliskowschodnią, słynną w twórczości pianisty Dave'a Brubecka, m.in. a także w genialnym kompozytorze i liderze jazzu - Orkiestrze Duke'a Ellingtona, która połączyła muzyczne dziedzictwo Afryki, Ameryki Łacińskiej i Dalekiego Wschodu.

Dave Brubeck

Jazz nieustannie wchłaniał i to nie tylko zachodnie tradycje muzyczne. Na przykład, gdy różni artyści zaczęli próbować pracować z elementami muzycznymi Indii. Przykład tego wysiłku można usłyszeć w nagraniach flecisty Paula Horna w Taj Mahal, czy w nurcie „world music” reprezentowanym np. przez zespół z Oregonu czy projekt Shakti Johna McLaughlina. W muzyce McLaughlina, dawniej opartej w dużej mierze na jazzie, zaczęły pojawiać się nowe instrumenty indyjskiego pochodzenia, takie jak khatam czy tabla, podczas jego pracy z Shakti brzmiały zawiłe rytmy i powszechnie stosowana była forma indyjskiej ragi.
W miarę postępującej globalizacji świata na jazz nieustannie wpływają inne tradycje muzyczne.
Art Ensemble z Chicago był pionierem w łączeniu form afrykańskich i jazzowych. Później świat poznał saksofonistę/kompozytora Johna Zorna i jego eksplorację żydowskiej kultury muzycznej, zarówno w orkiestrze Masada, jak i poza nią. Dzieła te zainspirowały całe grupy innych muzyków jazzowych, takich jak klawiszowiec John Medeski, który nagrywał z afrykańskim muzykiem Salifem Keitą, gitarzystą Markiem Ribotem i basistą Anthonym Colemanem. Trębacz Dave Douglas czerpie inspiracje z Bałkanów w swojej muzyce, a Azjatycko-Amerykańska Orkiestra Jazzowa stała się czołowym orędownikiem konwergencji jazzu i azjatyckich form muzycznych. Wraz z postępującą globalizacją świata, na jazz nieustannie wpływają inne muzyczne tradycje, dostarczając dojrzałego pokarmu dla przyszłych badań i udowadniając, że jazz jest prawdziwie światową muzyką.

Jazz w ZSRR i Rosji

Pierwszy w zespole jazzowym RSFSR Valentina Parnakh

Scena jazzowa narodziła się w ZSRR w latach 20., jednocześnie z rozkwitem w USA. Pierwsza orkiestra jazzowa sowiecka Rosja została stworzona w Moskwie w 1922 roku przez poetę, tłumacza, tancerza, postać teatralną Valentina Parnakha i została nazwana „Pierwszą ekscentryczną orkiestrą jazzową Valentina Parnakha w RSFSR”. 1 października 1922 tradycyjnie uważany jest za urodziny rosyjskiego jazzu, kiedy odbył się pierwszy koncert tej grupy. Orkiestra pianisty i kompozytora Aleksandra Tsfasmana (Moskwa) jest uważana za pierwszy profesjonalny zespół jazzowy, który występuje na antenie i nagrywa płytę.

Wczesne radzieckie zespoły jazzowe specjalizowały się w wykonywaniu modnych tańców (fokstrot, Charleston). W masowej świadomości jazz zaczął zyskiwać szeroką popularność w latach 30., głównie dzięki zespołowi leningradzkiemu kierowanemu przez aktora i piosenkarza Leonida Utesowa oraz trębacza Ya B. Skomorovsky'ego. Popularna komedia filmowa z jego udziałem „Merry Fellows” (1934) poświęcona była historii muzyka jazzowego i miała odpowiednią ścieżkę dźwiękową (napisaną przez Isaaca Dunayevsky'ego). Utiosow i Skomorowski stworzyli oryginalny styl „tea-jazzu” (teatralnego jazzu), oparty na mieszance muzyki z teatrem, operetką, numerami wokalnymi i elementem wykonawczym, który odegrał w nim dużą rolę. Znaczący wkład w rozwój sowieckiego jazzu wniósł Eddie Rosner, kompozytor, muzyk i lider orkiestr. Rozpoczął karierę w Niemczech, Polsce i innych kraje europejskie Rozner przeniósł się do ZSRR i stał się jednym z pionierów swingu w ZSRR i inicjatorem białoruskiego jazzu.
W masowej świadomości jazz zaczął zdobywać szeroką popularność w ZSRR w latach 30. XX wieku.
Postawa władze sowieckie do jazzu było niejednoznaczne: rodzimi wykonawcy jazzowi z reguły nie byli zakazani, ale było to powszechne ostra krytyka jazz jako taki, w kontekście krytyki kultury zachodniej w ogóle. Pod koniec lat 40., w czasie walki z kosmopolityzmem, jazz w ZSRR przeżywał szczególnie trudny okres, kiedy prześladowano zespoły wykonujące muzykę „zachodnią”. Wraz z nadejściem „odwilży” ustały represje wobec muzyków, ale krytyka trwała. Według badań profesor historii i kultury amerykańskiej Penny Van Eschen, Departament Stanu USA próbował użyć jazzu jako broni ideologicznej przeciwko ZSRR i ekspansji sowieckich wpływów w krajach trzeciego świata. W latach 50. i 60. w Moskwie wznowiły działalność orkiestry Eddiego Roznera i Olega Lundstrema, pojawiły się nowe kompozycje, wśród których wyróżniały się orkiestry Iosifa Weinsteina (Leningrad) i Vadima Ludwikowskiego (Moskwa) oraz Ryga Variety Orchestra (REO).

Big bandy wychowały całą plejadę utalentowanych aranżerów i solistów-improwizatorów, których twórczość wniosła radziecki jazz na poziom jakościowy. nowy poziom i zbliżył go do światowych standardów. Wśród nich są Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Rozpoczyna się rozwój jazzu kameralnego i klubowego w całej jego różnorodności stylistycznej (Wiaczesław Ganelin, David Goloshchekin, Giennadij Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan , Igor Bril, Leonid Chizhik itp.)

Klub Jazzowy „Błękitny Ptak”

Wielu z powyższych mistrzów sowieckiego jazzu rozpoczęło swoją działalność kreatywny sposób na scenie legendarnego moskiewskiego klubu jazzowego „Blue Bird”, który istniał od 1964 do 2009 roku, odkrywając nowe nazwiska przedstawicieli współczesnego pokolenia rosyjskich gwiazd jazzu (bracia Aleksandra i Dmitrija Brila, Anny Buturliny, Jakow Okun, Romana Miroshnichenko i inni). W latach 70-tych dużą popularność zyskało trio jazzowe „Ganelin-Tarasov-Chekasin” (GTC) składające się z pianisty Wiaczesława Ganelina, perkusisty Władimira Tarasowa i saksofonisty Władimira Czekasina, które istniało do 1986 roku. W latach 70-80 znany był także kwartet jazzowy z Azerbejdżanu „Gaya”, gruzińskie zespoły wokalno-instrumentalne „Orera” i „Jazz-Khoral”.

Po spadku zainteresowania jazzem w latach 90. zaczął ponownie zyskiwać popularność w kulturze młodzieżowej. W Moskwie co roku odbywają się festiwale muzyki jazzowej, takie jak Usadba Jazz i Jazz w Ogrodzie Ermitażu. Najpopularniejszym klubem jazzowym w Moskwie jest klub jazzowy Union of Composers, który zaprasza światowej sławy wykonawców jazzu i bluesa.

Jazz we współczesnym świecie

Współczesny świat muzyki jest tak różnorodny, jak klimat i geografia, których uczymy się podróżując. A jednak dzisiaj jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby kultur świata, stale zbliżających nas do tego, co w istocie już staje się „world music” (muzyka świata). Dzisiejszy jazz nie może nie pozostawać pod wpływem dźwięków przenikających do niego z niemal każdego zakątka globu. Europejski eksperymentalizm z klasycznymi wydźwiękami nadal wpływa na muzykę młodych pionierów, takich jak Ken Vandermark, chłodny awangardowy saksofonista znany ze współpracy z tak wybitnymi rówieśnikami, jak saksofoniści Mats Gustafsson, Evan Parker i Peter Brotzmann. Inni, bardziej tradycyjni młodzi muzycy, którzy nadal poszukują własnej tożsamości, to pianiści Jackie Terrasson, Benny Green i Braid Meldoa, saksofoniści Joshua Redman i David Sanchez oraz perkusiści Jeff Watts i Billy Stewart.

Stara tradycja brzmieniowa jest szybko kontynuowana przez artystów takich jak trębacz Wynton Marsalis, który pracuje z zespołem asystentów zarówno we własnych małych zespołach, jak iw prowadzonym przez siebie Lincoln Center Jazz Band. Pod jego patronatem pianiści Marcus Roberts i Eric Reed, saksofonista Wes „Warmdaddy” Anderson, trębacz Markus Printup i wibrafonista Stefan Harris wyrośli na wielkich muzyków. Basista Dave Holland jest także wielkim odkrywcą młodych talentów. Wśród jego wielu odkryć są tacy artyści jak saksofonista/m-basista Steve Coleman, saksofonista Steve Wilson, wibrafonista Steve Nelson i perkusista Billy Kilson. Inni wielcy mentorzy młodych talentów to pianista Chick Corea i nieżyjący już perkusista Elvin Jones oraz piosenkarka Betty Carter. Potencjał dalszego rozwoju jazzu jest obecnie dość duży, gdyż drogi rozwoju talentu i środki jego wyrazu są nieprzewidywalne, mnożąc się dzięki połączonym wysiłkom różnych gatunków jazzu, które są dziś promowane.

Ragtime powstał wśród murzyńskich pianistów-amatorów. Szczyt popularności ragtime przypada na pierwszą dekadę XX wieku, ale pojawiły się one około dwadzieścia lat wcześniej. Popularność ragtime na początku XX wieku była w dużej mierze spowodowana ogromnym popytem na muzykę taneczną. Gramofon nie był jeszcze powszechny, a do fortepianu tańczyły masy zwykłych Amerykanów. Taneczny charakter ragtime, w przeciwieństwie do „melodyjnej” muzyki popularnej, która ma wokalne korzenie, decydował o rytmicznej innowacyjności tego gatunku.

Scott Joplin - "Szmata z liści klonu"

Daniel Kramer

Klasyczne tańce europejskie były głównie udziałem arystokratów. Aby je tańczyć, trzeba było nauczyć się różnych kroków i ich kombinacji, czasem dość skomplikowanych, a osoby, które były niżej w swojej pozycji po prostu nie chciały sobie tym zawracać głowy. Pomimo lekkości i prostoty rytmu, ragtime był grany w egzotycznych afrykańskich trybach pentatonicznych i przy użyciu technik, które nie były znane białym muzykom. To połączenie prostoty i nowości dało początek niesamowitemu przed-jazzowemu rodzajowi tworzenia muzyki, który nazywa się ragtime.

Ragtime to nie rapsodia Liszta, nie koncert Chopina, nie V koncert Beethovena, nie Mozarta i nie Bacha. To nie jest ten rodzaj złożoności, nie jest to złożoność technologiczna czy kompozycyjna - to jest złożoność stylistyczna. Dla muzyków akademickich z początku XX wieku ten styl był dość trudny: te synkopy nie były znane Europejczykom. Dlatego też, kiedy wczesny jazz po raz pierwszy trafił na europejskie wybrzeża w 1918 roku, otrzymał przydomek „szalone omdlenia”- "szalone synkopy".

Synkopacja - w muzyce europejskiej dźwięk, który zaczyna się od słabego uderzenia taktu i kontynuuje na mocnym uderzeniu, co powoduje przesunięcie akcentów rytmicznych, oddzielenie melodii od akompaniamentu.

Ragtime to nie jazz, gra się płynnie, to czysta polka, którą mógłby napisać każdy kompozytor, który chce pisać muzykę nie do końca klasyczną. „Ojciec ragtime” Scott Joplin wniósł kilka elementów pre-jazzowych – takich jak technika „3 na 4” – oraz kilka egzotycznych interwałów, takich jak seksty. W tym przypadku charakterystyczny jest inny rodzaj rytmu. W ragtime rytm liczony jest od drugiego i czwartego uderzenia taktu, plus co dwa takty osobny silny akcent na ostatnim, czwartym uderzeniu. Na te niecodzienne akcenty nakładana jest osobna synkopa melodii.

Off-beat - zasada, w której akcenty rytmiczne przesuwane są z „mocnych” uderzeń taktu – 1. i 3. – na „słabe” – 2. i 4..

„3 na 4” to główny typ krzyżowego rytmu charakterystyczny dla muzyki zachodnioafrykańskiej. W obrębie jednej jednostki metrycznej (miara) dwa rytmiczne wzory brzmią równolegle, kontrastując ze sobą. Jedna z nich, główna, składa się z czterech równych jednostek rytmicznych, druga, brzmiąca nad nią, składa się z trzech równych jednostek.

2. Jazz tradycyjny: Nowy Orlean i Dixieland. 1910-1920

Na początku XX wieku w Nowym Orleanie było kilkadziesiąt orkiestr marszowych i zespołów muzyki tanecznej – głównie murzyńskich i kreolskich. Na muzykę, którą grali, miały wpływ ragtime, blues, marsze, murzyńskie piosenki robocze. Byli pod dużym wpływem kultury muzycznej Kreolów, która pierwotnie była bliska europejskiej rodzimej twórczości muzycznej. Później, kiedy Kreole z południowych stanów zostali zrównani w prawach z Murzynami, zbiegły się kultury Murzynów i Kreolów, co przyczyniło się do pojawienia się nowych form syntetycznych. Po zakończeniu wojny amerykańsko-hiszpańskiej miasto miało: duża liczba instrumenty orkiestr wojskowych, co przyczyniło się do powstania amatorskich zespołów muzycznych, których muzycy nie znali notacji muzycznej. Jak dokładnie muzyka brzmiała w Nowym Orleanie w tym czasie, można się tylko domyślać po zagraniu naśladowców nowoorleańskiego stylu na pierwszych nagraniach, które pojawiły się dopiero w 1917 roku. Koncepcja „Dixieland” początkowo była odpowiednikiem koncepcji „jazzu”, wymyślonej wśród białych muzyków pod kryptonimem południowych stanów Stanów Zjednoczonych. Później styl Dixieland był kojarzony konkretnie z „białymi” zespołami wczesnego jazzu, chociaż często styl nowoorleański i Dixieland są rozumiane jako synonimy. Po wydaniu pierwszej płyty jazzowej grupy białych muzyków Oryginalny zespół Dixieland Jass w 1917 jazz jako nowa forma muzyki ludowej w epoce nowożytnej zaczyna się rozprzestrzeniać w całym kraju.

Oryginalna opaska Dixieland Jass - "Tiger Rag"

Władimir Tarasow

perkusista, członek trio GTC (Ganelin-Tarasov-Czekasin)

Wspaniale jest usłyszeć od muzyków, że po Dixielandzie pojawił się swing. Okazuje się, że Dixieland to nie jazz. W Dixieland jest dużo huśtawki. Wystarczy posłuchać synkopowanego banjo i werbla. Później, w latach 30. i 40., kiedy z tego drzewa wyrosły nowe gałęzie, w tym białe, znacznie zmienił się język, a wraz z nim uczucie kołysania.

Swing – charakter występu solisty lub zespołu, polegający na ciągłych odchyleniach od wzorcowego rytmu i tworzeniu efektu „rozbujania” całej masy dźwiękowej. Swing jest charakterystyczny dla różnych stylów i okresów w historii jazzu. W latach 30. określenie to zaczęło nawiązywać do popularnego w epoce big bandów stylu jazzu.

Kreolski zespół jazzowy Kinga Olivera – „Dippermouth Blues”

Walerij Kisielew

klarnecista, saksofonista, lider Classical Jazz Ensemble

Nowy Orlean jest specyficznym miastem, nazywany był „Paryżem Nowego Świata”. Miasto portowe u ujścia Missisipi, w którym było dużo biznesu, dużo gości. Były pikniki, parady, procesje, więc muzycy w Nowym Orleanie zawsze mieli dużo pracy. Jeśli umierał szanowany człowiek, to kazano mu urządzić pogrzeb z orkiestrą - to też była praca dla muzyków. Prawie wszyscy byli samoukami, nie znali nut, grali ze słuchu i King Oliver (legenda stylu nowoorleańskiego, w którego orkiestrze zaczął grać młody Louis Armstrong. - Wyd.) był samoukiem. Niektórzy mylą styl Dixieland i New Orleans. New Orleans to styl bluesowy, nie grali dominujących, zmniejszonych akordów septymowych, jak później w Dixielandzie.

Królowie rytmu Nowego Orleanu – „Ona płacze za mną”

Jurij Czugunow

kompozytor, aranżer, pedagog

Zasada improwizacji w jazzie nigdy nie straciła swojej roli. Podstawową zasadą fakturalną stylu nowoorleańskiego była spontaniczna polifonia. Ten polifoniczny początek opierał się na jednoczesnej improwizacji kilku solistów dętych (trąbka, puzon i klarnet). W dodatku proste akordy zabrzmiały zupełnie nowe dzięki skali bluesowej. Nad ciągłym taktem sekcji rytmicznej soliści mogli dopuścić rytmiczną swobodę w improwizacji. Wszystkie te cechy sprawiły, że jazz zaczął być postrzegany przez publiczność jako coś nowego i bezprecedensowego, co doprowadziło do jego szybkiego rozpowszechnienia w świecie. Jazz był pierwotnie zaprogramowany na szybki rozwój. Perspektywę tego rozwoju przesądziło połączenie dwóch elementów: folkloru (bluesowego) początku i wykorzystania instrumentów orkiestry symfonicznej, w tym fortepianu.

Polifonia to zasada konstruowania utworu muzycznego (magazynu), w którym poszczególne głosy melodyczne brzmią równolegle, jednakowo w swojej funkcji. Jest przeciwieństwem magazynu homofonicznego, w którym funkcję melodii pełni głos wyższy, a pozostałe głosy harmonijnie ją wspierają.

3. Styl chicagowski. 1920

W latach dwudziestych nastąpiły ważne zmiany społeczne. Ta era przeszła do historii jako szalone lata dwudzieste. Pisarz Francis Scott Fitzgerald w swoich słynnych opowiadaniach ujął to inaczej – „epoka jazzu”. Na początku lat 30. pisał: „Słowo 'jazz', którego nikt obecnie nie uważa za nieprzyzwoite, oznaczało najpierw seks, potem taniec, a na końcu muzykę. Kiedy mówią o jazzie, mają na myśli stan nerwowego podniecenia, mniej więcej taki sam, jaki panuje w dużych miastach, gdy zbliża się do nich linia frontu. W latach dwudziestych jazz zaczął przenikać do restauracji i sal tanecznych, stając się ważną częścią kultury popularnej. Istota jazzu wyraża się w samym sposobie wykonania, którego nie da się zapisać na papierze, a dzięki rozwojowi przemysłu nagraniowego jazz zaczyna być powielany na masową skalę, dobrze ilustrując tezę Waltera Benjamina o „ dzieło sztuki w dobie jego technicznej powtarzalności”. W latach dwudziestych nasiliła się migracja muzyków jazzowych do północnych miast przemysłowych, z Chicago jako centrum. W tym czasie również stają się powszechne sesje jamowe- bezpłatne występy w pubach po północy dla niewielkiej publiczności koneserów, oparte na spontanicznej improwizacji kilku solistów. Zaczyna się komplikacja aranżacyjna i opozycja pojedynczego solisty wobec całego zespołu.

Louis Armstrong – „West End Blues”

Daniel Kramer

Zespół jazzowy zbudowany jest na zupełnie innej zasadzie niż zespół Dixieland. Dixieland zbudowany jest na zasadzie dwóch linii, gdy w tle gra sekcja rytmiczna - bas, banjo i instrumenty perkusyjne. A z przodu polifoniczne linie, powiedzmy, od trąbki, puzonu i klarnetu. I te polifoniczne linie są stale przeplatane, jedna z nich jest główna, a reszta ją oprawia. Jednocześnie podstawa rytmiczna jest niecodzienna, zasada harmoniczna jest znacznie prostsza. W zespole jazzowym podstawą rytmiczną jest już czterotakt, a nie off-beat. Jeśli jest kilku solistów, nie kadrują magistrala i improwizować każdy na własną rękę. I wreszcie znacznie bardziej złożone aranżacje utworów jazzowych. Uczucie jazzu to uczucie napiętego łuku. Ten składnik rytmiczny, zwany popędem, niepowstrzymany rytm rytmiczny, jest nadal obecny u Bacha, w nieco mniejszym stopniu u Mozarta, i zaczyna gubić się wśród romantyków. Muzycy jazzowi przenieśli tę jazdę na wyższy poziom. Zrozumiałem, skąd się to bierze, kiedy byłem w Afryce i widziałem, jak grają afrykańscy muzycy z obszarów wiejskich: ma to we krwi.

Four-beat – rodzaj rytmu, w którym wszystkie cztery uderzenia taktu są równomiernie akcentowane – mocne i słabe.

Z zespołów Dixielands i wczesnego jazzu wyróżniłbym zespoły Louisa Armstronga - Gorąca Piątka I Gorąca siódemka. Osobiście bliżej mi do popędu Armstronga niż Kinga Olivera czy Bixa Beiderbecka. Takiej jazdy – bardzo ciężkiej i jednocześnie pięknej – chyba nikt w tej chwili nie ma.

Bix Beiderbeck - "Singin" the Blues"

Oleg Grymow

klarnecista, saksofonista, Oleg Lundstrem Orchestra

We wczesnym jazzie swing był inny, bardziej groteskowy, zarówno dla białych, jak i czarnych muzyków. A później, z Hawkinsem, Lesterem Youngiem, stało się gładsze. Bix Beiderbeck jest świetnym kornetistą, ale jeśli posłuchasz jego swingu, zobaczysz, że rogi są nieco bardziej spiczaste. Ta wczesna huśtawka przypominała bardziej ragtime.

Dochodzę do wniosku, że im starsi byli wielcy artyści, tym bardziej dążyli do prostoty. Tyle, że wielu nie przeżyło, jak Young czy Parker, odlecieli. Armstrong żył długo, ale jak zaczął od tej prostoty, na tym się skończył. Co więcej, w tej prostocie była też głębia, której potrzebowali intelektualiści. Wydaje mi się, że najważniejsza jest naturalność. Jeśli ta złożoność nie jest wymuszona, to musi istnieć, jeśli prostota nie jest ziejącą pustką, niech tak będzie. Armstrong był kwintesencją swoich czasów. To Johann Sebastian Bach Jazzu. Zbyt wiele zbiegów okoliczności w tym człowieku. Było wielu bardzo dobrych muzyków tamtych czasów, dla których wszystko się nie zgadzało, tak jak dla niego. Mniej znanym muzykiem jest Sydney Bechet. Bechet miał bardzo namiętną naturę, wystarczy posłuchać jego nagrań, żeby się przekonać. Był człowiekiem skrajnym i wszystko, co robił, było równie pasjonujące, jak jego aktorstwo. Jak wspomina go jego uczeń Bob Wilber, Bechet potrafił być bardzo miły i opiekuńczy, ale jeśli poczułby jakieś zaniedbanie w twoich słowach, mógł być bardzo złośliwy i mściwy. Gdyby nie Bechet, nie wiadomo, czy poznalibyśmy Johna Hodgesa (słynnego saksofonistę altowego z Orkiestry Duke Ellington). Wyd.), ponieważ Hodges przez całe życie słuchał Becheta, a nawet wziął od niego kilka lekcji. Słychać to, takie nowoorleańskie podejście do instrumentu. Bechet ma bardzo jasne, oryginalne brzmienie, bardzo częste vibrato, które jest trudne do skopiowania. Być może jego najsłynniejszą kompozycją jest czas letni George'a Gershwina. Dla wielu saksofonistów sopranowych stał się wzorcem wykonawczym. Osobiście uwielbiam tę płytę Black Stick Blues, tam gra na klarnecie – w końcu zaczynał jako klarnecista. Szwajcarski dyrygent Ernest Ansermet powiedział o nim, że jest taki muzyk z orkiestry Południowa Orkiestra Synkopowana to prawdziwy geniusz. Potem grał na klarnecie.

Sydney Bechet - „Czas letni”

Vibrato to szybka pulsacja jednego dźwięku z okresową zmianą wysokości dźwięku o mniej niż półton. Rezultatem jest ciągła falista linia.

Jack Teagarden i jego orkiestra – „Basin Street Blues”

Roswell Rudd

puzonista, kompozytor, New York Art Quartet

Dixieland to muzyka, z której się nauczyłem. Słyszałem to w latach 40. i 50., kiedy byłem młody. Najbardziej pociągała mnie w niej jej kolektywna improwizacja. Była bardzo otwarta. Istniała wyraźna struktura, ale w ramach tej struktury ludzie tworzyli muzykę, słuchając się nawzajem. Zadziwiło mnie wtedy i nadal robi. Myślę, że kolektywna improwizacja jest tym, co ja i moi rówieśnicy w latach dwudziestych przywróciliśmy jazzowi w latach 60-tych. Kiedy po raz pierwszy wystąpiliśmy przed publicznością, włączyliśmy do naszej gry kolektywną improwizację. To było dla mnie naturalne, bo wyszedłem z Dixielandu i miałem wyczucie, jak grać w stosunku do kogoś innego – improwizacyjne „pytanie i odpowiedź”. grupy Charles Mingus, Cecil Taylor; San Ra - wszyscy zrobili kolektywną improwizację i zrobili to bardzo pięknie. Ci ludzie ożywili dawną muzykę i jednocześnie stworzyli coś nowoczesnego.

Technika odpowiedzi (pytanie-odpowiedź) - podstawowa zasada kompozycyjna, w której wszystkie elementy formy muzycznej układają się w komplementarne pary, gdzie pierwszy element, niestabilny i niepełny, implikuje obecność kolejnego, logicznie ostatecznego elementu.

Jack Teagarden to nasz amerykański pomnik; jest jak JJ Johnson (legendarny puzonista ery bebopu. - Wyd.). On uosabia pewien styl gra na puzonie - bardzo czysty, świeży i mocny. Lubię wcześniejszą muzykę Teegardena, kiedy był bardziej eksperymentatorem. Kiedy byłem młody, słyszałem wiele jego późniejszych rzeczy podczas występów na żywo i było pięknie. Ale przegapiłem jego „błędy”.

Cały jazz jest „wolny”, nie tylko free jazz. Wszystko zależy od tego, o jakich muzykach mówisz. Jazz to w zasadzie pierwsza muzyka. Można go znaleźć na całym świecie, bo kiedy ludzie improwizują, to jest to pierwsza muzyka. Dixieland, kolektywna improwizacja to najbardziej awangardowa forma, jaką możesz osiągnąć, a jeśli zrobisz to dobrze, włożysz w to prawdziwy klimat i nie przesadzisz z intelektualizmem, to dostaniesz świetną muzykę. Free jazz, nowa muzyka, swobodna improwizacja – to wszystko dla mnie znaczy to samo, to tylko muzyka. Improwizacja kolektywna to podstawa tego, co robię. Może być analizowany pewne okresy i stylów - Plac Kongo (obszar w pobliżu Nowego Orleanu, gdzie w XVIII i na początku XIX wieku czarnoskóra ludność mogła gromadzić się w celu handlu, śpiewu i tańca. - Wyd.), Nowy Orlean, Chicago, Kansas City, Nowy Jork, Zachodnie Wybrzeże itp. Albo wielcy pionierzy stylu - Louis Armstrong, Coleman Hawkins, Pee Wee Russell, John Birks Gillespie, Charlie Parker, Ornette Coleman itp. Ale to, co wyróżnia każdą z nich, to właśnie unikalny sposób improwizacji, a gdy dzieje się to zbiorowo, uzyskuje się darmową muzykę „symfoniczną”. Nazywam to Dixieland.

Bud Freeman – „Węgorz”

Oleg Grymow

Bud Freeman to świetny muzyk. Był takim dandysem, zawsze wyglądał bardzo stylowo i równie pięknie grał. Wielu krytyków przypisuje mu wpływ na Lestera Younga. Rzeczywiście, na koncertach końca lat 60., jeśli zamknie się oczy, wydaje się, że Lester Young. Moim zdaniem Lester temu zaprzeczył, ale bardzo pozytywnie wypowiadał się o Budze Freemanie. Freeman intensywnie współpracował z Bennym Goodmanem, Tommym Dorseyem. Jest typowym przedstawicielem swingu, ale grał też z muzykami Dixieland. Ma dużo płyt, na których gra w zespołach Dixieland, gdzie wydaje się, że powinien być puzon, a gra tam saksofon tenorowy Buda Freemana, okazuje się, że to zupełnie inne brzmienie, bardziej mobilne, mniej obligatoryjne. Urodził się i zmarł w Chicago. W tym czasie mieszkało tam wielu znakomitych muzyków – na przykład Jimmy Noon. W nagraniach z lat 30. słyszę wyraźny wpływ Nun. Jest dość oczywiste, że poszli na swoje występy, coś wzięli, coś pożyczyli. Wszystko się więc pomieszało: we Freemanie znajdziesz Jimmy'ego Noona, w Lesterze Freemana i Frankiego Trumbauera. To taka mieszana gleba, z której następnie wyrastają piękne kwiaty. W ogóle – z całą wiodącą rolą czarnych muzyków – nie wiadomo, jak by się to działo, gdyby nie Nowy Orlean, gdzie były ogromne kolonie francuskie i hiszpańskie. Kreole to nieślubne dzieci francuskich i hiszpańskich kolonistów od ich niewolników. We wczesnym jazzie było zwyczajem, że instrumenty dęte używały płytkiego vibrato, zwłaszcza pod koniec frazy. Najbardziej ekstremalnym przykładem jest Bechet, który miał francuską krew. Wydaje mi się, że nawet to pokazało pewien rodzaj genetycznego wpływu francuskiego: jeśli weźmiesz śpiew francuskich chansonniers, możesz go usłyszeć.

4. Era swingu, era big bandów. Lata 30. XX wieku

Rosnąca popularność jazzu stworzyła zapotrzebowanie na duże orkiestry muzyki tanecznej. To z kolei wymagało bardziej spójnej, zorganizowanej gry i bardziej skomplikowanych aranżacji. Maniera gorącego jazzu staje się znajoma szerokiej publiczności i zaczyna wchodzić do mainstreamu. Szczególnie ważne jest to, jak „kołysze się” cała orkiestra.

Tłuszcze Waller - "Róża Kajbru"

Daniel Kramer

Swing to naturalna synkopa oparta na ciągłym przepływie rytmicznym zwanym popędem, w połączeniu ze zmiennym stosunkiem rytmów rzeczywistych i postrzeganych, co według niektórych opinii, w tym mojej, jest jednym ze znaczeń terminu „uderzenie” (inne znaczenie to uderzenie, metoda akcentowania wewnątrztaktowego). Kiedy w kompleksie są trzy składniki - beat, drive i naturalna synkopa, wtedy zaczyna się tak naprawdę jazz. Fats Waller ma już na swoim koncie zarówno swingowe, jak i ugruntowane jazzowe kompleksy harmoniczne. Jedna osoba będzie mówić z akcentem, inna wymówi te same słowa, ale bez akcentu. Fats Waller już mówi bez akcentu, tam język się ugruntował. Już jest huśtawka czterotaktowa. W muzyce jazzowej solista gra albo do rytmu, albo nieco z tyłu, ale nigdy z przodu. Triola w muzyce jazzowej kołysze się w sobie, rytm liczony jest od słabego trzeciego uderzenia trioli i schodzi najpierw do mocnego, jak z fali.

Triola to sposób na zgrupowanie trzech dźwięków o tej samej długości, które w sumie trwają tak długo, jak dwie nuty o tym samym czasie trwania.

Fletcher Henderson i jego orkiestra – „Kopenhaga”

Walerij Kisielew

Fletcher Henderson należał do tego kręgu Murzynów, który dotarł do wyższych warstw i był z tego bardzo dumny. Bardzo cenili sobie swoją pozycję, nie pozwalali swoim dzieciom bawić się czarnymi dziećmi: jak biały człowiek jest niegrzeczny, to jedno, a jak czarny, wszystko jest inne. Fletcher otrzymał Dobra edukacja. Właściwie jest uważany za założyciela nowoczesnego big bandu. W zespole Dixieland trąbka prowadzi główną melodię, klarnet gra tzw. obbligato, puzon prowadzi głos harmoniczny. Cztery lub pięć instrumentów, wtedy dostajesz kakofonię - nie ma gdzie się rozwijać. Kiedy orkiestry zaczęły grać w zacnych domach, gdzie potrzebnych było więcej muzyków, jakoś trzeba było zorganizować się w nowy sposób. I wtedy Fletcher Henderson i jego kolega Don Redman wpadli na pomysł, żeby dopasować grupy – trzy saksofony i trzy instrumenty dęte, z reguły były to dwie piszczałki i puzon. Ciągłe zestawienie, saksofony grają temat, w tle grają instrumenty dęte blaszane, potem dęte blaszane przejmuje melodię, saksofony akompaniamentem. To już pierwsze oznaki big bandu, konkurencji sekcji instrumentalnych.

Big band to kilkunastoosobowy zespół jazzowy. Big band charakteryzuje się bardziej staranną aranżacją, bardziej skomplikowaną fakturą i zwiększoną rolą lidera zespołu.

Orkiestra Glenna Millera – „W nastroju”

saksofonista, kompozytor, lider „Round Band”

Dla mnie okres przedbebopowej muzyki jazzowej był przez długi czas zagadką. Szczerze mówiąc rzadko słucham tej muzyki, a teraz, kiedy sięgam np. do płyt z lat 30. ubiegłego wieku, wydaje mi się trochę dziwne, że nie słyszę typowych bopowych opisów, klisz i przeróbek w swing muzyków. Ale zagłębiając się w studium tego stylu, sposobu grania muzyków, ich cech językowych, harmonii, improwizacji, rozumiesz, że to niezwykła warstwa artystyczna, ogromny kierunek, bez którego nowy krok nie byłby możliwy. Świat „ery swingu” jest, powiedziałbym, szczególnym światopoglądem. Gra muzyków zdaje się tryskać strumieniem emocji, czasem nawet nieuformowanych, niezrealizowanych pomysłów w postaci rozmaitych konstrukcji melodycznych, czasem wręcz kłócących się, przerywających sobie nawzajem, jaskrawymi kontrastowymi obrazami, np. dla dętych dętych zawierających albo element pasażu lub długi świszczący oddech na jedną nutę. Być może jest to wpływ gorącego jazzu, w którym muzycy starali się osiągnąć większą swobodę i wyrazistość w solówkach, w których słychać afrykańskie korzenie.

Hot jazz to odmiana jazzu charakteryzująca się wzmocnionym początkiem improwizacji, przewagą ekspresji intonacyjnej i rytmicznej nad kompozycją. „Gorący” oznaczał „autentyczny” od zarania jazzu, w przeciwieństwie do białych imitacji stylu nowoorleańskiego i komercyjnego jazzu, który wykorzystywał tylko niektóre charakterystyczne elementy języka jazzowego. O ile w latach 20. hot jazz był ostro przeciwstawiany komercyjnej wersji jazzu - sweet jazzowi, o tyle w latach 30. hot jazz w formie swingu staje się komercyjnym sukcesem muzyki popularnej i wkracza do mainstreamu.

Ale jednocześnie w epoce swingu, w latach 30. muzycy, wyrażając i ekspresyjne idee, prowadzą solidną, czasem nawet racjonalną grę, w której zawsze słychać wyraźną organizację rytmiczną i integralny swing ze specjalnym rytmiczne opóźnienie właściwe dla tego okresu jazzu. Odnosi się wrażenie, że muzycy zdają się próbować za pomocą swoich instrumentów powiedzieć to, czego nie mogą powiedzieć słowami. Ale nawet jednocześnie w ich grze słychać wyraźną stabilność, wierność stylowi, manierze, językowi, melodii, metro-rytmowi. Nawiasem mówiąc, o rytmie - osobna rozmowa. W końcu powiedzmy, że jeśli mówimy ogólnie o okresie przedbopu, organizacja rytmiczna była budowana i odbierana przez muzyków na różne sposoby. Na przykład zespoły Count Basie, Glenn Miller, Duke Ellington, Benny Goodman to nie tylko różne koncepcje melodyczne, improwizacyjne, ale także różne podejścia do rozwiązania metrycznego.

Count Basie Orchestra – „Swingin' the Blues”

Władimir Tarasow

My, jazzmani, mamy znane powiedzenie, które parodiuje członków partii: mówimy „jazz”, mamy na myśli „swing” – i vice versa. Do tej pory nikt nie był w stanie konkretnie opisać, czym jest huśtawka. Czym jest ten szczególny, kołyszący sposób produkcji dźwięku z synkopą. Kiedyś uprościłem i doszedłem do wniosku, że jeśli jest wykonywany po prostu w ósemkach, to dla mnie nie jest to jazz, ale jeśli frazy muzyczne budowane są przez ósemkę z kropką i szesnastkę, to jazz. I nie musi to odbywać się w regularnym tempie. Wcześniej muzycy w Rosji z jakiegoś powodu uparcie wierzyli, że swing jest wtedy, gdy trzeba grać trochę z przodu lub trochę z tyłu, wtedy wszystko się ułoży. Dziś na szczęście jest wielu muzyków, którzy potrafią grać z rozmachem. Znam też wielu muzyków klasycznych, którzy moim zdaniem mają świetny swing.

Benny Goodman – „Śpiewaj, śpiewaj, śpiewaj”

Walerij Kisielew

Moja znajomość z jazzem miała miejsce w 1963 roku, kiedy byłam w 7 klasie. Moja starsza koleżanka zaprosiła mnie do regionalnego Domu Kultury, gdzie pokazali film „Serenada w Słonecznej Dolinie” z Glennem Millerem. Jazz, big band, swing wszedł we mnie tym filmem. W latach 30. bardzo ważny był swing jazz. To, aby wyrazić współczesny język, był jedynym „pop”. W latach 30. w Nowym Jorku było ponad sto wielkich zespołów o znanych nazwiskach. Pod koniec lat 30. Amerykę pokryła sieć stacji radiowych, w których ludzie mogli słuchać jazzu, tańczyć i bawić się od rana do wieczora. Przed wybuchem wojny wyprodukowano ogromną liczbę płyt gramofonowych. Przy pomocy płyt orkiestry zyskały sławę, jeździły w trasy koncertowe, ludzie kupowali ich płyty i chodzili na tańce. Kiedy w Związku Radzieckim pojawiły się magnetowidy i zobaczyliśmy te orkiestry na żywo, byliśmy zdumieni: jak, takie gwiazdy - a one grają na tańcach! W ogóle nie było zwyczaju kupowania biletów, siedzenia na krześle i słuchania jazzu. Jazz grał tam, gdzie ludzie pili, jedli, tańczyli.

Lindy Hop to główny taniec ery swingu.

Wszyscy muzycy ery swingu poszli na tańce. Kiedy nauczyłem się tych tańców, naprawdę zrozumiałem, czym jest swing. Osoba nietańcząca odbiera muzykę uszami, a taniec swingowy opiera się na odbijaniu, na kołysaniu ciała. Dopiero w styczniu 1938 roku w Carnegie Hall, gdzie zwykle grano muzykę symfoniczną, zorganizowano po raz pierwszy koncert jazzowy Benny Goodman Orchestra. Ta muzyka szła z dołu i musiała trafić do sali koncertowej.

Bounce - wykonanie w umiarkowanie szybkim tempie z "elastycznym" rytmicznym tonem, charakterystycznym dla swingu. Również rodzaj tańca swingowego.

Savoy był pierwszy sala taneczna gdzie mogły tańczyć pary mieszane - czarno-białe. Z reguły w takich salach działały dwie orkiestry – jedna własna, druga zaproszona; była między nimi konkurencja. Kiedy Benny Goodman tworzył swoją orkiestrę, miał problem: jak wtedy mówiono, nie miał własnego „portfolio” – repertuaru. Poradzono mu, aby poszukał aranżacji u Fletchera Hendersona, który niedawno rozwiązał jego orkiestrę. Fletcher Henderson już przekazał swoje prace Chickowi Webbowi. A dwie orkiestry grały te same nuty. Ktoś wpadł na pomysł zorganizowania konkursu - biało-czarna orkiestra. Zachowało się nagranie tego koncertu. Nigdy nie wierzyłem, że czarne orkiestry potrafią swingować lepiej, ale grając te same nuty, orkiestra Benny'ego Goodmana wyglądała znacznie słabiej. Nie rozdzielałbym kultury białej i czarnej w Ameryce. Wszyscy dorastali w tej kulturze – po prostu trzeba żyć w Ameryce.

Było wiele bardzo podobnych orkiestr, podających rzeczy do tańca. Ale było też wiele jasnych orkiestr, aranżerów, solistów. Ktoś był bardziej, współcześnie, awansowany, ktoś mniej. Benny Goodman był świetnym klarnecistą, ale też świetnym biznesmenem. Jeden z krytyków powiedział o dwóch przyjaciołach, którzy w młodości pracowali razem dla Bena Pollacka, Benny Goodman i Glenn Miller: gdyby ci dwaj faceci zajęli się jakimkolwiek innym biznesem, odnieśliby sukces. Glenn Miller przeliczył każdy grosz. Niezbyt utalentowany muzyk, zebrał orkiestrę, aranżerów i stał się wielki.

W latach 30. mniejszą rolę odgrywali soliści. Spektakl miał zmieścić się za jakieś trzy minuty. Dlatego soliści nigdy nie grali pełnego kwadratu 32 taktów. Wszyscy soliści grali solo w kawałkach, podzielili plac na części. Dlatego soliści nie mogli wyrazić siebie, jak w bebopie.

Kwadrat to siatka harmoniczna (następność akordów) trwająca określoną liczbę taktów (najczęściej 32), leżąca u podstaw głównego tematu, na który, powtarzając, nakłada się improwizacja. Kompozycja jazzowa składa się najczęściej z szeregu takich kwadratów.

Duke Ellington – „Weź pociąg”

Władimir Tarasow

Era big bandów była wspaniała. Ja sam zaczynałem w big bandzie i uwielbiałem orkiestry Duke'a Ellingtona, Counta Basiego, Dona Ellisa, Gila Evansa, którzy ukształtowali myślenie kompozytorskie Milesa Davisa. Ważne dla big bandu kompetentna praca aranżer i talent lidera, dyrygenta. Słuchałem Orkiestry Duke'a Ellingtona przez dwanaście koncertów. W ogóle prawie nie improwizowały w ogólnie przyjętym tego słowa znaczeniu, grali ten sam program, ale każdy koncert był inny. To jest umiejętność muzyka – tu i teraz, w tym czasie i przestrzeni. Zagrali absolutnie niesamowicie. Sam Duke Ellington brzmiał i był częścią tego, co grał. Charyzma artysty, lidera, „rozpoczęła” orkiestrę. Kiedy Ellington zmarł, dosłownie miesiąc później usłyszałem, jak ta orkiestra gra w tym samym składzie, pod dyrekcją tylko jego syna Mercera Ellingtona. Był ten sam program, ci sami muzycy, ale zupełnie inna muzyka. W sztuce są przecież trzy stopnie – amatorska, zawodowa i mistrzowska. Duke Ellington był wielkim mistrzem. W Rosji jest dziś wielu profesjonalistów, ale niewielu mistrzów. Nie chodzi o technologię. Wszyscy wiemy, jak czytać notatki, książki, ale wciąż musimy zrozumieć znaczenie tekstu. Od tego są dobrzy liderzy orkiestry (i to nie tylko jazzowej) – odsłaniają nam zawartą w dźwięku „historię”.

5. Jazz w muzyce akademickiej i saksofoniści lat 30.

„Porgy i Bess”

niemiecki Łukjanowa

trębacz, flugelhorn, kompozytor, lider zespołu „Kadans”

Szostakowicz był na premierze Porgy and Bess w Leningradzie. Moja mama znała go, wiedziała, jak mówił o operze: „Trzydzieści procent dobrej muzyki”. Sto procent też bym nie dawał – są tam pewne słabości, nie można powiedzieć, że to nienaganne arcydzieło. Ale trzydzieści procent to bardzo mało. Oczywiście, że więcej niż połowa dobra muzyka. To muzyka zawierająca elementy sztuki jazzowej. Gershwin sympatyzował z jazzem, to dość oczywiste. Gdyby tak nie było, jazzmani nie graliby jego tematów. Wyczuwali w tym coś rodzimego - harmonię, rytm, estetykę. Ale był chętny do symfonizmu, skala jazzu wydawała mu się niewielka.

Coleman Hawkins - „Ciało i dusza”

Oleg Grymow

Hawkins wyznawał harmonijne podejście do improwizacji. Odkopywał każdy centymetr kwadratowy muzycznej tkaniny, starając się odsłonić wszystkie aspekty jazzowej harmonii. Przed nim niewiele osób grało na saksofonie tenorowym tak po mistrzowsku.

Lester Young – „Droga tam w Nowym Orleanie”

Aleksiej Krugłowa

Wśród muzyków, którzy w latach 30. uznali się za saksofonistę, osobowość Lestera Younga jest dla mnie szczególnie interesująca. To niesamowity muzyk, który całkowicie w stylu improwizacji swingowej, wciąż znacząco różni się od innych swingowych saksofonistów, w szczególności Bena Webstera i Colemana Hawkinsa. Jest to pod wieloma względami wszechogarniająca osobowość. Po pierwsze, oczywiście nie skłaniał się ku „gorącej” grze, często ma intonacje chul, co może przewidywać pojawienie się uboju jako stylu. Lester Young czasami używa przeróbek, sztuk, które stały się podstawą dla bopperów. Oczywiście ten moment nie był jego główną linią, często jego solówki są zbudowane na zwykłym siódmym rzędzie akordów przy użyciu zwrotów bluesowych, niemniej jednak tworzenie napięcia harmonicznego dzięki zastosowaniu częściowego ruchu bopowego ze zmianą, połączonego z zimnym graniem , robi wyjątkowe wrażenie.

Alteration - podniesienie lub obniżenie wysokości dźwięku bez zmiany jego nazwy.

Myślę, że nie tylko Lester Young, choć mimowolnie, wyszedł poza swój styl. Ten problem jest nadal wart zgłębienia, ponieważ temat opanowania w tym kierunku tylko na pierwszy rzut oka wydaje się łatwym zadaniem. W końcu jazzman to szczególny światopogląd, a tym bardziej – w okresie przedbopu, kiedy każdy muzyk nie starał się być kimś innym, ale podążał własną, oryginalną drogą.

Ciąg dalszy nastąpi