Salah satu penaklukan budaya penduduk kota Jepang pada masa transisi dari Abad Pertengahan ke zaman baru adalah perkembangan ritual upacara minum teh yang dipinjam dari biara-biara Zen dan dengan caranya sendiri bermakna. Pesta teh adalah bentuk komunikasi yang tersebar luas antara orang-orang di jejaring sosial yang berbeda. bola. Biksu Zen sudah masuk XIIdi. selama meditasi panjang dan malam, mereka berlatih minum teh kuil, untuk kucing. ada ritual tertentu. Di XIVdi. hiburan luas di Jepang adalah kompetisi teh, selama kucing. teh dari berbagai varietas disajikan kepada para peserta, dan mereka harus mencari tahu jenis teh dan tempat penanamannya. Kompetisi teh yang diselenggarakan oleh shogun dan penguasa feodal besar adalah yang paling megah. Mereka ditahan di kamar pradny perkebunan dan berubah menjadi upacara khusyuk. Di bawah shogun Ashikaga, kompetisi teh yang ramai secara bertahap berubah menjadi upacara minum teh untuk lingkaran sempit orang, yang diadakan di kediaman penguasa feodal dan disebut "sein-cha". Itu adalah ritual aristokrat seremonial, yang dibedakan oleh etiket dan kecanggihan yang ketat. Itu dihiasi dengan peralatan Cina yang mahal dan karya seni oleh master Cina. Pada babak kedua XVIdi. mangkuk teh dan semua aksesoris untuk membuat teh menjadi sangat penting. Seluruh tindakan itu diberikan bentuk yang tegas. Minum teh telah menjadi ritual yang rumit, berlandaskan filosofis, dan sengaja rumit. Sejalan dengan upacara minum teh sein-cha, jenis minum teh yang sama sekali berbeda berkembang di kalangan kelas bawah, kucing. disebut "chan-no eriai".petani menunjukkan selama periode ini sosial yang signifikan. aktivitas. Pemberontakan petani pecah di seluruh negeri. Pesta teh bersama, yang menjadi bentuk pertemuan petani, membantu mereka bersatu dalam memerangi perseteruan. penindasan. Pada pertemuan-pertemuan ini, tidak ada yang memikirkan jenis teh apa yang disajikan atau dari mana asalnya. Tidak ada perselisihan. Semua orang sedang duduk di sebuah ruangan kumuh di sebuah rumah desa, minum teh dari cangkir yang kebetulan dimiliki pemiliknya. Minum teh di kalangan pedagang dan pengrajin kota-kota Jepang juga awalnya bukan sebuah upacara. Itu adalah kesempatan untuk komunikasi dan bentuk komunikasi. Mereka menghargai perasaan kesetaraan, kebebasan, kedekatan spiritual dan kesatuan pandangan, serta kesederhanaan dan kemudahan suasana. Dari unsur-unsur yang heterogen dan beragam ini, upacara minum teh secara bertahap terbentuk, yang menjadi salah satu komponen terpenting dari satu kompleks budaya tradisional Jepang. Awal proses ini dikaitkan dengan nama biksu Murata Juko (1422-1502). Juko merasa dekat dengan rakyat, hubungannya dengan petani. Dia menemukan di pesta teh mereka jenis kecantikan sederhana cha no eriai, seekor kucing. tidak ada sein-cha dalam upacara minum teh. Mengambil minum teh pedesaan sebagai dasar, ia mulai mengembangkan jenis upacara baru, bebas dari keindahan dan kerumitan yang berlebihan. Ini adalah awal dari upacara minum teh wabi-cha (sederhana, menyendiri). Juko lebih menyukai upacara di kamar kecil yang sederhana (4 setengah tatami). Barisan formasi upacara minum teh ini dilanjutkan oleh Sen Rikyu, yang dianggap paling terkenal dari semua ahli upacara. Rikyu mengurangi ukuran chashitsu menjadi 3 dan bahkan 2 tatami, meminimalkan dekorasi di ruangan dan jumlah aksesori yang digunakan dalam upacara, membuat keseluruhan karakter ritual lebih sederhana dan ketat. Nijiriguchi (lubang merangkak) berukuran sekitar 60 x 66 cm, untuk menekankan keunggulan spiritual di atas materi. Rikyu melanjutkan dan menyelesaikan kursus penyederhanaan dan keberangkatan Murata Juko dari standar Cina dalam estetika dan desain upacara minum teh. Alih-alih aksesoris teh Cina yang mahal, mereka mulai menggunakan barang-barang sederhana yang terbuat dari bambu dan keramik buatan Jepang. Pergantian ke kesederhanaan seperti itu memperluas lingkaran pecinta upacara minum teh.Gulungan dengan lukisan dan puisi Jepang mulai digunakan untuk dekorasi. Rikyu memperkenalkan komposisi kecil sederhana dari cabang dan bunga, mencoba mengisinya dengan konten dalam dan menjadikannya atribut wajib dari upacara minum teh, menyebutnya "chabana". Hal inilah yang mendorong berkembangnya i-wa ikebana. Beban spiritual minum teh ditentukan oleh persyaratan upacara dan etiket. Pencapaian yang sangat diperlukan dari harmoni eksternal dalam suasana dan perilaku para peserta pesta teh ditentukan, kucing harus menjadi cerminan dari internal. Etiket menentukan topik percakapan yang diinginkan: seni, keindahan lingkungan, puisi.(Upacara minum teh di taman Jepang di Kebun Raya )

karya seni Dinasti keramik Jepang Raku menempati tempat khusus dan unik dalam sejarah keramik dan seluruh seni dekoratif dan terapan Jepang. Dinasti pengrajin Kyoto mempertahankan kesinambungan selama lima belas generasi, terus menciptakan keramik dalam tradisi artistik yang sama di mana ia berasal pada pertengahan abad ke-16.

Produk-produk perwakilan dinasti Raku pada awalnya tidak difokuskan pada produksi massal atau bahkan serial, tetapi pada penciptaan karya-karya unik untuk lingkaran sempit penikmat upacara minum teh cha-no-yu. Repertoar lokakarya terutama terdiri dari mangkuk teh (tyavan), pembakar dupa (koro), kotak dupa (kogo) yang lebih jarang dan vas untuk merangkai bunga (kabin). Keterbatasan yang tampak pada kemampuan pengrajin Raku ini menyebabkan penyempurnaan dan kristalisasi gaya bengkel. Semua barang-barang ini memiliki jejak yang jelas dari individualitas para empu yang menciptakannya, dan waktu di mana mereka berasal.

Teknologi keluarga Raku didasarkan pada teknik pencetakan dan kaca yang dikembangkan pada akhir abad ke-16 selama karya master yang luar biasa, pendiri dinasti Raku, Raku Tejiro: (楽　長次郎, ?-1589 ). Produk dicetak dengan tangan (mungkin karena plastisitas rendah dari tanah liat lokal, yang tidak memungkinkan untuk menggambarnya pada roda tembikar) dan ditutup dengan glasir timah leleh rendah dengan cara polikrom (meniru Sancai Cina tiga warna). keramik era Ming (1368-1644)) atau glasir merah dan hitam monokrom. Itu adalah produk monokrom yang menjadi paling terkenal di kalangan ahli teh dan menerima nama aka-raku (raku merah) dan kuro-raku (raku hitam).


Tahap teknologi Raku yang paling khas adalah penembakan: pada suhu di ruang pembakaran dari 850 hingga 1000 ° C, produk dengan cepat dikeluarkan dan didinginkan di udara terbuka atau dengan perendaman dalam air (teh hijau). Baik bentuk mangkuk yang bersahaja, tetapi hidup dan ekspresif, dan efek glasir yang terjadi selama pendinginan mendadak, memberikan ekspresi dan individualitas pada produk bengkel, dan memenuhi persyaratan estetika wabi yang menentukan upacara minum teh Sen no. Rikyu (1522-1591) dan pengikut terdekatnya. Pada abad ke-17, pengakuan gaya keramik yang inovatif ini dinyatakan tidak hanya dalam mahalnya chawan di bengkel Raku, tetapi juga dalam banyak tiruan dan interpretasi utsushi ("menyalin dengan perbedaan") yang dibuat oleh berbagai keramik seniman. Hon'ami Koetsu (1558-1673) dan Ogata Kenzan (1663-1743), pengrajin paling berpengaruh pada periode Edo (1603-1868), belajar dengan master keluarga Raku dan membentuk interpretasi gaya mereka sendiri yang jelas.

Dengan demikian, di Jepang pada abad ke-17, baik produk dari keluarga Raku maupun yang dibuat oleh pengrajin keramik dari bengkel lain dan seniman independen dalam "gaya raku" sudah ada. Terlepas dari kenyataan bahwa nama jenis tembikar khusus menjadi nama yang tepat, diturunkan dari Raku Tejiro: Saya di bengkel Kyoto, istilah "raku" memperoleh arti independen. Jadi mereka mulai menyebut keramik yang dibuat dalam tradisi teknologi dan estetika bengkel keramik terkenal. Sejumlah besar produk dalam gaya raku (kebanyakan juga ditujukan untuk upacara minum teh cha-no-yu) juga dibuat oleh para pengrajin selama abad ke-17 hingga ke-19.

Pembukaan Jepang ke Barat pada pertengahan abad ke-19 menyebabkan peminjaman luas bentuk dan motif dekoratif dari seni rupa dan dekoratif Jepang oleh para master Barat. Namun, keramik bengkel Raku tidak menarik perhatian penikmat Barat sampai awal abad ke-20, karena tidak memenuhi harapan perusahaan perdagangan besar dan tidak memiliki efek dekoratif yang menarik yang membedakan produk ekspor Jepang. bengkel keramik paruh kedua abad ke-19.


Pelukis dan ahli keramik Inggris Bernard Leach (1887-1979)

Saat ini, istilah "raku" banyak digunakan oleh para pembuat keramik di Rusia, Eropa Barat dan Timur, negara-negara Skandinavia, dan Amerika Serikat. Namun, konsep "raku keramik" telah mengalami perubahan signifikan saat menyebar ke seluruh dunia, dan pertimbangan tentang masalah pembentukan "raku Eropa" dan "Amerika" tampaknya relevan.

Orang Eropa pertama yang memperkenalkan keramik gaya raku kepada pengrajin Barat adalah seniman dan ahli keramik Inggris Bernard Leach (1887-1979). Setelah menerima pendidikan seni di London, ia datang ke Jepang di bawah pengaruh buku-buku Patrick Lafcadio Hearn (1850-1904), yang menggambarkan Jepang sebagai negara dengan budaya yang canggih, alam yang indah, damai, pekerja keras, dan wanita cantik. . Setelah berada di Jepang pada tahun 1909, Leach berkenalan dengan lingkaran Shirakaba (Birch Putih) dari para filsuf dan seniman muda Jepang, yang menerbitkan majalah sastra dan seni dengan nama yang sama dan berusaha untuk menyajikan kepada berbagai pembaca warisan seni dunia, praktis tidak dikenal di Jepang sampai akhir abad ke-19.

Kegiatan B. Leach dalam asosiasi ini awalnya ditujukan untuk mempopulerkan cetakan Eropa. Pada saat yang sama, pekerjaan aktifnya di Shirakaba memperkenalkannya kepada para pemikir dan seniman muda seperti Yanagi So:etsu (柳宗悦, 1889-1961), Hamada Se:ji (濱田 庄司, 1894-1978) dan Tomimoto Kenkichi (富本, 1886-1963). Pada tahun 1911, setelah pameran tunggal di Tokyo, Leach mengambil tempat tertentu dalam kehidupan artistik Tokyo dan di seluruh Jepang sebagai pengukir dan desainer tekstil. Pada tahun yang sama, dia dan Tomimoto Kenkichi diundang ke "pertemuan raku" (dalam buku hariannya Leach menyebut mereka pesta raku).

Pertemuan semacam itu adalah bentuk rekreasi intelektual dan kreatif yang populer di kalangan orang Jepang yang berpendidikan. Para tamu diberikan produk keramik yang sebelumnya telah mengalami tembakan penyelamatan; para peserta melukis dan melapisinya dan menyaksikan penembakan itu, yang sangat spektakuler di malam hari, ketika benda-benda merah-panas dikeluarkan dari tungku dan perlahan-lahan mendingin di udara. Untuk melukis, mereka berkumpul di ruangan rumah teh (chashitsu), yang menekankan suasana santai pertemuan yang akrab dan hubungannya dengan tradisi minum teh.

Sampai saat itu, B. Leach, meskipun tertarik dengan keramik dalam kerangka Sirakaba, tidak berpikir untuk bekerja dengan bahan ini. Partisipasi dalam "pertemuan raku", tontonan penembakan dan berbagai hasil yang dicapai oleh berbagai peserta dalam pertemuan tersebut, memaksa seniman untuk secara radikal mengubah karir artistiknya.

Produk pertama Bernard Leach, dibuat di "pesta raku", adalah hidangan dengan gambar burung beo. Motif dekoratif ini dipinjam dari repertoar lukisan kobalt underglaze dari porselen Ming Cina (1368-1644). Dilihat dari deskripsi hidangan ini, itu adalah polikrom, serta produk amatir lainnya dari pesta tersebut, yang cukup sering dihiasi dengan lukisan underglaze dan tidak mirip dengan produk asli Raku. Fakta ini menunjukkan bahwa di Jepang pada awal abad ke-20, teknologi raku memperoleh kemandirian tertentu, tidak lagi sesuai dengan tradisi keluarga asli, dan dianggap sebagai salah satu metode dekorasi keramik yang terkenal.

Pada saat yang sama, perlu dicatat bahwa pertemuan raku jelas terkait dengan tradisi lama kreativitas artistik, yang berakar pada etika dan estetika upacara minum teh, kreativitas puitis bersama, kompetisi kaligrafi, master ikebana abad ke-17 hingga ke-19. . Kembalinya tradisi ini pada awal abad ke-20 menandai tahap penting dalam pembentukan budaya nasional modern Jepang: bentuk-bentuk budaya dan seni yang terkait dengan budaya elit otoritatif Jepang kuno kembali diminati. Merupakan ciri khas bahwa pada saat inilah di Jepang terjadi kebangkitan kembali minat pada upacara minum teh cha-no-yu itu sendiri, pada praktik minum teh sencha-do dan seni tradisional lainnya, serta pada filosofi religius dan estetika. ajaran.

Setelah beberapa kali mencoba menguasai tembikar dan lukisan keramik sendiri, B. Leach mulai mencari guru di Tokyo. Antara lain, ia mengunjungi bengkel Horikawa Mitsuzan, yang mengkhususkan diri dalam gaya raku. Namun, Leach menemukan saling pengertian yang lebih besar dengan Urano Shigekichi (浦野繁吉, 1851-1923, Kenzan VI), yang keramiknya mewarisi tradisi master terkemuka Ogata Kenzan (Kenzan I, 1663-1743). Meskipun, menurut Leach, karya Urano Shigekichi dan komitmen untuk dekorasi di sekolah seni Rimpa tidak memiliki energi dan kekuatan, master ini memiliki semua pengetahuan teknis yang dimiliki oleh dinasti keramikis tua dan termasyhur, dan siap untuk mengajar siswa asing dasar-dasar dekorasi keramik.

Selama dua tahun, Leach bekerja di bengkel Urano Shigekichi bersama Tomimoto Kenkichi, yang pada awalnya juga bertindak sebagai penerjemah, karena Leach belum cukup mengenal bahasa Jepang. Di bengkel Urano, pembuatan cetakan bukanlah bagian dari pekerjaan: blanko untuk melukis dibeli dari bengkel lain atau dibuat oleh pembuat tembikar yang diundang, tetapi Leach juga mulai menguasai tembikar agar dapat membuat cetakan sendiri. Dia mencatat bahwa, bukan orang Jepang, dia tidak bisa sepenuhnya merasakan sifat bentuk dan dekorasi tradisional. Banyak dari karya-karya awal (1911-1913) sang master menafsirkan keramik gaya Eropa dengan cara yang aneh dalam terang tembikar Jepang dan tradisi artistik. Belakangan, keramik dari seluruh negara Timur Jauh dan Afrika juga akan memiliki pengaruh besar pada karya Leach.


Setelah satu tahun magang, Urano mengizinkan B. Leach untuk mendirikan bengkelnya sendiri di sudut taman di tanah miliknya dan membangun tungku raku kecil. Setahun setelah pembangunan bengkel ini, Urano menghadiahkan dia dan Tomimoto Kenkichi dengan sertifikat resmi (padat :) pewarisan tradisi keluarga Kenzan, dan Bernard Leach secara resmi diakui sebagai penguasa Kenzan VII.

Bersamaan dengan nama Kenzan, Bernard Leach juga menerima koleksi dokumen "keluarga" dengan resep glasir dan rahasia produksi lainnya, termasuk dasar-dasar penembakan "raku", yang merupakan bagian dari warisan keluarga Kenzan. Selanjutnya, Leach sebagian menerbitkannya dalam karya-karyanya, termasuk "Buku Potter", yang diterbitkan pada tahun 1940 dan yang memiliki dampak besar pada keramik bengkel-bengkel Barat pada pertengahan abad kedua puluh. Leach membuat teknologi tradisional tersedia bagi semua pembuat keramik yang tertarik untuk memperkaya bahasa artistik keramik studio. Sepanjang kehidupan kreatifnya, sang master berulang kali beralih ke teknik raku, baik saat bekerja di Jepang maupun di St. Ives.

Berbicara tentang keadaan umum keramik artistik Eropa pada awal abad ke-20, perlu dicatat bahwa B. Leach-lah yang menjadi seniman pertama di Eropa yang mendirikan studio independen (pada 1920 di St. Ives, Cornwall, setelah kembali ke Inggris). Secara bertahap, Leach dan Yanagi So:etsu mengembangkan pemahaman baru tentang peran pengrajin dalam tradisi seni dunia: sebagian bertepatan dengan ide-ide William Morris dan Gerakan Seni dan Kerajinan (sejarah gerakan ini sering menjadi topik di percakapan Bernard Leach dan Yanagi So:etsu). Seperti Morris, Leach menentang industrialisasi kerajinan dan transformasinya menjadi produksi terpadu.

Bagi Yanagi So:etsu, serta bagi banyak seniman dan pemikir Jepang pada awal abad kedua puluh, prospek industrialisasi Jepang baru yang tak terhindarkan tampaknya merupakan ancaman serius bagi budaya asli kerajinan tangan dan kerajinan rakyat. Pada 1920-an, keinginan untuk melestarikan tradisi rakyat menghasilkan gerakan Mingei yang berpengaruh, yang didirikan oleh Hamada Shoji dan Kawai Kanjiro: (河井寛次郎, 1890-1978). Tradisi bengkel keramik tua dihidupkan kembali pada 1930-an oleh Arakawa Toyozo: (荒川 , 1894-1985) dan terutama menyangkut keramik bengkel Mino-Seto di era Momoyama (1573-1615).

Rehabilitasi seni lama merupakan bagian penting dari kebijakan nasional Jepang pada paruh pertama abad ke-20; kebijakan ini mendapat tanggapan paling tulus dan antusias dari para filsuf dan seniman pada masa itu. The Book of Tea oleh Okakura Kokuzo (岡倉 , 1862-1913), diterbitkan pada tahun 1906, memiliki pengaruh besar pada pembentukan minat pada tradisi nasional - salah satu program bekerja pada seni tradisional, di mana etika dan nilai estetika upacara minum teh dibenarkan cha-but yu. Diterbitkan dalam bahasa Inggris, buku ini telah menjadi wahyu bagi pembaca Barat. Seiring dengan The Potter's Book oleh Bernard Leach, The Book of Tea memiliki dampak besar tidak hanya pada keramik di negara-negara Barat, tetapi juga pada berbagai seniman, penulis dan pemikir pada pertengahan abad kedua puluh.

Di Cornwall, Bernard Leach dan Hamada Sho:ji terlibat tidak hanya dalam kegiatan kreatif, tetapi juga dalam kegiatan pedagogis. Salah satu mahasiswa Amerika pertama Leach adalah Warren McKenzie (lahir 1924), yang belajar di bengkel St. Ives dari tahun 1949 hingga 1951.

Selama akhir 1940-an dan awal 1950-an minat seniman Amerika terhadap tradisi tembikar Jepang tumbuh. Setelah penurunan ekonomi yang panjang dari Depresi Hebat dan militerisasi ekonomi selama Perang Dunia Kedua, masa stabilitas datang di Amerika Serikat, yang tidak dapat tidak mempengaruhi perkembangan seni dan kerajinan. Pada pertengahan abad ke-20, minat para ahli keramik Amerika terutama terkonsentrasi pada peningkatan teknik keramik dan formulasi glasir. Pada dekade pascaperang, estetika seni terapan - tidak hanya dalam keramik, tetapi juga dalam desain furnitur, tekstil artistik, dll. - berubah secara radikal. Proliferasi bahan baru yang dibuat oleh industri militer telah menyebabkan perluasan kemungkinan desain.

Ceramah oleh Shoji Hamada yang legendaris

Mulai tahun 1950, Craft Horizons mulai menampilkan publikasi tentang karya master seni dan kerajinan; pada tahun 1953, Dewan Pendidikan Pengrajin Amerika mengadakan pameran "perancang-perajin" bersama dengan Museum Brooklyn; pada tahun 1956, Museum of Modern Crafts di New York dibuka oleh asosiasi yang sama. Jumlah lembaga pendidikan yang mempelajari kerajinan dan seni dan kerajinan tumbuh, dan secara bertahap lingkungan yang bermanfaat diciptakan di Amerika Serikat untuk karya seniman, master dari berbagai jenis seni dan kerajinan.

Dunia pascaperang yang berubah dengan cepat menuntut bahasa artistik baru. Setelah Perang Dunia II, dunia berkembang secara signifikan, dan minat di negara-negara Timur juga tumbuh. Kehadiran pangkalan militer Amerika di Jepang, sebagai efek samping, menyebabkan perluasan persepsi Amerika tentang budaya yang jauh dan minat yang berkelanjutan di Jepang. Estetika Jepang secara bertahap menaklukkan pikiran dan hati seniman Amerika: ide-ide seni "organik", kedekatan dengan bentuk-bentuk alami - semua ini merupakan respons terhadap budaya teknogenik dan desain masa perang.

Ketertarikan juga muncul pada budaya spiritual Jepang, yang berfokus pada Zen Buddhisme. Pengetahuan tentang sekolah Buddhis ini menyebar di Barat berkat publikasi dan kegiatan pendidikan aktif Suzuki Daisetsu Teitaro: (鈴木 , 1870-1966) dan cendekiawan dan filsuf agama Alan Wilson Watts (Alan Watts, 1915-1973). Selain aktivitas Watts sebagai pempopuler Buddhisme Zen, perlu dicatat gagasannya tentang estetika seni terapan, yang lahir di bawah pengaruh komune Druid Heights (California, AS). Penghuni komune ini, yang didirikan oleh penulis Elsa Gidlow (1898-1986), termasuk Alan Watts, menciptakan sendiri semua barang rumah tangga yang diperlukan, dipandu oleh gagasan estetika alami dan fungsional. Watts melihat hubungan langsung antara bentuk sederhana "estetika terapan" seniman amatir Amerika dan estetika hal-hal yang diciptakan dalam semangat estetika wabi Jepang untuk seni yang berkembang sejalan dengan tradisi Zen (upacara minum teh, bunga penataan ikebana, dll). Pada saat yang sama, baik etika Buddhisme Zen dan estetikanya dianggap oleh Watts dan para pengikutnya sebagai cara "imigrasi internal", menemukan suara mereka sendiri dalam keadaan konservatif dan menyatukan semua bentuk kehidupan di Amerika. Keramik "bentuk bebas" menjadi terkenal dalam seni dan kerajinan Amerika Serikat.

Pengaruh besar pada keramik Amerika pada 1950-an adalah Bernard Leach, yang karyanya The Potter's Book diterbitkan di Amerika Serikat pada 1947. Namun, kedatangan master bahasa Inggris Yanagi So:etsu dan Hamada Se:ji di AS dengan serangkaian kuliah dan kelas master pada tahun 1952, setelah konferensi yang diadakan di Dartington Hall (Devonshire), memiliki pengaruh terbesar pada para seniman. Konferensi Anglo-Jepang ini didedikasikan untuk seni keramik dan tenun artistik, tugas utamanya adalah untuk menunjukkan kemungkinan luas kerjasama internasional di bidang artistik ini.

Berkat kelas master Hamada Shoji (sang master jarang memberikan kuliah umum, tetapi di mana-mana ia menemukan kesempatan untuk mendemonstrasikan karyanya - di atas roda pembuat tembikar dan dengan tanah liat apa pun yang diberikan kepadanya), ahli keramik Amerika berkenalan dengan plastik khusus kualitas keramik Jepang. Keramik Jepang mulai dipertimbangkan dalam hal seni pahat, dengan segala kemungkinan bentuk seni ini dalam menciptakan bentuk yang kompleks, dalam interaksi dengan ruang di sekitarnya, dengan mempertimbangkan pentingnya tekstur (dan warna) untuk menyampaikan dinamika internal seni. bentuk, dll.

Pada 1950-an dan 1960-an, master Jepang terkemuka seperti Kitaoji Rosanjin (北大路 , 1883-1959) dan Kaneshige Toyo: (金重 , 1896-1967) juga mengunjungi Amerika Serikat, yang memiliki pengaruh besar pada seniman Amerika. Salah satu peserta yang paling tertarik dalam kuliah dan kelas master semacam itu adalah Paul Soldner (1921-2011), yang dianggap sebagai penemu "raku Amerika", yang, seiring waktu, menjadi tren keramik pan-Barat. Dia adalah murid dari salah satu seniman keramik paling terkemuka dan berpengaruh pada masanya, Peter Voulkos (Panagiotis Voulkos, 1924-2002). Perbedaan usia yang kecil - hanya tiga tahun - antara guru dan siswa memungkinkan para master untuk bereksperimen bersama dan mencari bentuk keramik baru.

Soldner sangat dipengaruhi oleh filosofi Zen, upacara minum teh, dan karya para pembuat tembikar Jepang, tetapi fenomena ini tidak memiliki banyak pengaruh pada karya awalnya - benda-benda monumental berbentuk rumit yang dibuat di atas roda pembuat tembikar. Namun, pada tahun 1960, saat mempersiapkan kelas untuk siswa di Institut Scripps, ia menjadi tertarik pada keramik Raku dan menemukan kemungkinan tak terbatas dari kebebasan kreativitas dan karakteristik improvisasi dari jenis keramik ini.

Soldner meninggalkan bentuk-bentuk kompleks demi "organik", dekat dengan yang alami, yang juga menyebabkan ditinggalkannya metode pencetakan roda pembuat tembikar mulai lebih mirip dengan yang diadopsi di bengkel Raku di Kyoto. Penembakan membutuhkan penelitian khusus: perubahan terbesar (dibandingkan dengan raku Jepang) dibuat pada tahap pembuatan produk keramik ini.

Sebagai sumber informasi utama, Soldner menggunakan deskripsi keramik Raku dan teknologi pembuatannya dalam "Buku Potter" oleh B. Leach. Menggunakan deskripsi singkat dan menggambar berdasarkan pengalamannya sendiri, Soldner membuat tungku kecil. Setelah beberapa jam menembak, Soldner mengeluarkan pot keramik yang panas dan membara dan membungkusnya dengan daun basah dari parit drainase terdekat, menciptakan lingkungan yang berkurang saat potongan mendingin. Proses ini disebut keramik "merokok" (merokok) dan sangat berbeda dari metode tradisional Jepang untuk mendinginkan produk raku dalam lingkungan pengoksidasi. Namun demikian, metode inilah yang meletakkan dasar untuk apa yang disebut "kanker Amerika" dan menyebar ke banyak negara di dunia.


Soldner terus membuat kiln dengan desainnya sendiri: pada tahun 1960-an, ia membangun sebelas kiln untuk produk pembakaran pada suhu yang berbeda dan dalam kondisi redoks yang berbeda, termasuk kiln dan ruang reduksi untuk raku. Ruang baja tertutup-perokok berdiameter sekitar 1,2 m dan memungkinkan untuk mendinginkan 6-10 produk secara bersamaan dalam lingkungan yang tereduksi. Untuk melakukan oksidasi parsial pada permukaan produk (yang memberi mereka individualitas yang cerah), tutup tungku semacam itu dapat naik untuk sementara waktu. Jadi, selama banyak eksperimennya dengan oven rancangannya sendiri, glasir resep yang berbeda dan bentuk produk yang berbeda, Soldner sangat jauh dari teknik asli Jepang yang digunakan dalam oven Raku tradisional.

Perlakuan bebas seperti resep tradisional didikte oleh keyakinan mendalam Soldner kebutuhan untuk bergerak maju, dipandu hanya oleh intuisi dan pengalaman. Pada saat yang sama, ekspresionisme abstrak, dengan komitmen khusus untuk spontanitas dan ketidakpastian hasil kreasi artistik, menurut ide-ide seniman - sezaman Soldner, sebanding dengan prinsip-prinsip kealamian dan spontanitas Zen. Dengan demikian, tradisi abad pertengahan Jepang di pertengahan abad kedua puluh terdengar sangat modern.

Mangkuk Chawan, yang dibuat oleh Soldner dengan sekelompok siswa Otis pada tahun 1960-an, dibedakan oleh aslinya dan, pada saat yang sama, interpretasi yang cermat dari tradisi keramik Jepang. Bentuknya mirip dengan bahasa Jepang; permukaan yang tidak rata dari sisi mangkuk ditutupi dengan bebas
garis-garis glasir berwarna (hitam, merah, kuning atau coklat), di mana craquelur berwarna besar berada. Sang master beralih ke bentuk klasik keramik Jepang ini sepanjang karir kreatifnya yang panjang, menghadirkan fitur orisinal baru dan baru ke gaya bebas raku. Pada 1980-an, mencoba bentuk yang lebih kompleks, sudah dekat dengan patung dan objek seni, Soldner juga memperumit dekorasi: sang master menerapkan lapisan glasir dengan ketebalan berbeda, menciptakan transisi kompleks dari pecahan tanpa glasir ke area glasir berwarna yang tebal dan mengalir. .

Pada pameran 2012, Museum Seni Missoula menunjukkan sebuah kapal besar yang hampir bulat karya Paul Soldner, dilapisi glasir cokelat dan dibakar dalam tradisi raku. Bejana serupa dalam bentuk yang terbuat dari massa keramik abu-abu gelap ditutupi dengan lapisan tipis glasir dan dihiasi di atasnya dengan engobe dan glasir berwarna - ekspresionis, pola abstrak dari goresan dan garis berpotongan, kesan templat kayu dengan pola yang berbeda - dalam bentuk garis sisir, lekukan kecil, dll.

Pada 1960-an, di antara para pembuat keramik Amerika, sudah ada beberapa gagasan tentang apa itu "raku": benda-benda itu ditembakkan di ruang berasap ("dihisap"), atau ditembakkan dan didinginkan di ruang dengan bahan bakar yang membara atau di dalam air. . Keragaman tersebut dicatat pada awal abad ke-21 dalam deskripsi teknologi "raku" oleh Stephen Branfman: ia mendefinisikan keramik "raku" sebagai yang dibakar dalam tungku yang dipanaskan sebelumnya, dikeluarkan dari tungku pada suhu maksimum di ruang pembakaran dan didinginkan secara perlahan dalam air, dalam wadah dengan bahan yang mudah terbakar atau hanya di luar ruangan.

Paul Soldner menghindari mendefinisikan tembikar raku secara unik melalui teknologi. Dia berangkat dari gagasan bahwa kualitas utama keramik Raku - kebebasan dan kenyamanan batin - terletak di luar teknologi, di bidang pemahaman artistik tentang kehidupan. Sang master memiliki kesempatan untuk melihat perbedaan antara tekniknya sendiri dan tradisi asli keluarga Raku selama kunjungannya ke Jepang pada akhir 1990-an. Namun, pada saat itu, teknologi produk tembak, yang diusulkan olehnya pada 1960-an, telah dikenal sebagai "raku" jauh melampaui batas Amerika Serikat - berkat pameran, publikasi, dan kegiatan pedagogis Soldner sendiri dan murid-muridnya. dan pengikut. Saat ini, ada sejumlah besar ahli keramik di Amerika Serikat yang melanjutkan tradisi menembak raku Amerika, tetapi berbagai versi teknik ini ada di negara-negara Barat lainnya.

Keramik Inggris David Roberts (David Roberts, b. 1947) adalah salah satu seniman raku kontemporer paling berpengaruh. Karyanya tidak hanya merupakan penggambaran ulang bahasa Inggris baru dari tembikar Jepang ini, tetapi juga menyebabkan kebangkitan minat pada kanker di Amerika Serikat, di mana ia menciptakan gerakan Naked Raku untuk membuat tembikar ini lebih modern.

Bentuk monumental dari gerabah ini dibuat dengan cetakan tangan (dengan membangun bundel), kemudian permukaannya diratakan dan setelah pembakaran biskuit (sekitar 1000-1100 °C) kadang-kadang ditutup dengan lapisan engobe tipis, dan kemudian dengan glasir . Penembakan "raku" kedua pada suhu 850-900 °C berakhir dengan "pengasapan" produk yang lama di lingkungan yang tereduksi - dalam wadah dengan kertas dan sedikit serbuk gergaji. Dalam beberapa menit, pewarna dan senyawa engobe dan tanah liat dipulihkan. Produk jadi dicuci, dan dalam proses pencucian, glasir dikupas dari permukaan, memperlihatkan engobe putih dengan pola aneh dari permukaan yang menghitam (itulah sebabnya teknologi ini disebut "raku telanjang"). Dalam beberapa kasus, produk jadi digosok dengan lilin alami untuk memberikan permukaan kilau yang dalam.

Diputuskan dalam hitam dan putih singkat, karya terbaru Roberts tampaknya diukir dari batu: marmer putih dengan urat kompleks atau hematit. Semua permukaan - matt atau dipoles - memiliki kilau yang dalam tanpa pantulan terang, cahaya yang menyebar dengan lembut. Dapat diingat bahwa kemampuan batu inilah - yaitu giok - yang menjadikannya bahan yang mulia di mata orang Cina dan menyebabkan sejumlah imitasi batu giok di porselen dan keramik Cina (mulai dari abad ke-12) dan Jepang (dari abad ke-8).

Tembikar Roberts jauh dari karya bengkel Raku Jepang seperti halnya eksperimen Paul Soldner. "Raku" miliknya, pada gilirannya, menyebabkan munculnya galaksi master terang dari raku "telanjang" baru di banyak negara di dunia. Master Barat termasuk Charlie dan Linda Riggs (Charlie, Linda Riggs, Atlanta, AS) dan Paolo Reis (Afrika Selatan).

Di bengkel yang berbeda, seniman bereksperimen dengan komposisi yang berbeda dari tanah liat, engobes dan glasir, bahan mudah terbakar yang berbeda untuk proses restorasi di ruang merokok, serta dengan bentuk baru produk keramik - dari vas tradisional hingga elemen
dekorasi interior dan benda seni. Banyak pembuat keramik di Rusia dan negara-negara tetangga membuat karya dalam teknologi "raku Amerika" dan mengikuti gaya produk tradisional Jepang dengan bentuk organik kasar, kaya warna glasir.

Menyimpulkan studi tentang fenomena "keramik raku" dalam karya keramik Barat abad ke-20 - awal abad ke-21, harus dikatakan bahwa istilah "keramik raku" telah menerima interpretasi yang sangat luas dalam literatur modern tentang seni dekoratif dan seni dekoratif. keramik, serta dalam praktek keramik. Menurut isinya, definisi "kanker" berikut dapat dibedakan:

Keramik yang dibuat dengan teknologi dan estetika tradisional Jepang oleh pengrajin dari keluarga Raku (Kyoto);
keramik yang dibuat dengan teknologi tradisional Jepang di bengkel lain di Jepang;
terakhir, keramik empu Barat yang memaknai tradisi Jepang baik dari segi teknologi maupun estetika.

Terlepas dari keragaman teknologi dan gaya yang hebat dari jenis keramik, dirangkum dalam kelompok ketiga, mereka disatukan oleh satu prinsip artistik yang penting: mengikuti alam, bekerja sama dengannya dalam menciptakan gambar artistik (yang sesuai dengan "arah organik" dan prinsip-prinsip metabolisme dalam arsitektur dan desain abad kedua puluh).

Prinsip ini, yang diasosiasikan dalam kesadaran Barat terutama dengan filosofi Zen dan estetika wabi, memungkinkan semua ahli keramik modern menganggap diri mereka sebagai penerus dan penafsir tradisi spiritual dan tembikar Jepang, tidak peduli seberapa jauh karya mereka dari "sumber asli". Kebebasan dan spontanitas kreativitas, kerjasama master dengan materi, ketidakpastian hasil akhir dan orisinalitas estetika membuat keramik Raku menarik bagi semua seniman.

Keramik Jepang dari keluarga Raku, yang mempertahankan fondasi teknologi dan estetika sejak abad ke-16, dengan demikian terbukti menjadi salah satu jenis seni dan kerajinan paling berpengaruh di abad ke-20.

Orang Jepang menemukan keindahan yang tersembunyi dalam berbagai hal pada abad ke-9-12, di era Heian (794-1185) dan bahkan menetapkannya dengan konsep khusus "mono no avare" (jap.???? (???? ??)) , yang berarti "pesona hal-hal yang menyedihkan." "Pesona benda" adalah salah satu definisi paling awal tentang kecantikan dalam sastra Jepang, hal ini terkait dengan kepercayaan Shinto bahwa setiap benda memiliki dewanya sendiri - kami - dan pesona uniknya sendiri. Avare adalah esensi batin dari segala sesuatu, yang menyebabkan kegembiraan, kegembiraan.

Washi (wasi) atau wagami (wagami).
Pembuatan kertas manual. Orang Jepang abad pertengahan menghargai washi tidak hanya karena kualitas praktisnya, tetapi juga karena keindahannya. Dia terkenal karena kehalusannya, hampir transparan, yang, bagaimanapun, tidak menghilangkan kekuatannya. Washi dibuat dari kulit pohon kozo (murbei) dan beberapa pohon lainnya.
Kertas Washi telah diawetkan selama berabad-abad, buktinya adalah album dan volume kaligrafi Jepang kuno, lukisan, layar, ukiran yang telah turun selama berabad-abad hingga saat ini.
Kertas Vasya berserat, jika Anda melihat melalui mikroskop, Anda akan melihat celah-celah yang menembus udara dan sinar matahari. Kualitas ini digunakan dalam pembuatan layar dan lentera tradisional Jepang.
Suvenir Washi sangat populer di kalangan orang Eropa. Banyak barang kecil dan berguna dibuat dari kertas ini: dompet, amplop, kipas angin. Mereka cukup tahan lama namun ringan.

komono.
Apa yang tersisa dari kimono setelah habis waktunya? Apakah Anda pikir itu dibuang? Tidak ada yang seperti ini! Orang Jepang tidak akan pernah melakukan itu. Kimono mahal. Tidak terpikirkan dan tidak mungkin untuk dibuang begitu saja... Seiring dengan daur ulang kimono jenis lain, pengrajin wanita membuat suvenir kecil dari potongan-potongan kecil. Ini adalah mainan kecil untuk anak-anak, boneka, bros, karangan bunga, perhiasan wanita dan produk lainnya, kimono tua digunakan dalam pembuatan barang-barang kecil yang lucu, yang secara kolektif disebut "komono". Hal-hal kecil yang akan mengambil kehidupan mereka sendiri, melanjutkan jalan kimono. Berikut adalah arti dari kata "komono".

Mizuhiki.
Analog Macrame. Ini adalah seni terapan Jepang kuno untuk mengikat berbagai simpul dari tali khusus dan membuat pola darinya. Karya seni semacam itu memiliki cakupan yang sangat luas - mulai dari kartu hadiah dan surat hingga gaya rambut dan tas tangan. Saat ini, mizuhiki sangat banyak digunakan dalam industri hadiah - untuk setiap acara dalam hidup, hadiah seharusnya dibungkus dan diikat dengan cara yang sangat spesifik. Ada sangat banyak simpul dan komposisi dalam seni mizuhiki, dan tidak semua orang Jepang hafal semuanya. Tentu saja, ada simpul paling umum dan sederhana yang paling sering digunakan: untuk ucapan selamat atas kelahiran seorang anak, untuk pernikahan atau peringatan, ulang tahun atau penerimaan universitas.

gohei.
Jimat dari potongan kertas. Gohei - tongkat ritual pendeta Shinto, yang ditempeli strip zigzag kertas. Potongan kertas yang sama digantung di pintu masuk kuil Shinto. Peran kertas dalam Shinto secara tradisional sangat besar, dan makna esoteris selalu melekat pada produk yang dibuat darinya. Dan kepercayaan bahwa setiap hal, setiap fenomena, bahkan kata-kata, mengandung kami - dewa - menjelaskan munculnya jenis seni terapan seperti gohei. Shintoisme agak mirip dengan paganisme kita. Bagi penganut Shinto, kami secara khusus bersedia untuk tinggal di tempat yang tidak biasa. Misalnya, di atas kertas. Dan terlebih lagi dalam gohei yang dipelintir menjadi zigzag yang rumit, yang sekarang tergantung di depan pintu masuk kuil Shinto dan menunjukkan keberadaan dewa di kuil. Ada 20 cara melipat gohei, dan cara melipat yang luar biasa menarik kami. Gohei didominasi warna putih, tetapi emas, perak, dan banyak warna lainnya juga ditemukan. Sejak abad ke-9, ada kebiasaan di Jepang untuk memperkuat gohei di sabuk pegulat sumo sebelum dimulainya pertarungan.

Anesama.
Ini adalah pembuatan boneka kertas. Pada abad ke-19, istri samurai membuat boneka kertas yang dimainkan anak-anak, dan mendandani mereka dengan pakaian yang berbeda. Di saat tidak ada mainan, anesama adalah satu-satunya teman bicara untuk anak-anak, "melakukan" peran ibu, kakak perempuan, anak dan teman.
Boneka itu dilipat dari kertas washi Jepang, rambutnya dibuat dari kertas berkerut, diwarnai dengan tinta dan ditutup dengan lem, yang membuatnya berkilau. Ciri khasnya adalah hidung kecil yang bagus di wajah yang memanjang. Saat ini, mainan sederhana ini, yang hanya membutuhkan tangan terampil, dalam bentuk tradisional, terus dibuat dengan cara yang sama seperti sebelumnya.

Origami.
Seni kuno melipat figur kertas (jap. ???, lit.: "kertas lipat"). Seni origami berakar di Tiongkok kuno, tempat kertas ditemukan. Awalnya, origami digunakan dalam upacara keagamaan. Untuk waktu yang lama, bentuk seni ini hanya tersedia untuk perwakilan kelas atas, di mana kepemilikan teknik melipat kertas adalah tanda selera yang baik. Hanya setelah Perang Dunia Kedua, origami melampaui Timur dan datang ke Amerika dan Eropa, di mana ia segera menemukan penggemarnya. Origami klasik dilipat dari selembar kertas persegi.
Ada seperangkat simbol konvensional tertentu yang diperlukan untuk membuat sketsa skema pelipatan bahkan produk yang paling rumit sekalipun. Sebagian besar rambu konvensional dipraktikkan pada pertengahan abad ke-20 oleh master terkenal Jepang Akira Yoshizawa.
Origami klasik mengatur penggunaan satu lembar kertas persegi berwarna merata tanpa lem dan gunting. Bentuk seni kontemporer terkadang menyimpang dari kanon ini.

Sumber foto: http://sibanime.ru/2152-yaponskie-tradicii-origami.html

Kirigami.
Kirigami adalah seni memotong berbagai bentuk dari selembar kertas yang dilipat beberapa kali dengan bantuan gunting. Jenis origami yang memungkinkan penggunaan gunting dan pemotongan kertas dalam proses pembuatan model. Inilah perbedaan utama antara kirigami dan teknik melipat kertas lainnya, yang ditekankan pada namanya: ?? (kiru) - untuk memotong,? (gami) - kertas. Kita semua suka memotong kepingan salju di masa kanak-kanak - varian kirigami, Anda tidak hanya dapat memotong kepingan salju, tetapi juga berbagai figur, bunga, karangan bunga, dan benda kertas lucu lainnya menggunakan teknik ini. Produk-produk ini dapat digunakan sebagai stensil untuk cetakan, dekorasi album, kartu pos, bingkai foto, desain busana, desain interior, dan berbagai dekorasi lainnya.

Ikebana.
Ikebana, (jap ??? atau ????) diterjemahkan dari bahasa Jepang - ike "- kehidupan," bana "- bunga, atau" bunga yang hidup. Seni merangkai bunga Jepang adalah salah satu tradisi terindah masyarakat Jepang. Saat menyusun rangkaian bunga, bersama dengan bunga, potongan cabang, daun dan pucuk digunakan.Prinsip dasarnya adalah kesederhanaan yang indah, untuk mencapainya mereka mencoba menekankan keindahan alami tanaman. Ikebana adalah ciptaan bentuk alam baru, di mana keindahan sekuntum bunga dan keindahan jiwa sang empu yang menciptakan komposisinya berpadu secara harmonis.
Saat ini di Jepang ada 4 sekolah besar ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Selain mereka, ada sekitar seribu arah dan tren berbeda yang melekat pada salah satu aliran ini.

Oribana.
Pada pertengahan abad ke-17, dua aliran ohara (bentuk utama ikebana - oribana) dan koryu (bentuk utama - sek) berangkat dari ikenobo. Omong-omong, sekolah ohara masih mempelajari oribanu saja. Seperti yang dikatakan orang Jepang, sangat penting agar origami tidak berubah menjadi origami. Gomi berarti sampah dalam bahasa Jepang. Lagi pula, ketika itu terjadi, Anda melipat selembar kertas, lalu apa yang harus dilakukan dengannya? Oribana menawarkan banyak ide untuk karangan bunga untuk dekorasi interior. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

Salah.
Jenis seni rupa yang lahir dari floristry. Budidaya bunga muncul di negara kita delapan tahun yang lalu, meskipun telah ada di Jepang selama lebih dari enam ratus tahun. Suatu saat di Abad Pertengahan, samurai memahami cara seorang pejuang. Dan oshibana adalah bagian dari jalan itu, seperti menulis hieroglif dan memegang pedang. Arti kesalahannya adalah bahwa dalam keadaan kehadiran total pada saat itu (satori), sang master menciptakan gambar bunga kering (bunga yang ditekan). Maka gambar ini bisa menjadi kunci, panduan bagi mereka yang siap memasuki keheningan dan mengalami satori yang sama.
Inti dari seni "oshibana" adalah bahwa, dengan mengumpulkan dan mengeringkan bunga, tumbuhan, daun, kulit kayu di bawah tekanan dan menempelkannya di alasnya, penulis menciptakan karya "lukisan" yang sesungguhnya dengan bantuan tanaman. Dengan kata lain, salah adalah melukis dengan tanaman.
Kreativitas artistik penjual bunga didasarkan pada pelestarian bentuk, warna, dan tekstur bahan tanaman kering. Orang Jepang telah mengembangkan teknik untuk melindungi lukisan "oshibana" dari pudar dan gelap. Esensinya adalah udara dipompa keluar antara kaca dan gambar dan ruang hampa dibuat untuk mencegah tanaman rusak.
Ini menarik tidak hanya seni ini yang tidak konvensional, tetapi juga kesempatan untuk menunjukkan imajinasi, rasa, pengetahuan tentang sifat-sifat tanaman. Toko bunga membuat ornamen, lanskap, lukisan alam benda, potret, dan lukisan cerita.

Temari.
Ini adalah bola bordir geometris tradisional Jepang yang dibuat dengan jahitan sederhana yang dulunya adalah mainan anak-anak dan sekarang telah menjadi bentuk seni dengan banyak penggemar tidak hanya di Jepang tetapi di seluruh dunia. Diyakini bahwa dahulu kala produk ini dibuat oleh istri samurai untuk hiburan. Pada awalnya, mereka benar-benar digunakan sebagai bola untuk permainan bola, tetapi secara bertahap mereka mulai memperoleh elemen artistik, kemudian berubah menjadi ornamen dekoratif. Keindahan halus dari bola-bola ini dikenal di seluruh Jepang. Dan hari ini, produk yang penuh warna dan dibuat dengan hati-hati adalah salah satu jenis kerajinan rakyat di Jepang.

Yubinuki.
Bidal Jepang, ketika menjahit tangan atau menyulam, mereka diletakkan di phalanx tengah jari tengah tangan yang bekerja, dengan bantuan ujung jari jarum diberikan arah yang diinginkan, dan jarum didorong melalui cincin di tengah jari dalam bekerja. Awalnya, bidal yubinuki Jepang dibuat cukup sederhana - selembar kain padat atau kulit dengan lebar sekitar 1 cm dalam beberapa lapisan dililitkan dengan erat di sekitar jari dan diikat bersama dengan beberapa jahitan dekoratif sederhana. Karena yubinuki adalah barang yang diperlukan di setiap rumah, mereka mulai dihiasi dengan sulaman geometris dengan benang sutra. Dari jalinan jahitan, pola warna-warni dan kompleks tercipta. Yubinuki dari barang rumah tangga sederhana juga telah berubah menjadi objek untuk "mengkagumi", dekorasi kehidupan sehari-hari.
Yubinuki masih digunakan dalam menjahit dan menyulam, tetapi mereka juga dapat ditemukan hanya dikenakan di tangan di jari apa pun, seperti cincin dekoratif. Bordir ala yubinuki digunakan untuk menghias berbagai benda berupa cincin – cincin serbet, gelang, stand temari, dihiasi dengan sulaman yubinuki, dan ada juga tempat tidur jarum bersulam dengan gaya yang sama. Pola Yubinuki bisa menjadi inspirasi yang bagus untuk bordir temari obi.

Kanzashi.
Seni menghias jepit rambut (paling sering dihiasi dengan bunga (kupu-kupu, dll.) yang terbuat dari kain (terutama sutra). Kanzashi Jepang (kanzashi) adalah jepit rambut panjang untuk gaya rambut wanita tradisional Jepang. Terbuat dari kayu, pernis, perak , kulit penyu digunakan dalam gaya rambut tradisional Cina dan Jepang.Sekitar 400 tahun yang lalu, di Jepang, gaya gaya rambut wanita berubah: wanita berhenti menyisir rambut mereka dalam bentuk tradisional - taregami (rambut lurus panjang) dan mulai menata rambut mereka dengan rumit dan bentuk aneh - nihongami. menggunakan berbagai barang - jepit rambut, tongkat, sisir. Saat itulah bahkan sisir kushi sederhana berubah menjadi aksesori elegan dengan keindahan luar biasa, yang menjadi karya seni nyata. Kostum tradisional wanita Jepang tidak mengizinkan perhiasan pergelangan tangan dan kalung, jadi dekorasi gaya rambut adalah keindahan utama dan bidang untuk ekspresi diri - serta menunjukkan rasa dan ketebalan tas seperti pemiliknya. Pada ukiran Anda dapat melihat - jika Anda melihat lebih dekat - bagaimana wanita Jepang dengan mudah menggantung hingga dua puluh kanzashi mahal dalam gaya rambut mereka.
Saat ini ada kebangkitan dalam tradisi penggunaan kanzashi di kalangan wanita muda Jepang yang ingin menambahkan kecanggihan dan keanggunan pada gaya rambut mereka, jepit rambut modern dapat didekorasi hanya dengan satu atau dua bunga buatan tangan yang halus.

Kumihimo.
Kumihimo adalah tali jalinan Jepang. Saat menenun benang, pita dan tali diperoleh. Tali ini ditenun dengan mesin khusus - Marudai dan Takadai. Mesin Marudai digunakan untuk menenun tali bundar, dan Takadai untuk tali datar. Kumihimo dalam bahasa Jepang berarti "tali tenun" (kumi - menenun, melipat bersama, himo - tali, renda). Terlepas dari kenyataan bahwa para sejarawan dengan keras kepala bersikeras bahwa tenun serupa dapat ditemukan di antara orang Skandinavia dan penduduk Andes, seni kumihimo Jepang memang merupakan salah satu jenis tenun paling kuno. Penyebutan pertama kali dilakukan pada tahun 550, ketika agama Buddha menyebar ke seluruh Jepang dan upacara khusus membutuhkan dekorasi khusus. Belakangan, tali kumihimo mulai digunakan sebagai pengikat sabuk obi pada kimono wanita, sebagai tali untuk "mengemas" seluruh gudang senjata samurai (samurai menggunakan kumihimo untuk tujuan dekoratif dan fungsional untuk mengikat baju besi dan baju besi kuda mereka) dan juga untuk mengikat benda berat.
Berbagai pola kumihimo modern ditenun dengan sangat mudah pada alat tenun kardus buatan sendiri.

Suibokuga atau sumie.
lukisan tinta jepang. Gaya lukisan Cina ini diadopsi oleh seniman Jepang pada abad ke-14, dan pada akhir abad ke-15. menjadi arus utama seni lukis di Jepang. Suibokuga adalah monokrom. Hal ini ditandai dengan penggunaan tinta hitam (sumi), bentuk keras dari arang atau tinta Cina yang dihasilkan dari jelaga tinta Cina, yang digiling dalam panci tinta, diencerkan dengan air, dan dioleskan ke kertas atau sutra. Monokrom menawarkan master pilihan pilihan warna yang tak ada habisnya, yang sejak lama dikenal oleh orang Cina sebagai "warna" tinta. Suibokuga terkadang mengizinkan penggunaan warna asli, tetapi membatasinya pada goresan tipis dan transparan yang selalu berada di bawah garis tinta. Lukisan tinta berbagi dengan seni kaligrafi karakteristik penting seperti ekspresi yang dikontrol ketat dan penguasaan teknis bentuk. Kualitas lukisan tinta turun, seperti dalam kaligrafi, pada integritas dan ketahanan terhadap robeknya garis yang digambar dengan tinta, yang seolah-olah menahan karya seni itu sendiri, seperti tulang menahan jaringan pada dirinya sendiri.

Etegami.
Kartu pos yang ditarik (e - gambar, tag - surat). Pembuatan kartu pos sendiri umumnya merupakan kegiatan yang sangat populer di Jepang, dan sebelum hari raya popularitasnya semakin meningkat. Orang Jepang suka mengirim kartu pos ke teman-teman mereka, dan mereka juga senang menerimanya. Ini adalah jenis surat cepat dengan blanko khusus, dapat dikirim melalui surat tanpa amplop. Tidak ada aturan atau teknik khusus dalam etegami, siapa pun dapat melakukannya tanpa pelatihan khusus. Etagami membantu mengekspresikan suasana hati, kesan secara akurat, ini adalah kartu pos buatan tangan yang terdiri dari gambar dan surat pendek, menyampaikan emosi pengirim, seperti kehangatan, gairah, perhatian, cinta, dll. Mereka mengirim kartu pos ini untuk liburan dan begitu saja, menggambarkan musim, kegiatan, sayuran dan buah-buahan, manusia dan hewan. Semakin sederhana gambar ini digambar, semakin menarik tampilannya.

Furoshiki.
Teknik pembungkusan Jepang atau seni melipat kain. Furoshiki memasuki kehidupan orang Jepang untuk waktu yang lama. Gulungan kuno dari periode Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) telah dilestarikan dengan gambar-gambar wanita yang membawa seikat pakaian yang dibungkus kain di kepala mereka. Teknik menarik ini berasal dari tahun 710 - 794 M di Jepang. Kata "furoshiki" secara harfiah diterjemahkan menjadi "permadani mandi" dan merupakan sepotong kain persegi yang digunakan untuk membungkus dan membawa benda-benda dari segala bentuk dan ukuran.
Di masa lalu, merupakan kebiasaan untuk berjalan di pemandian Jepang (furo) dengan kimono katun ringan, yang dibawa oleh pengunjung dari rumah. Pemandian juga membawa permadani khusus (shiki) di mana dia berdiri saat membuka pakaian. Setelah berganti menjadi kimono "mandi", pengunjung membungkus pakaiannya dengan permadani, dan setelah mandi membungkus kimono basah dengan permadani untuk dibawa pulang. Dengan demikian, keset kamar mandi sudah menjadi tas multifungsi.
Furoshiki sangat mudah digunakan: kainnya mengikuti bentuk objek yang Anda bungkus, dan pegangannya memudahkan untuk membawa beban. Selain itu, hadiah yang dibungkus bukan dengan kertas keras, tetapi dengan kain berlapis-lapis yang lembut, memperoleh ekspresi khusus. Ada banyak skema untuk melipat furoshiki untuk setiap kesempatan, setiap hari atau pesta.

Kinusaiga.
Jenis menjahit yang menakjubkan dari Jepang. Kinusaiga (???) adalah persilangan antara batik dan kain perca. Ide utamanya adalah bahwa lukisan baru disatukan dari kimono sutra tua - karya seni sejati.
Pertama, seniman membuat sketsa di atas kertas. Kemudian gambar ini dipindahkan ke papan kayu. Kontur pola dipotong dengan alur, atau alur, dan kemudian potongan-potongan kecil, sesuai dengan warna dan nada, dipotong dari kimono sutra tua, dan tepi potongan-potongan ini mengisi alur. Ketika Anda melihat gambar seperti itu, Anda mendapatkan perasaan bahwa Anda sedang melihat sebuah foto, atau bahkan hanya melihat pemandangan di luar jendela, itu sangat realistis.

Amigurumi.
Seni merajut atau merajut boneka binatang kecil dan makhluk humanoid dari Jepang. Amigurumi (jap. ????, lit.: "rajutan-dibungkus") adalah hewan yang paling sering lucu (seperti beruang, kelinci, kucing, anjing, dll.), pria kecil, tetapi mereka juga bisa menjadi benda mati yang diberkahi sifat manusia. Misalnya cupcakes, topi, tas tangan dan lain-lain. Amigurumi dirajut atau dirajut atau dirajut. Baru-baru ini, crochet amigurumi menjadi lebih populer dan lebih umum.
rajutan dari benang dengan metode rajutan sederhana - dalam spiral dan, tidak seperti metode rajutan Eropa, lingkaran biasanya tidak terhubung. Mereka juga dirajut pada ukuran yang lebih kecil dibandingkan dengan ketebalan benang untuk membuat kain yang sangat padat tanpa celah untuk isian keluar. Amigurumi sering dibuat dari bagian-bagian dan kemudian disatukan, dengan pengecualian beberapa amigurumi, yang tidak memiliki anggota badan, tetapi hanya memiliki kepala dan batang tubuh, yang merupakan satu kesatuan. Anggota badan terkadang diisi dengan potongan plastik untuk memberi bobot hidup, sedangkan bagian tubuh lainnya diisi dengan fiberfill.
Penyebaran estetika amigurumi difasilitasi oleh kelucuannya ("kawaii").

Bonsai.
Bonsai, sebagai sebuah fenomena, muncul lebih dari seribu tahun yang lalu di Cina, tetapi budaya ini mencapai puncak perkembangannya hanya di Jepang. (bonsai - Jepang ?? Lit. "menanam dalam pot") - seni menumbuhkan salinan persis pohon asli dalam miniatur. Tanaman ini ditanam oleh biksu Buddha beberapa abad sebelum zaman kita dan kemudian menjadi salah satu kegiatan bangsawan setempat.
Bonsai menghiasi rumah dan taman Jepang. Di era Tokugawa, desain taman mendapat dorongan baru: penanaman azalea dan maple menjadi hiburan bagi orang kaya. Produksi tanaman kerdil (hachi-no-ki - "pohon dalam pot") juga berkembang, tetapi bonsai pada waktu itu sangat besar.
Sekarang pohon biasa digunakan untuk bonsai, mereka menjadi kecil karena pemangkasan terus-menerus dan berbagai metode lainnya. Pada saat yang sama, rasio ukuran sistem akar, dibatasi oleh volume mangkuk, dan bagian dasar bonsai sesuai dengan proporsi pohon dewasa di alam.

Serangkaian pesan " ":
Bagian 1 - Jenis menjahit Jepang

(bukan tentang perkembangan kostum) Secara tradisional, karya seni dan kerajinan Jepang meliputi pernis, porselen dan produk keramik, ukiran kayu, tulang dan logam, kain dan pakaian yang dihias secara artistik, karya seni senjata, dll. Kekhususan karya seni dan kerajinan terdiri dari sebagai berikut: mereka memiliki, sebagai suatu peraturan, aplikasi utilitarian murni praktis, tetapi pada saat yang sama mereka juga memainkan peran estetika murni, berfungsi sebagai perhiasan kehidupan sehari-hari seseorang. Estetika benda-benda di sekitarnya bagi orang Jepang tidak kalah pentingnya dengan tujuan praktisnya: mengagumi keindahan. Apalagi, kesadaran tradisional orang Jepang dicirikan oleh sikap khusus terhadap keindahan sebagai salah satu misteri alam semesta. Kecantikan bagi orang Jepang adalah fenomena yang melampaui dunia kita sehari-hari, yang dapat digambarkan dengan kata-kata dan dipahami dengan akal. Budaya Barat modern, semakin jauh, semakin mencoba mereduksi kehidupan manusia ke dalam kerangka pandangan dunia sehari-hari yang rasional, di mana hukum-hukum yang disebut "akal sehat" mendominasi. Bagi orang Jepang, terlepas dari kepraktisan dan pragmatisme mereka yang ekstrem dalam urusan sehari-hari, dunia material yang biasa, tentu saja, dianggap sebagai ilusi dan sementara. Dan bahwa di luar perbatasannya ada dunia lain yang tidak berwujud, yang pada dasarnya menentang standar "akal sehat" dan yang tidak dapat dijelaskan dengan kata-kata. Makhluk yang lebih tinggi tinggal di sana, misteri hidup dan mati terhubung dengannya, serta banyak rahasia kehidupan, termasuk prinsip-prinsip keindahan. Dunia itu tercermin di dunia kita, seperti bulan di permukaan air, bergema di jiwa orang-orang dengan perasaan keindahan dan misteri yang tajam dan pedih. Mereka yang tidak dapat melihat dan menghargai permainan makna dan nuansa keindahan yang halus dan beragam ini, orang Jepang menganggap orang barbar yang tidak punya harapan dan kasar.

Untuk memantapkan diri dalam partisipasi mereka di dunia transenden, orang Jepang (pertama-tama, elit, aristokrasi) sangat mementingkan tindakan ritual, dan terutama sisi estetika mereka. Upacara untuk mengagumi bunga sakura, maple merah, salju pertama, matahari terbit dan terbenam, serta kompetisi puisi, merangkai bunga (ikebana), pertunjukan teater, dll. berlangsung dari sini. Bahkan situasi sehari-hari yang sederhana seperti minum teh atau sake, rapat tamu atau masuk ke dalam keintiman, orang Jepang mementingkan tindakan mistis. Barang-barang rumah tangga pada saat yang sama memainkan peran atribut ritual. Pengrajin yang menciptakan benda-benda seperti itu berusaha memberi mereka penampilan estetika yang sempurna. Misalnya, banyak mangkuk untuk upacara minum teh, pada pandangan pertama, kasar dan tidak rata, dihargai sangat tinggi, terutama karena mereka memiliki cap keindahan "dunia lain", mereka tampaknya berisi seluruh Semesta.

Hal yang sama sepenuhnya berlaku untuk banyak karya seni dan kerajinan lainnya: patung-patung, netsuke, kotak - inro, pernis, kosode elegan (kimono dengan lengan pendek) dengan dekorasi yang indah dan aneh, layar, kipas, lentera dan, terutama , senjata tradisional Jepang . Kami akan mempertimbangkan penerapan praktis prinsip estetika tradisional dalam seni dan kerajinan Jepang menggunakan contoh pedang artistik Jepang.

Sejak zaman kuno, vernis telah dikenal di Jepang; sisa-sisanya ditemukan di situs arkeologi era Jomon. Dalam iklim yang panas dan lembab, pelapis pernis melindungi kayu, kulit, dan bahkan produk logam dari kehancuran. Produk pernis di Jepang telah menemukan aplikasi terluas: piring, peralatan rumah tangga, senjata, baju besi, dll. Produk pernis juga berfungsi sebagai dekorasi interior, terutama di rumah bangsawan. Pernis tradisional Jepang berwarna merah dan hitam, serta emas; menjelang akhir periode Edo, produksi pernis kuning, hijau, coklat dimulai. Pada awal abad XX. pernis putih, biru, dan ungu diperoleh. Pernis diaplikasikan pada alas kayu dalam lapisan yang sangat tebal - hingga 30-40 lapisan, kemudian dipoles hingga menjadi cermin. Ada banyak teknik dekoratif yang terkait dengan penggunaan pernis: maki-e - penggunaan bubuk emas dan perak; urushi-e - lukisan pernis; hyomon - kombinasi; lukisan pernis dengan tatahan emas, perak, dan mutiara. Pernis artistik Jepang sangat dihargai tidak hanya di Jepang, tetapi juga di Barat, dan produksinya masih berkembang.

Orang Jepang sangat menyukai produk keramik. Yang paling awal diketahui dari penggalian arkeologis dan berasal dari periode Jomon. Perkembangan keramik Jepang dan, kemudian, porselen secara signifikan dipengaruhi oleh teknologi Cina dan Korea, khususnya, pembakaran dan pelapisan warna. Ciri khas keramik Jepang adalah bahwa sang master memperhatikan tidak hanya pada bentuk, ornamen dekoratif, dan warna produk, tetapi juga pada sensasi sentuhan yang ditimbulkannya ketika bersentuhan dengan telapak tangan seseorang. Berbeda dengan pendekatan Barat terhadap keramik, pendekatan Jepang terhadap keramik mengasumsikan ketidakrataan bentuk, kekasaran permukaan, retakan, goresan glasir, sidik jari master dan demonstrasi tekstur alami material. Produk keramik artistik meliputi, pertama-tama, mangkuk upacara minum teh, teko, vas, pot, piring dekoratif, wadah sake, dll. Produk porselen terutama adalah vas berdinding tipis dengan dekorasi indah, set teh dan anggur, serta berbagai patung. Sebagian besar porselen Jepang dibuat khusus untuk diekspor ke negara-negara Barat.

Secara terpisah untuk masing-masing:

KERAMIK
Tembikar tertua di Jepang
Orang Jepang sudah lama menyukai yakimono.* Kiln menghasilkan berbagai barang tembikar yang bervariasi dalam warna, bentuk, dan tekstur permukaan. Budaya khas kehidupan sehari-hari, yang diciptakan oleh orang Jepang, dimulai dengan peralatan makan keramik - mangkuk nasi, mug tanpa pegangan, dan tatakan gelas untuk sumpit. Halaman-halaman ini memberi kita gambaran tentang daya tarik Jepang dengan keramik dan porselen.
* Dalam bahasa Jepang, keramik (“toki”) dan porselen (“jiki”) secara kolektif dikenal sebagai “yakimono”.

Sejarah perkembangan keramik Jepang
Tembikar pertama dibuat di kepulauan Jepang sekitar 13.000 tahun yang lalu. Sejauh yang diketahui, ini terjadi lebih awal daripada di tempat lain di dunia. Yang paling terkenal adalah panci besar dan dalam untuk merebus cairan. Produk didekorasi dengan ornamen dari knurling atau jejak tali yang dikepang. Untuk hiasan tali ini, tembikar pada masa itu disebut “jomon doki” (“jo” = tali; “mon” = ornamen, “doki” = tembikar). Sekitar 5.000 tahun yang lalu, pada era Jomon, model berbentuk dinamis muncul dengan ornamen berupa gelombang naik di leher toples dan pola aneh yang menutupi seluruh permukaan luar produk.
Selama era Yayoi berikutnya, dengan dimulainya penanaman padi, jenis tembikar baru diperkenalkan dari semenanjung Korea. Peralatan yayoi adalah bagian dari kehidupan sehari-hari dan digunakan untuk menyimpan dan menyiapkan makanan, serta untuk menyajikan hidangan ke meja. Dekorasinya kurang dari Jōmon ware, dan sebagian besar warna terang digunakan dalam dekorasinya.
Sekitar awal tanggal 5 c. ada perubahan besar yang terkait dengan kedatangan teknologi baru di Jepang, sekali lagi dari Semenanjung Korea. Sebelumnya, produk tanah liat dibakar dengan api, tetapi jenis keramik baru, Sueki, mulai mengalami pemrosesan suhu tinggi di tungku terowongan khusus yang disusun di lereng bukit. Produk Sueki sudah merupakan keramik asli.
Sekitar pertengahan tanggal 7 c. Tembikar Jepang mulai mempelajari teknologi Korea dan Cina. Dari tetangga mereka, mereka belajar bagaimana menggunakan glasir dan lempung api pada suhu yang relatif rendah. Produk pada masa itu dilapisi dengan glasir warna hijau tua atau, seperti keramik nara sansai, dengan glasir polikrom, yang didominasi warna merah, kuning, dan hijau. Namun, kedua jenis keramik itu hanya populer di kalangan anggota istana, bangsawan istana, dan pelayan kuil, dan mulai dari abad ke-11. barang-barang ini tidak lagi diproduksi.
Perkembangan baru yang mengiringi penciptaan produk Sueka mendorong dimulainya pembangunan kiln di seluruh negeri. Tukang tembikar memperhatikan bahwa abu kayu dalam tungku pembakaran merah-panas berinteraksi dengan tanah liat, membentuk glasir alami. Ini menyarankan kepada mereka teknologi menaburkan tembikar dengan abu selama penembakan mereka. Metode glasir abu alami pertama kali digunakan di tanur Sanage di Provinsi Owari (sekarang Prefektur Aichi barat laut).
Produksi tembikar Sueca selama Abad Pertengahan mendorong perkembangan teknologi baru. Enam pusat tembikar bersejarah Jepang—Seto, Tokoname, Echizen, Shigaraki, Tamba, dan Bizen—didirikan pada waktu itu. Kiln mereka masih beroperasi sampai sekarang. Hampir semuanya menghasilkan piring faience yang terlihat seperti keramik - kebanyakan kendi besar, vas dan pot.
Barang-barang mewah berlapis kaca hanya diproduksi di Seto, yang terletak di dekat tempat pembakaran Sanage kuno. Para pembuat tembikar Seto berusaha memenuhi tuntutan bangsawan dan samurai yang menunjukkan minat besar pada tembikar dan porselen dalam gaya Song Cina. Warna-warna baru telah dimasukkan ke dalam hasil akhir mereka. Ciri khas hidangan ini adalah penggunaan warna kuning dengan nuansa merah, coklat atau hijau. Potters mendapat inspirasi dari sampel yang dibawa dari benua. Pada saat yang sama, mereka membawa cita-cita gaya Song sesuai dengan selera orang Jepang, dengan ide-ide mereka tentang bentuk-bentuk baru dan dekorasi peralatan rumah tangga. Sampai sekitar akhir abad ke-16. Seto adalah satu-satunya pusat di Jepang yang memproduksi tembikar berlapis kaca.

Di era perang internecine (1467-1568), yang melanda seluruh negeri, pembuat tembikar Seto pergi ke utara, melewati pegunungan, ke Mino (hari ini adalah bagian selatan Prefektur Gifu). Di sini awal gaya baru, karakteristik Jepang, diletakkan. Mereka paling baik diwakili oleh produk Kiseto, Seto-guro, Shino dan Oribe.
Pada saat inilah upacara minum teh lahir. Kebiasaan minum teh berasal dari Tiongkok pada akhir abad ke-12, tetapi baru pada abad ke-16 menjadi mode untuk memberikan perhatian khusus pada upacara penyajian teh saat menerima tamu.
Nuansa kuning, putih, hitam, hijau dan warna lain dari keramik Mino menunjukkan pengaruh keramik Cina dan Korea, tetapi bentuk asimetris dan pola abstrak menunjukkan karakter khas Jepang. Upacara minum teh yang semakin populer membutuhkan cangkir, piring, piring, kotak dupa, vas bunga, dan tempat lilin yang indah. Bengkel-bengkel Mino dengan jelas menanggapi tuntutan ini.
Dengan munculnya era Momoyama (akhir abad ke-16), perang internecine berakhir, yang berakhir dengan penyatuan Jepang, dan upacara minum teh dikembangkan lebih lanjut. Saat ini, tembikar Jepang sedang mengalami perubahan. Toyotomi Hideyoshi memulai kampanye militer di semenanjung Korea, yang membuka peluang bagi samurai, penggemar upacara minum teh, untuk membawa pembuat tembikar Korea ke Jepang dan melibatkan mereka dalam pembangunan tempat pembakaran. Banyak pusat manufaktur baru telah didirikan di berbagai bagian Kyushu, termasuk Karatsu, Agano, Takatori, Satsuma, Hagi. Produksi produk Karatsu adalah yang paling beragam dan berskala besar - mangkuk teh, vas bunga, dan banyak barang rumah tangga dikirim dari sana ke seluruh pelosok negeri.
Porselen muncul di Jepang hanya pada awal abad ke-17, ketika pembuat tembikar Korea mulai membuatnya di sini. Ini merupakan tonggak penting dalam perkembangan tembikar Jepang. Tak lama kemudian, deposit tanah liat cina, sekarang dikenal sebagai kaolin, ditemukan di Izumiyama, Arita, Kyushu. Ini terbukti ideal untuk produksi produk berdinding tipis, ringan dan kuat. Dengan lukisan biru cerah dengan latar belakang putih, mereka telah menjadi komoditas panas di seluruh Jepang. Dan karena potongan-potongan itu dikirim dari pelabuhan terdekat Imari, mereka dikenal sebagai porselen Imari. Pada tahap awal keberadaan produksi Imari, pengaruh porselen Korea terlihat jelas, tetapi segera sejumlah besar produk porselen diimpor dari Cina, yang juga menjadi objek studi perajin Jepang. Secara bertahap, kualitas peralatan keramik rumah tangga meningkat secara signifikan. Seorang pengrajin bernama Sakaida Kakiemon menemukan metode penerapan warna oranye-merah lembut ke permukaan produk, yang memungkinkan untuk membuat desain warna yang menakjubkan pada latar belakang putih susu.
Para bangsawan dan istana kerajaan Eropa, terpesona oleh keindahan seni Oriental, saling bersaing untuk merebut produk porselen Imari. Segera pengrajin di Meissen (Jerman), Delft (Belanda) dan pusat Eropa lainnya mulai menyalin produk Imari, termasuk gaya Kakiemon. Ini adalah zaman keemasan tembikar Jepang.
Nonomura Ninsei, yang hidup pada abad ke-17. di Kyoto, kota kekaisaran, menciptakan gaya kerajaannya sendiri, membuka seluruh dunia fantasi yang penuh warna. Ogata Kenzan, Okuda Eisen, dan Aoki Mokubei memperkaya dunia tembikar Kyo yang canggih ini, menyiapkan panggung untuk pengembangan gaya Kyomizu modern.

Pada abad ke-19 produksi keramik berkembang pesat di seluruh negeri. Gaya goshu-akae (lapisan gula merah) dan senzui, yang dikembangkan dari contoh gaya Ming Cina selanjutnya, memperoleh popularitas besar selama waktu ini, sebagaimana dibuktikan oleh peralatan makan Jepang modern.
Keramik buatan Jepang dipamerkan pada pameran internasional di Paris pada akhir abad ke-19, sehingga barang-barang Imari, Satsuma, dan Kutani mempengaruhi gaya perajin Eropa. Ketertarikan pada produk Jepang tercermin dalam evolusi seni kontemporer.
Sejarah keramik Jepang tidak dapat dibayangkan tanpa pengaruh Korea dan Cina. Namun, juga jelas bahwa, menanggapi selera artistik dan gaya hidup orang Jepang, kerajinan ini berjalan dengan caranya sendiri dan mengarah pada penciptaan seni yang unik dan seluruh industri.

Berbagai produk keramik yang luar biasa di Jepang
Di seluruh dunia, tembikar Jepang dianggap tak tertandingi dalam jumlah dan variasi teknologi dan gaya yang ada. Peralatan makan modern - keramik atau porselen - diproduksi di Jepang dalam berbagai bentuk dan solusi dekoratif.
Tembikar Jepang dapat dibagi menjadi tiga kelompok: (1) gerabah dengan tekstur unik yang terasa seperti tanah, paling baik diwakili oleh Bizen, Shigaraki, Echizen, dan Tokoname; (2) tembikar berlapis tebal dengan nada hangat dan bersahaja, dipopulerkan oleh barang-barang upacara minum teh Oribe dan Mino, barang-barang Mashiko sederhana, dan barang-barang Karatsu dan Hagi, menggemakan seni keramik semenanjung Korea; dan (3) porselen, diwakili oleh barang Imari, yang terkenal dengan penggunaan latar belakang putih yang spektakuler dalam dekorasinya, dan barang-barang Kutani dengan pewarnaan yang mempesona di seluruh permukaannya. Apa pun teknologi dan desain tungkunya, tembikar yang dibuat oleh pengrajin Jepang selalu membuktikan pencarian keindahan selama berabad-abad.
Mengapa ada begitu banyak variasi dalam setiap kelompok tembikar? Untuk menjawab pertanyaan ini, kita harus mempertimbangkan hubungan erat antara tembikar dan upacara minum teh.
Cita-cita upacara minum teh, yang terdiri dari kesederhanaan dan kedamaian, menemukan perwujudannya yang paling mencolok di era Momoyama (akhir abad ke-16). Ungkapan cita-cita baru pada waktu itu adalah kata wabi, yang berarti kesederhanaan dan ketenangan. Para master upacara minum teh, yang ingin hidangan mereka menyampaikan semangat wabi, menunjukkan orisinalitas mereka dan memperluas pengaruh mereka dengan memesan mangkuk teh dan benda-benda lain dari pengrajin yang secara lahiriah “menghirup” cita-cita ini.
Energi kreatif yang luar biasa dari era Momoyama meniupkan kehidupan baru ke dalam seni keramik Jepang. Hal ini dapat dilihat pada barang-barang Seto-guro, dengan warna hitam pekat yang diperoleh dengan mengeluarkan barang dari kiln selama proses pembakaran; di peralatan bengkel Kiseto dengan desainnya yang dinamis; dalam barang Oribe, dengan bentuk yang berani dan pola yang rumit, dibuat dengan glasir berwarna hijau dan besi; dalam produk sederhana yang ketat dari Sino.
Pelaku upacara minum teh terkadang memberi nama pada barang-barang tertentu yang paling mereka sukai, seperti cangkir teh, vas, wadah air, atau kotak dupa. Di mana lagi di dunia ini Anda dapat menemukan sikap seperti itu terhadap tembikar? Bukankah ini bukti mendalamnya kecintaan orang Jepang terhadap keramik!

Alasan lain untuk begitu banyak variasi produk keramik adalah kenyataan bahwa masakan Jepang membutuhkan berbagai macam peralatan makan, jauh lebih banyak daripada masakan lainnya di dunia.
Pada zaman kuno, bangsawan Jepang lebih suka makan dan minum menggunakan sebagian besar pernis, tetapi ini telah berubah berkat master upacara minum teh. Mereka mulai menggunakan set keramik untuk menyajikan makanan ringan kaiseki sebelum minum teh, dan secara bertahap menyadari bahwa peralatan makan keramik menambah rasa visual dan kesegaran yang lebih taktil pada makanan. Peralatan untuk upacara minum teh dipilih sesuai musim, dan dengan menyajikan peralatan makan, seperti piring muko-zuke untuk menyajikan potongan sashimi, hidangan sake dan gorengan, pemilik memenuhi tuntutan estetika yang tinggi dari para tamu. Para ahli upacara minum tehlah yang memperkaya ritual makan, menghadirkan momen kenikmatan visual dan estetis ke dalamnya.
Sejak pertengahan abad ke-19, porselen telah mengambil tempat penting di meja makan karena kemudahan penggunaannya. Saat ini, peralatan makan keramik telah menjadi norma kehidupan sehari-hari. Dan hanya sup miso yang diminum secara tradisional dari cangkir yang dipernis halus. Cangkir ini tidak dimaksudkan untuk penggunaan sehari-hari.
Nasi, yang menjadi dasar makanan Jepang, biasanya dimakan dari mangkuk kecil yang dipegang di tangan, dan di banyak keluarga setiap orang memiliki mangkuk nasi sendiri. Tradisi meja seperti itu hanya memperkuat kecintaan orang Jepang pada hidangan keramik.

LAC
singkatnya, itu terbuat dari resin pohon.

Ada bukti bahwa pernis digunakan di Zaman Batu Jepang 5.000 hingga 6.000 tahun yang lalu sebagai lem yang digunakan untuk menempelkan mata panah. Tapi sekitar 4000 tahun yang lalu, pernis merah dan hitam terang digunakan sebagai pelapis pada peralatan, senjata, dan perhiasan. Juga diketahui bahwa sekitar 100 tahun setelah Yamato Takeru no Mikoto, ada serikat pengrajin yang disebut "Urushi-be" yang mengkhususkan diri dalam seni pernis.

Teknik pernis dekoratif datang ke Jepang pada abad ke-5 atau ke-6, selama pengenalan agama Buddha dari Cina, di mana, jauh sebelum penyatuan Jepang, pengrajin menciptakan karya seni terapan dari pernis hitam dan merah berlapis-lapis.

Pada akhir abad ke-8, pada awal periode Heian, Jepang berhenti mengirim misi dagang ke China. Budaya Jepang terputus dari pengaruh benua. Selama periode Heian, dari akhir abad ke-8 hingga ke-12, seni pernis di Jepang berkembang menjadi gaya Jepang yang benar-benar unik. Perkakas dan furnitur pada masa itu sebagian besar terbuat dari kayu. Oleh karena itu, tidak heran jika pernis banyak digunakan untuk menambah keindahan dan kekuatan pada produk kayu yang berumur pendek. Teknik "Maki" - menyepuh permukaan dengan pernis berikutnya (juga mencampur pernis dengan debu emas atau perak) termasuk dalam periode yang sama. Produk yang dibuat dengan teknik ini menjadi sangat populer di kalangan kelas atas.

Pertukaran budaya dengan benua itu dilanjutkan pada abad ke-13, dan pernis Jepang didistribusikan secara luas ke luar negeri melalui Cina dan Korea. Di sisi lain, teknik dekorasi baru datang ke Jepang, melengkapi tradisi pengrajin lokal dengan sempurna.

Pada abad ke-17, seni pernis Jepang menjadi lebih halus. Di satu sisi, gaya baru berkembang, sementara berbagai teknik tradisional dari berbagai daerah mulai bergabung, menciptakan kombinasi yang menarik.

Perpaduan teknik inilah yang terjadi di Kanazawa, di Prefektur Ishikawa. Klan Kaga, yang mendorong pengembangan kerajinan di wilayahnya, mengundang pengrajin luar biasa dari seluruh Jepang, termasuk ahli pernis. Melalui beberapa generasi, gaya kerajinan tradisional yang benar-benar unik diciptakan di Kanazawa, yang terkenal dengan keindahan dan keanggunannya hingga hari ini.

PENGEMBANGAN KOSTUM

NETSUKE
Netsuke adalah patung miniatur, sebuah karya seni dan kerajinan Jepang. Netsuke digunakan sebagai gantungan kunci, penyeimbang, pada pakaian tradisional Jepang, yang tidak memiliki kantong dan semua barang yang diperlukan (kantong, dompet, inro, sagemono, berbagai barang kecil) digantung di ikat pinggang dengan tali dan diikat dengan bantuan netsu, melekat pada ujung kabel yang berlawanan. Netsuki tidak harus bingung dengan okimono, juga patung Jepang mini, mirip dengan netsuki baik dalam desain dan plot, dan sering dalam ukuran, tetapi tidak pernah dikenakan di ikat pinggang. Namun, tidak adanya lubang untuk menggantung "himotoshi" di netsuke bukanlah fitur yang membedakan, karena ada netski tanpa himotoshi atau dengan sosok himotoshi yang disamarkan dengan terampil di dalam komposisi. Bahan tradisional untuk membuat netsuke adalah gading dan kayu. Logam, emas, perak, perunggu, shakudo, mutiara, porselen, keramik, tanduk rusa, tanduk hewan, kulit penyu, taring walrus dan narwhal, tulang internal hewan, berbagai kacang, karang, pernis, dll. juga digunakan. Ada berbagai aliran netski , berbeda dalam plot utama, bahan yang digunakan, teknik. Kehadiran tanda tangan pada netsuke bukanlah faktor utama yang mempengaruhi harga dan nilai suatu barang. Plot yang digunakan dalam netsuke sangat beragam. Rumah tangga, alam dan naturalistik, historis, legendaris, mitologis, luar biasa. Hampir semua netski memiliki simbolisme yang khas dan mencerminkan beberapa ide atau keinginan.

Katabori - jenis netsuke yang paling terkenal - adalah patung ukiran kompak yang dapat menggambarkan orang, hewan, dan kelompok multi-figur. Sasi adalah salah satu bentuk tertua dari netsuke. Ini adalah kait memanjang dengan lubang untuk kabelnya. Cara sashi dikonsumsi berbeda dari semua bentuk lainnya. Paling sering itu digantung dari tepi ikat pinggang. Manju adalah netsuke dalam bentuk piringan tebal, mengulangi bentuk kue beras. Kadang-kadang terbuat dari dua bagian. Ryusa adalah varian dari bentuk manju, dipilih oleh para ahli sebagai bentuk yang terpisah. Perbedaan utama dari bentuk ini adalah bagian dalamnya kosong, dan dibuat dengan teknik ukir. Kagamibuta - juga mirip dengan manju, tetapi dibuat dalam bentuk cermin suci tradisional, bagian bawah netsuke, terbuat dari gading atau tulang lainnya, tanduk, kayu atau bahan lain, ditutupi dengan tutup atau pelat logam di atasnya, di mana bagian utama dari desain dekoratif terkonsentrasi.

Sejak awal, netsuke berubah menjadi barang koleksi, pertama di Jepang, di mana Anda dapat bertukar, memberi, menjual, memesan, membeli netsuke, dan dari abad kesembilan belas, hobi ini menyebar ke Eropa dan Amerika, di mana pengumpulan netsuke mencapai puncaknya. puncak. Pasar netsuke sangat hidup dan terus diperbarui, sekarang kolektor di seluruh dunia memiliki kesempatan untuk membeli netsuke baik dalam koleksi pribadi maupun menemukan barang-barang dari koleksi museum besar. Jual beli netsuke dalam hal ini dilakukan melalui pedagang barang antik dan/atau balai lelang yang bereputasi baik. Sekarang, tidak hanya di Jepang tetapi di seluruh dunia, membeli netsuke menjadi sangat populer untuk hadiah dengan makna simbolis, harapan, atau makna tersembunyi. Perlu dicatat bahwa dalam bahasa Rusia cukup sering ada ejaan kata netsuke seperti netsuke, serta netsuke, atau netsuke, dan terkadang bahkan netsuke atau netsuke. Berbeda dengan "netsuke" kanonik, ejaan lain dimungkinkan, tetapi tidak diinginkan.

KE KIMONO YANG TEPAT BAU BAU

Kimono (Jepang , kimono, "pakaian"; Jepang , wafuku, "pakaian nasional") adalah pakaian tradisional di Jepang. Sejak pertengahan abad ke-19, telah dianggap sebagai "kostum nasional" Jepang. Kimono juga merupakan pakaian kerja geisha dan maiko (geisha masa depan).
Furisode (jap. , secara harfiah "lengan berkibar") adalah pakaian tradisional Jepang untuk gadis dan pengantin wanita yang belum menikah, kimono dengan lengan panjang.
Tomesode (留袖?, lengan disematkan) adalah jenis kimono untuk wanita yang sudah menikah. Ini berbeda dari furisode dalam lengan pendek, polanya hanya di sepanjang tepi di bawah obi, tanpa mempengaruhi lengan; lambang harus ada di tomesode.
Obi (帯?, secara harfiah "sabuk") adalah beberapa jenis ikat pinggang Jepang yang dikenakan oleh pria dan wanita di atas kimono dan keikogi.
Geta (下駄?) adalah sandal kayu Jepang berbentuk bangku yang sama untuk kedua kaki (mereka terlihat seperti persegi panjang dengan bagian atas membulat dan mungkin sedikit cembung dari atas). Mereka dipegang di kaki dengan tali melewati antara ibu jari dan jari kaki kedua. Saat ini, mereka dikenakan saat bersantai atau dalam cuaca buruk. Menurut standar orang Eropa, ini adalah sepatu yang sangat tidak nyaman, tetapi orang Jepang telah menggunakannya selama berabad-abad, dan itu tidak menyebabkan ketidaknyamanan bagi mereka.
Wareshinobu (Jepang: ?, diam-diam dipotong) adalah gaya rambut wanita Jepang yang populer di kalangan geisha magang saat ini.
Sakko (先笄 sakko atau sakiko:gai?, jepit rambut terakhir) adalah gaya rambut wanita yang populer di kalangan wanita menikah dari kelas pedagang di wilayah Kamigata (dekat Kyoto) pada paruh kedua periode Edo. Muncul di sekitar kota Okazaki (Prefektur Aichi). Di Kanto, gaya rambut marumage lebih populer, dan sakko mendapat pengakuan hanya setelah revolusi Meiji.
Hari ini, sakko adalah gaya rambut maiko terakhir sebelum erikae, upacara transisi geisha.
Shimada (Jap. ?) - Gaya rambut wanita Jepang, semacam sanggul. Saat ini shimada dikenakan hampir secara eksklusif oleh geisha dan taya (sejenis oiran), tetapi selama periode Edo itu dikenakan oleh gadis-gadis berusia 15-20 tahun, sebelum menikah. Seperti gaya rambut lainnya, kanzashi juga didekorasi.
Kanzashi (Jap. ?, juga dieja ) adalah hiasan rambut wanita tradisional Jepang. Kanzashi dikenakan dengan kimono.

Karya seni dan kerajinan Jepang secara tradisional meliputi pernis, porselen dan produk keramik, ukiran kayu, tulang dan logam, kain dan pakaian yang dihias secara artistik, karya seni senjata, dll. Kekhususan karya seni dan kerajinan adalah sebagai berikut: memiliki , sebagai aturan, aplikasi utilitarian murni praktis, tetapi pada saat yang sama mereka juga memainkan peran estetika murni, berfungsi sebagai perhiasan kehidupan sehari-hari seseorang. Estetika benda-benda di sekitarnya bagi orang Jepang tidak kalah pentingnya dengan tujuan praktisnya: mengagumi keindahan. Apalagi, kesadaran tradisional orang Jepang dicirikan oleh sikap khusus terhadap keindahan sebagai salah satu misteri alam semesta. Kecantikan bagi orang Jepang adalah fenomena yang melampaui dunia kita sehari-hari, yang dapat digambarkan dengan kata-kata dan dipahami dengan akal. Budaya Barat modern, semakin jauh, semakin mencoba mereduksi kehidupan manusia ke dalam kerangka pandangan dunia sehari-hari yang rasional, di mana hukum-hukum yang disebut "akal sehat" mendominasi. Bagi orang Jepang, terlepas dari kepraktisan dan pragmatisme mereka yang ekstrem dalam urusan sehari-hari, dunia material yang biasa, tentu saja, dianggap sebagai ilusi dan sementara. Dan bahwa di luar perbatasannya ada dunia lain yang tidak berwujud, yang pada dasarnya menentang standar "akal sehat" dan yang tidak dapat dijelaskan dengan kata-kata. Makhluk yang lebih tinggi tinggal di sana, misteri hidup dan mati terhubung dengannya, serta banyak rahasia kehidupan, termasuk prinsip-prinsip keindahan. Dunia itu tercermin di dunia kita, seperti bulan di permukaan air, bergema di jiwa orang-orang dengan perasaan keindahan dan misteri yang tajam dan pedih. Mereka yang tidak dapat melihat dan menghargai permainan makna dan nuansa keindahan yang halus dan beragam ini, orang Jepang menganggap orang barbar yang tidak punya harapan dan kasar.

Untuk memantapkan diri dalam partisipasi mereka di dunia transenden, orang Jepang (pertama-tama, elit, aristokrasi) sangat mementingkan tindakan ritual, dan terutama sisi estetika mereka. Upacara untuk mengagumi bunga sakura, maple merah, salju pertama, matahari terbit dan terbenam, serta kompetisi puisi, merangkai bunga (ikebana), pertunjukan teater, dll. berlangsung dari sini. Bahkan situasi sehari-hari yang sederhana seperti minum teh atau sake, rapat tamu atau masuk ke dalam keintiman, orang Jepang mementingkan tindakan mistis. Barang-barang rumah tangga pada saat yang sama memainkan peran atribut ritual. Pengrajin yang menciptakan benda-benda seperti itu berusaha memberi mereka penampilan estetika yang sempurna. Misalnya, banyak mangkuk untuk upacara minum teh, pada pandangan pertama, kasar dan tidak rata, dihargai sangat tinggi, terutama karena mereka memiliki cap keindahan "dunia lain", mereka tampaknya berisi seluruh Semesta.

Hal yang sama sepenuhnya berlaku untuk banyak karya seni dan kerajinan lainnya: patung-patung, netsuke, kotak - inro, pernis, kosode elegan (kimono dengan lengan pendek) dengan dekorasi yang indah dan aneh, layar, kipas, lentera dan, terutama , senjata tradisional Jepang . Kami akan mempertimbangkan penerapan praktis prinsip estetika tradisional dalam seni dan kerajinan Jepang menggunakan contoh pedang artistik Jepang.

Bagi orang Jepang mana pun, pedang adalah objek kekaguman yang hampir religius, secara mistik terhubung tidak hanya dengan nasib pemiliknya saat ini, tetapi juga dengan seluruh generasi pejuang yang memilikinya. Selain itu, banyak pedang dianggap animasi - mereka memiliki jiwa mereka sendiri, keinginan mereka sendiri, karakter mereka sendiri. Sejak zaman kuno, pedang telah berfungsi sebagai simbol kekuatan, simbol semangat juang samurai dan telah dikaitkan dengan kultus Shinto dan Buddha. Proses menempa pedang disamakan dengan sakramen agama, dengan misteri Shinto. Seorang pandai besi-seniman, mulai menempa pedang, melakukan tindakan ritual yang ketat: menjalankan puasa, melakukan pembersihan wudhu, berdoa kepada dewa-dewa kami, yang tanpa terlihat membantu dan membimbing pekerjaannya. Pedang yang dibuat diilhami dengan semangat kami, jadi pedang itu harus sempurna dalam segala hal.

Memang, pedang tradisional Jepang memiliki kualitas khusus, baik dalam pertempuran maupun estetika; penikmat dapat merenungkan dan mengagumi pedang yang bagus tanpa batas, sebagai karya seni asli dengan banyak detail unik. Dipercaya bahwa pedang Jepang memiliki "empat jenis keindahan": 1) bentuk sempurna yang elegan (ada banyak pilihan untuk bentuk pedang; biasanya, bilah Jepang memiliki satu bilah dan lekukan yang anggun; namun, ada pisau bermata dua dan lurus); 2) struktur baja khusus yang terbentuk selama penempaan (misalnya, pada beberapa bilah pola terbentuk yang menyerupai struktur berlapis kristal atau pohon, pada yang lain "butiran" kecil atau besar muncul, memberikan baja ilusi transparansi ); 3) garis bersinar khusus (jamon) yang terbentuk di sepanjang bilah sebagai hasil pengerasan bilah (ada banyak jenis jamon - beberapa menyerupai puncak gunung yang tajam, yang lain terlihat seperti ombak yang naik perlahan, yang lain terlihat seperti awan yang aneh, dll.) ; 4) pemolesan yang hati-hati, yang memberi bilah kilau dan kecemerlangan tertentu. Pada beberapa bilah, figur relief naga, lambang samurai, hieroglif individu, dll. Juga diukir.Pada tang banyak bilah, penciptanya mengukir prasasti kaligrafi, terkadang bertatahkan logam mulia.

Kepentingan khusus juga melekat pada tunggangan pedang, yang terdiri dari sejumlah besar bagian individu, banyak di antaranya merupakan karya seni independen. Gagang pedang diukir dari kayu magnolia, kemudian ditutup dengan kulit ikan pari atau hiu dan dijalin dengan sutra atau tali kulit. Penjaga pedang (tsuba) berfungsi sebagai hiasan utama gagangnya. Tsuba bisa dari berbagai bentuk (bulat, oval, persegi, trapesium, bentuk bunga krisan, dll.), Mereka ditempa dari besi, tembaga, perunggu, banyak yang dihiasi dengan perak, emas atau paduan Jepang tertentu. Setiap tsuba memiliki dekorasi uniknya sendiri (potongan siluet, ukiran, tatahan, lapisan yang terbuat dari berbagai logam dalam bentuk naga, ikan, semua jenis hewan, manusia, dewa, bunga, pohon) dan sebenarnya adalah bagian dari seni perhiasan. Seperti bilah, banyak tsuba yang dihiasi dengan tanda tangan hieroglif dari pengrajin yang membuatnya. Selain tsuba, pegangannya memiliki beberapa elemen dekoratif lagi, termasuk figur logam kecil - menuki, yang terletak di bawah kabelnya. Manuki, sering dihiasi dengan perak dan emas, bisa memiliki bentuk yang paling aneh: naga bermain dengan mutiara; bulan di awan; seorang pria tidur di atas bunga paulownia; setan - tengu; lobster laut atau serangga. Manuki memainkan peran jimat, di samping itu, mereka tidak membiarkan gagang pedang terlepas dari telapak tangan prajurit. Banyak perhatian diberikan pada estetika sarungnya. Sarung biasanya diukir dari kayu dan dipernis - hitam, merah, emas. Kadang-kadang mereka ditutupi dengan kulit ikan pari yang dipoles atau pelat logam; kadang-kadang mereka dipotong dari gading atau bertatahkan dengan takik mutiara, emas atau perak, dll. Sarung banyak pedang memiliki alur khusus untuk pisau kecil - kogatana dan kogai (melempar jepit rambut), yang juga memiliki dekorasi sendiri. Sarung pedang bisa memiliki dekorasi yang mirip dengan yang ada di gagangnya, sehingga menciptakan satu gaya desain dekoratif pedang - misalnya, motif dengan naga atau kehidupan laut adalah hal biasa. Selain itu, banyak sarung pedang (terutama tachi, yang dikenakan pada liontin khusus dengan bilah di bawah, tidak seperti katana, yang dicolokkan ke sabuk dengan bilah menghadap ke atas) dihiasi dengan tali sutra mewah dengan jumbai dan simpul dekoratif. . Dari warna, bentuk dan dekorasi sarungnya, orang bisa menilai pangkat samurai; selain itu, dalam beberapa kasus, etiket menentukan jenis sarung khusus: misalnya, samurai datang ke pemakaman dengan pedang dalam sarung hitam sederhana, tanpa dekorasi apa pun. Perwakilan dari aristokrasi tertinggi memiliki pedang dalam sarung berlapis emas, yang dihiasi dengan batu-batu berharga.

Di Jepang, untuk waktu yang lama ada banyak sekolah keluarga pembuat senjata yang terlibat dalam menempa pisau, memolesnya, membuat sarung dan dekorasi untuk pedang, memproduksi busur, anak panah, anak panah, baju besi dan helm. Ada legenda tentang keterampilan banyak pembuat senjata (seperti, misalnya, Masamune, yang hidup pada akhir abad ke-13 - awal abad ke-14), mereka dianggap sebagai penyihir yang berkomunikasi dengan roh kami, dan sifat magis dikaitkan dengan kreasi tangan mereka.

Sejak zaman kuno, vernis telah dikenal di Jepang; sisa-sisanya ditemukan di situs arkeologi era Jomon. Dalam iklim yang panas dan lembab, pelapis pernis melindungi kayu, kulit, dan bahkan produk logam dari kehancuran. Produk pernis di Jepang telah menemukan aplikasi terluas: piring, peralatan rumah tangga, senjata, baju besi, dll. Produk pernis juga berfungsi sebagai dekorasi interior, terutama di rumah bangsawan. Pernis tradisional Jepang berwarna merah dan hitam, serta emas; menjelang akhir periode Edo, produksi pernis kuning, hijau, coklat dimulai. Pada awal abad XX. pernis putih, biru, dan ungu diperoleh. Pernis diaplikasikan pada alas kayu dalam lapisan yang sangat tebal - hingga 30-40 lapisan, kemudian dipoles hingga menjadi cermin. Ada banyak teknik dekoratif yang terkait dengan penggunaan pernis: maki-e - penggunaan bubuk emas dan perak; urushi-e - lukisan pernis; hyomon - kombinasi; lukisan pernis dengan tatahan emas, perak, dan mutiara. Pernis artistik Jepang sangat dihargai tidak hanya di Jepang, tetapi juga di Barat, dan produksinya masih berkembang.

Orang Jepang sangat menyukai produk keramik. Yang paling awal diketahui dari penggalian arkeologis dan berasal dari periode Jomon. Perkembangan keramik Jepang dan, kemudian, porselen secara signifikan dipengaruhi oleh teknologi Cina dan Korea, khususnya, pembakaran dan pelapisan warna. Ciri khas keramik Jepang adalah bahwa sang master memperhatikan tidak hanya pada bentuk, ornamen dekoratif, dan warna produk, tetapi juga pada sensasi sentuhan yang ditimbulkannya ketika bersentuhan dengan telapak tangan seseorang. Berbeda dengan pendekatan Barat terhadap keramik, pendekatan Jepang terhadap keramik mengasumsikan ketidakrataan bentuk, kekasaran permukaan, retakan, goresan glasir, sidik jari master dan demonstrasi tekstur alami material. Produk keramik artistik meliputi, pertama-tama, mangkuk upacara minum teh, teko, vas, pot, piring dekoratif, wadah sake, dll. Produk porselen terutama adalah vas berdinding tipis dengan dekorasi indah, set teh dan anggur, serta berbagai patung. Sebagian besar porselen Jepang dibuat khusus untuk diekspor ke negara-negara Barat.