Großer Louis-Stil. Großer Stil, Louis XIV-Stil

Die Präsentation wurde für die Unterrichtsstunde "Klassik" im Kurs von Emokhonova (MHK-Klasse 11) gemacht. Aber auch im Allgemeinen Geschichtsunterricht und in der Zusatzausbildung kann dieses Material eingesetzt werden. Enthält eine Vielzahl von Abbildungen. Richtet sich an Mittel- und Oberstufenschüler. Seit einigen Jahren wird es vom Autor erfolgreich im Unterricht eingesetzt.

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Klassizismus: Die Kunst des Klassizismus, der Unterrichtsplan für den großen königlichen Stil Ludwigs XIV. Was ist Klassizismus? Was ist großer königlicher Stil? Führende Architekten des französischen Klassizismus Der Sonnenkönig als Kunstwerk Künstler des französischen Klassizismus Das gesamte siebzehnte Jahrhundert ... Schlussfolgerungen ... Prüfen wir uns selbst? Die Präsentation wurde von der Lehrerin MHK GBOU School 1164 Geraskina E.V. gehalten. Moskau

Klassizismus - das zweite Stilsystem des 17. Jahrhunderts Als Stilrichtung entstand der Klassizismus in England und Holland (Länder, in denen die ersten bürgerlichen Revolutionen stattfanden). Aber der Klassizismus erhält in Frankreich einen besonderen Klang. Das Ergebnis eines grausamen, blutigen Kampfes gegen den feudalen Separatismus um zentralisierte Macht war der Sieg des Absolutismus. An die Stelle der fanatischen Religiosität tritt der „Glaube ohne Exzesse“, der alle weitere Entwicklung der Kultur vorbestimmt.

Die Anforderungen des Absolutismus an die Kunst... Die neuen Ideale der Staatlichkeit forderten von der Kunst solche Formen, die mit der Größe der Herrscher der alten Griechen und Römer in Verbindung gebracht werden sollten. Der strenge (rationale) englische Klassizismus schien jedoch nicht pompös genug, um Ludwig XIV. – den „Sonnenkönig“ – zu verherrlichen. Deshalb wenden sich französische Architekten und Künstler den skurrilen, raffinierten Formen des italienischen Barock zu.

"Großer königlicher Stil" Der Hauptunterschied: Er verbindet die Strenge klassischer Formen in Architektur und Gartenkunst mit der Pomposität des Barock in der Innenausstattung. Am anschaulichsten umgesetzt: Versailles (1624-1687) - die beliebteste Landresidenz von König Ludwig XIV.

Versailles Louis Leveaux (1612-1670) Das alte Jagdschloss Ludwigs XIII. wurde vergrößert und in der Tradition des Klassizismus in seiner Mittelachse mit Vorder- und Gartenportalen hervorgehoben. Auf den drei radialen Alleen von der Seite des östlichen Haupteingangs kamen sie von Paris, Saint-Cloud und den Machthabern zum Palast. Die höfische Kultur der Versailler Zeit liebte solche Nuancen, und das Ensemble von Versailles wurde als Theaterkulisse genutzt, um den Monarchen prunkvoll zu verherrlichen.

Versailles Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) Das Schloss wurde durch Anbauten vergrößert. Die Spiegelgalerie verband die Prunkräume des Königs und der Königin und bildete eine Parkfassade. Die Parkfassade verlieh Versailles eine klassische Strenge: das Vorherrschen horizontaler Linien, ein einziges Flachdach, die Übereinstimmung der Außenmaße des Gebäudes mit der Größe der Innenräume.

Versailles des Gärtnerplaners Andre Le Nôtre (1613-1700) „PARK IST DIE GROSSARTIGE GRÜNE ARCHITEKTUR“ Merkmale eines der ersten regulären Parks: beide Seiten. 4. Obligatorische Elemente des Parks - Rasenflächen und Blumenbeete. 5. Großer Kanal, riesige flache Stauseen 6. Beschnittene Eibenspaliere, Balkengassen und ferne Aussichten. 7. Um eine große Anzahl von Gästen zu unterhalten.

Flache Reservoirs dienen als riesige Spiegel, die den Raum duplizieren, Balkengassen erweitern ihn optisch ins Unendliche. Die axiale Gasse, die von der Parkfassade des Palastes ausgeht und in den Canal Grande übergeht, erweckt den Eindruck von grenzenloser Tiefe und außergewöhnlicher Größe des Parks und drückt die Idee der Unzugänglichkeit der königlichen Person aus. Die zentrale Gasse, die den Palast in westlicher Richtung verlässt, „nimmt“ andere Gassen auf und „fließt“ in den Canal Grande, als ob damit alle Wälder, Felder und Gewässer des Landes in der vorgeschriebenen Weise vor dem Herrscher erscheinen könnten.

Rituale des "Herrn der Natur" An einem Wintertag ging der König mit seinem Gefolge in den Park, und es stellte sich heraus, dass die Blumenparterres nach frischen Blumen dufteten (weshalb alle Blumen in Versailles in Töpfe gepflanzt wurden). daher war es bequemer, verblasste zu ersetzen.) Es stellte sich heraus, dass die Anwesenheit des "Sonnenkönigs" Pflanzen wiederbelebt. Ludwig XIV. pflanzte persönlich seine Lieblingsnelken, Jonquil-Narzissen und Tuberosen in Blumentöpfe, die die Hofschmeichler durch blühende ersetzten, um sicherzustellen, dass sein magischer Einfluss auf die Natur es der gepflanzten Pflanze ermöglicht, sich an einem Tag zu entwickeln.

Ludwig XIV. - der Sonnenkönig und Apollo ... Die Sonnensymbolik diente demselben Zweck und verband das Bild des „Sonnenkönigs“ Ludwigs XIV. mit dem Sonnengott Apollo. Bereits die regelmäßige Gestaltung des Gartens spiegelt die Idee der zyklischen Natur der Natur wider, deren Leben durch die Sonne gegeben wird. Strahlengänge sind mit den Sonnenstrahlen verbunden. Auch alle Gartenbrunnenskulpturen von Versailles unterliegen der Sonnenmythologie. Der Apollo-Brunnen am Fuße des Canal Grande stellt den Sonnengott dar, der auf einer Quadriga aus dem Meer auftaucht, begleitet von Delphinen und Molchen, die ihre Muscheln blasen. Die Sonne erinnert an allegorische Statuen der Jahreszeiten, Tage, Figuren der antiken Mythologie, die mit Apollo in Verbindung gebracht werden, wie die Jägerin Diana, seine Schwester oder der junge Mann Hyazinthe, der von Apollo in eine Blume verwandelt wurde.

Symbolik des Schlosses Die Symbolik des Schlosses, das einen zentralen Platz im Schloss- und Parkensemble von Versailles einnimmt, all seine Wohnräume waren von „Ritualität“ geprägt. Der wichtigste "Schrein" des Palastes - das Schlafzimmer des Königs - befand sich auf der zentralen Ost-West-Achse und hatte seine Fenster der aufgehenden Sonne zugewandt. Der Sonne folgend begab sich der „Sonnenkönig“ in die den antiken Göttern Apollo, Venus und Mars gewidmeten Zeremonienhallen. Die Ereignisse des Tages kulminierten in der Spiegelgalerie, wo Zeremonien zur Einführung von Adligen beim König stattfanden, die als großartige Theateraufführung konzipiert waren, bei der der König selbst die erste Geige spielte.

Merkmale der Innenausstattung von Versailles: Das Thema des Sonnen-Apollos war vorherrschend, als Erinnerung an die Exklusivität Ludwigs XIV. Riesige, von Wand zu Wand reichende Gobelins-verdure (vom französischen Verdure - grün), die Landschaften und Jagdszenen darstellen, kopierten das Leben des königlichen Hofes. Malerische Plafonds, die von den Taten und Abenteuern der Götter erzählten, deuteten auf die Freizeit des allmächtigen Herrschers hin. Große Spiegel, die das Parkensemble widerspiegelten, erzeugten die Illusion eines endlosen Raumes, in dem die „Königssonne“ regiert. Skulpturen, die mit Antiquitäten verglichen werden, Bronze, mehrfarbige Marmorböden und -wände, kostbare Möbel mit Intarsien aus Schildpatt und Perlmutt – all dieser Luxus entfernte den Lebensraum so weit wie möglich von der Prosa des Lebens.

XVII Jahrhundert für die Weltkultur 1. Eine der bedeutendsten Epochen der Kulturgeschichte. 2. Nach der Renaissance und vor der Aufklärung erbte er viel von der ersten und nahm die Entdeckungen der zweiten vorweg. Das Hauptmerkmal der Ära ist die gleichzeitige Entwicklung zweier führender Stilsysteme - Barock und Klassizismus - in Gegenwart eines bedeutenden künstlerischen Konzepts des Jahrhunderts - Realismus.

Bedeutung der Kultur des 17. Jahrhunderts: Zum ersten Mal überschritt die Kunst die Grenzen eines großen, etablierten Stils in der Architektur, wie es in früheren Zeiten der Fall war. Der Barock schuf eine Kunst voller Bewegung, Energie und Leidenschaft. Er war besessen von Impulsen zum Unendlichen, Jenseits, Betroffenheit. Der Klassizismus des 17. Jahrhunderts stellte der elementaren Dynamik des Barock das Ideal des Gleichgewichts, der Regelmäßigkeit, des Rationalismus entgegen.

Die Bedeutung der Kultur des 17. Jahrhunderts (2): Der Realismus des 17. Jahrhunderts, der als Reaktion auf die Komplexität und Abstraktion der degenerierten Kunst des späten Manierismus entstand, schuf Bilder, in denen die innere Welt eines Menschen und das ihn umgebende emotionale Umfeld dargestellt wurden wurden weniger am Alltag als an der Ewigkeit gemessen. Im 17. Jahrhundert Die nationalen europäischen Kulturen erreichten unter Beibehaltung lokaler Besonderheiten ein so hohes Maß an Gemeinsamkeit, dass es möglich wurde, von der Bildung einer einzigen künstlerischen Weltkultur des Jahrhunderts zu sprechen.

Fragen und Aufgaben 1. Welche Merkmale zeugen vom „Gartenleben“ des französischen Klassizismus? Verwenden Sie zur Beantwortung die Abbildungen aus Aufgabe Nr. 17 im Arbeitsheft. 2. Erledigen Sie Aufgabe Nummer 18 in der Arbeitsmappe. 3. Löse die letzte Aufgabe zum Abschnitt „Kunstkultur des 17. Jahrhunderts“ im Arbeitsheft. 4. Projektaktivität. Finden Sie die Merkmale der barocken Ästhetik in der umgebenden Realität. Wie manifestiert es sich in Architektur, Dekor, Theateraufführungen, Kleidung, Accessoires, Menschentypen? Bestimmen Sie die Unterschiede in der Garten- und Parkarchitektur des Barock und des Klassizismus in Ihrer Stadt, Ihrem regionalen Zentrum, Ihren Vorstadtsiedlungen von St. Petersburg und Westeuropa.

großer Stil- (französisch "Grand maniere", Le style Louis Quatorze) - der künstlerische Stil einer der hellsten Perioden in der Geschichte Frankreichs, dem "goldenen Zeitalter" der französischen Kunst in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts.

Verbunden mit den Regierungsjahren von König Ludwig XIV. (1643-1715), daher der Name. Dieser Stil kombinierte Elemente des Klassizismus und des Barock. Mit seiner figurativen Struktur drückte der „Grand Style“ die Ideen des Triumphs starker, absoluter königlicher Macht, nationaler Einheit, Reichtum und Wohlstand aus, daher sein Beiname „ Le Grand».

1643 stand der fünfjährige Thronfolger an der Spitze Frankreichs Ludwig XIV, seine Mutter, Königin Anna von Österreich, wurde Regentin. Die Politik wurde vom ersten Minister, dem allmächtigen Kardinal Mazarin, bestimmt. Trotz des Hasses des Volkes auf den italienischen Kardinal und der Abneigung gegen die „österreichische Königin“ scharte sich um die Idee der Notwendigkeit einer starken absoluten Macht als unabdingbare Voraussetzung für die Entwicklung der französischen Nation und die Einigung des Landes thronen die fortschrittlichen Köpfe dieser Zeit - Politiker, Adel, Schriftsteller und Künstler. 1655 äußerte der junge König bei einer Parlamentssitzung den berühmten Satz: „ L "Etat, c" ist mein!" ("Der Staat, ich bin es!"). Und die Höflinge nannten ihn natürlich nicht ohne Schmeichelei " Roi Soleil- "König-Sonne" (die immer über Frankreich scheint). Finanzminister des Sonnenkönigs J.-B. Colbert"beaufsichtigt" die Entwicklung der Architektur, die Aktivitäten der Akademien. 1663 organisierte Colbert „ Akademie der Inschriften, besonders zum Schreiben von Inschriften für Denkmäler und Medaillen, die den König verherrlichen. Kunst wurde zur Staatsangelegenheit erklärt. Künstler erhielten direkte Anweisungen, um die unbegrenzte königliche Macht zu verherrlichen, unabhängig von den Mitteln.

Ästhetische Ideale

Die neuen Ideale des Absolutismus sollten den „Großen Stil“ widerspiegeln. Sie konnten nur sein Klassizismus mit der Größe der alten Griechen und Römer in Verbindung gebracht: Der französische König wurde mit Julius Cäsar und Alexander dem Großen verglichen. Aber der strenge und rationale Klassizismus schien nicht pompös genug, um den Triumph der absoluten Monarchie zum Ausdruck zu bringen. In Italien dominierte damals der Stil Barock-. Daher ist es selbstverständlich, dass sich die Künstler Frankreichs den Formen des modernen italienischen Barock zuwandten. Aber in Frankreich konnte der Barock aus der Architektur des Klassizismus nicht so stark erwachsen wie in Italien.

Seit der Ära Französische Renaissance 16. Jahrhundert hierzulande etablierten sich die Ideale des Klassizismus, dessen Einfluss auf die Kunstentwicklung bis zum Ende des 19. Jahrhunderts nicht nachließ. Dies ist das Hauptmerkmal des "französischen Stils". Darüber hinaus haben sich die klassischen Formen auf einer anderen Grundlage als in Italien auf der Grundlage starker nationaler Traditionen der romanischen und gotischen Kunst etabliert. Dies erklärt, warum nur bestimmte Elemente aus dem italienischen Barock entlehnt wurden und die Ideen des Klassizismus die wichtigsten prägenden Prinzipien der Kunst der Ära Ludwigs XIV. blieben. So wurde bei der Gestaltung der Fassaden von Gebäuden eine strenge klassizistische Ordnungsgestaltung der Mauer beibehalten, barocke Elemente waren jedoch in den Details der Innenausstattung, der Wandteppiche und der Möbel vorhanden.

Der Einfluss der Staatsideologie war so groß, dass fortan einzelne Stationen der Kunstentwicklung in Frankreich mit Königsnamen bezeichnet wurden: der Stil Ludwigs XIV., der Stil Ludwigs XV., der Stil Ludwigs XVI . Der Brauch eines solchen Namens wurde später auf die Zeit vor der Herrschaft Ludwigs XIV. Zurückgeführt. Ein weiteres wichtiges Merkmal dieser Ära war, dass in Frankreich in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts der eigentliche Begriff des künstlerischen Stils geprägt wurde. Zuvor wurden in Italien die Ideen des Klassizismus, die gerade Gestalt annahmen, sofort von Manierismus und Barock verdrängt.

Der Klassizismus als künstlerische Richtung nahm in Frankreich Gestalt an, und seitdem begann nicht Rom, sondern Paris, die Mode in der Kunst zu diktieren, und seine Rolle wurde im folgenden 18., 19. und 20. Jahrhundert nicht geschwächt. Zum ersten Mal in der Geschichte, in Frankreich der Ära Ludwigs XIV., wurde der Stil als die wichtigste Kategorie der Kunst anerkannt, die Ästhetik wurde zur Norm des Lebens, des Lebens und der Bräuche und durchdrang alle Aspekte der Hofetikette (ein Wort die auch am Hof ​​Ludwigs XIV. erschien). Mit dem Stilbewusstsein geht die Ästhetisierung einzelner Formelemente einher, die Kultivierung des Geschmacks, der „Sinn fürs Detail“. Dieses Merkmal ist zu einer Tradition geworden, die über mehrere Jahrzehnte ein besonderes „Formgefühl“, eine plastische Kultur, eine subtile Denkweise geschaffen hat, die der französischen Schule innewohnt. Aber diese Kultur war nicht einfach zu entwickeln. Zunächst wurde das Renaissance-Ideal einer ganzheitlichen, statischen, sich selbst ausbalancierenden Form (etwas erschüttert durch die Kunst des Manierismus und des Barock) durch die Idee ersetzt, „zufällige Reize“ und individuelle Mittel zur Erzielung von Schönheit zu ästhetisieren: Linie, Farbe, Materialbeschaffenheit. Anstelle der vom italienischen Architekten und Theoretiker L. B. Alberti vorgeschlagenen Kategorie der Komposition (compositio) wird der Begriff der „gemischten Verbindung“ (lat. mixtum compositura) eingeführt. Den Beginn einer solchen Fragmentierung legten die italienischen manieristischen Künstler, die am Hof ​​von Franz I. und dann von Heinrich II. an der Schule von Fontainebleau arbeiteten. Ihre französischen Studenten, die in den Grafen- und Königsschlössern entlang des Flusses arbeiteten. An der Loire und in Paris selbst formierte sich nach und nach eine aristokratische Formenkultur, die später im Rokokostil des 18. Jahrhunderts erstrahlte, aber im 17. Jahrhundert erste Früchte trug. „Vielleicht war der Einfluss der französischen Kunst auf das Leben der oberen Schichten der europäischen Gesellschaft, einschließlich der russischen Gesellschaft, im 18. Jahrhundert stärker, aber die Grundlagen für die Vorherrschaft der französischen Sprache, Manieren, Mode und Vergnügungen wurden zweifellos gelegt die Zeit des Sonnenkönigs.

Nicht umsonst wird die zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts als „glanzvollste Periode der französischen Geschichte“ bezeichnet. Die in den Memoiren und ästhetischen Abhandlungen der damaligen Zeit am häufigsten vorkommenden Worte sind: groß, erhaben, luxuriös, festlich... Wahrscheinlich erweckte die Pracht des Stils der höfischen Kunst wirklich den Eindruck einer "ewigen Feier des Lebens". Laut der berühmten Memoirenschreiberin Madame de Sevigne war der Hof Ludwigs XIV. die ganze Zeit „in einem Zustand des Vergnügens und der Kunst“ ... Der König „hört immer etwas Musik, sehr angenehm. Er spricht mit Damen, die an diese Ehre gewöhnt sind ... Die Feierlichkeiten gehen jeden Tag und um Mitternacht weiter. Im Stil des "brillanten siebzehnten Jahrhunderts" wurden Etikette und Manieren zu einer wahren Manie. Daher die Mode für Spiegel und Memoiren. Die Menschen wollten sich von außen sehen, Zuschauer ihrer eigenen Posen werden. Die Blüte der Hofporträtkunst ließ nicht lange auf sich warten. Der Luxus der Palastempfänge versetzte die Gesandten der europäischen Höfe in Erstaunen.

In der Großen Galerie des Schlosses von Versailles wurden Tausende von Kerzen angezündet, die sich in den Spiegeln widerspiegelten, und die Kleider der Hofdamen waren "so viel Schmuck und Gold, dass sie kaum gehen konnten". Keiner der europäischen Staaten wagte es, mit Frankreich zu konkurrieren, das damals auf dem Höhepunkt des Ruhms stand. "Big Style" erschien zur richtigen Zeit und am richtigen Ort. Er spiegelte genau den Inhalt der Epoche wider – aber nicht ihren tatsächlichen Zustand, sondern die Stimmung der Köpfe. Der König selbst interessierte sich wenig für Kunst, er führte unrühmliche Kriege, die die Staatskräfte erschöpften. Und die Leute schienen zu versuchen, dies nicht zu bemerken, sie wollten so aussehen, wie sie sich selbst in ihrer Vorstellung vorkamen. Welche Arroganz! Beim Studium dieser Epoche hat man das Gefühl, dass ihre größten Künstler Schneider und Friseure waren. Aber die Geschichte hat schließlich alles an seinen Platz gebracht und die großartigen Werke von Architekten, Bildhauern, Zeichnern und Graveuren für uns bewahrt. Der Stilwahn, die französische „große Manier“, breitete sich schnell in ganz Europa aus und überwand diplomatische und staatliche Schranken. Die Macht der Kunst erwies sich als stärker als Waffen, und Berlin, Wien und sogar das steife London kapitulierten vor ihr.

Grundprinzipien des Stils

"Louis XIV-Stil" legte den Grundstein für eine internationale europäische Hofkultur und sorgte mit seinem Siegeszug für eine erfolgreiche Verbreitung des Gedankenguts Klassizismus und Kunststil neoklassisch in der zweiten Hälfte des 18. - frühen 19. Jahrhunderts. in den meisten europäischen Ländern. Ein weiteres wichtiges Merkmal der Ära des "Großen Stils" ist, dass zu dieser Zeit die Ideologie und Formen des europäischen Akademismus endgültig Gestalt annahmen. 1648 wurde auf Initiative des „Ersten Malers des Königs“ Lebrun, a Königliche Akademie für Malerei und Bildhauerei. 1666 wurde in Rom die Französische Akademie der Malerei gegründet. 1671 in Paris organisiert Königliche Akademie der Architektur. F. Blondel der Ältere wurde zum Direktor ernannt, A. Felibien zum Sekretär. "Big Style" erforderte viel Geld. Der königliche Hof, der Hofadel, die Akademien und die katholische Kirche schafften es, auch im Umkreis der Hauptstadt ein Umfeld zu schaffen, in dem teure Meisterwerke entstanden. Zunächst war der Bau grandioser architektonischer Ensembles erforderlich. Die offiziellen Ämter „Architekt des Königs“ und „erster Baumeister des Königs“ wurden eingeführt.

Alle Bauarbeiten lagen in der Abteilung des Gerichts. 1655-1661. Architekt L. Lev gebaut für N. Fouquet, "Königlicher Finanzkontrolleur", Palast von Vaux-le-Vicomte. Park im regulären Stil A. Le Notre, Innenräume mit Brillanz gestaltet S.Lebrun. Der Palast und der Park erregten so starken Neid auf König Ludwig, dass der Minister Fouquet beim ersten Vorwand ins Gefängnis geworfen wurde, und Le Vaux und Le Nôtre wurden angewiesen, in Paris und Versailles etwas Grandioseres zu bauen. 1664-1674. Der Bau der Ostfassade vervollständigte das architektonische Ensemble des Louvre - der wichtigsten königlichen Residenz in Paris. Die Ostfassade wird wegen der mächtigen Doppelsäulenreihe der „großen Ordnung“ „Kolonnade des Louvre“ genannt. Säulen mit korinthischen Kapitellen erheben sich über dem Untergeschoss und bedecken den zweiten und dritten Stock, wodurch ein kraftvolles, strenges und majestätisches Bild entsteht. Die Kolonnade erstreckte sich über 173 Meter. Die Geschichte dieses Meisterwerks ist interessant. Ein herausragender Meister des reifen römischen Barocks, J. L. Bernini, wurde zur Teilnahme am Wettbewerb eingeladen. Er präsentierte ein barockes Projekt mit prätentiös geschwungenen Fassaden, die mit vielen dekorativen Elementen gesättigt waren, aber die Franzosen bevorzugten ihr eigenes, häusliches, strengeres und klassischeres. Ihr Verfasser war kein professioneller Baumeister, sondern ein architekturbegeisterter Arzt, der in aller Ruhe die Abhandlung von Vitruv ins Französische übersetzte. Es war K. Perrot. Er verteidigte ausschließlich die antiken, altitalienischen Grundlagen der klassischen Architektur. Zusammen mit C. Perrault waren F. de Orbe und L. Levo am Bau des Louvre beteiligt, der den neuen Nord- und Südflügel des Palastes schuf.

Unter Ludwig XIV. erlangte der Architekt und Festungsbauer S. de Vauban Berühmtheit, er baute über dreißig neue Festungsstädte und baute viele alte wieder auf. L. Levo wurde Autor von zwei herausragenden Gebäuden, die einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der Architektur des europäischen Klassizismus hatten: Hotel Lambert(1645) und Ensemble " Kollegium der vier Nationen» (« Institut von Frankreich»; 1661-1665). Neben dem "College de France" 1635-1642. der Architekt J. Lemercier baute die Sorbonne-Kirche mit einer italienischen Barockfassade (sie enthält das Grab von Kardinal Richelieu, Rektor der Universität). Wie die Kapelle des College de France ist auch die Sorbonne-Kirche mit einer für die damalige Zeit ungewöhnlichen „französischen Kuppel“ gekrönt. 1671-1676. L. Bruant errichtete am linken Ufer der Seine einen Gebäudekomplex für Invalides für Kriegsveteranen. 1679-1706. Architekt J. Hardouin Mansart ergänzte dieses Ensemble mit seinem Meisterwerk - Kirche von Les Invalides. Seine Kuppel mit vergoldetem Ornament, "Laterne" und Turmspitze ist weithin sichtbar. Die Kirchen des Institute of France, der Sorbonne und Les Invalides waren ein neuer Typ klassischer Gebäude, mit zentrischem Grundriss, mit einem Portikus, einem dreieckigen Giebel und einer Kuppel auf einer Trommel mit Säulen oder Pilastern. Diese Komposition - das sogenannte "französische Schema" - ist die Grundlage für viele nachfolgende Architekturwerke des europäischen Klassizismus des 18.-19. Jahrhunderts, auch in Russland. 1685-1701. entworfen von J. Hardouin-Mansart im Zentrum von Paris, a Platz Ludwig der Große(später - Platz Vendôme). Im Grundriss rechteckig, mit abgeschnittenen Ecken, wurde es als zeremonielles Ensemble zu Ehren des Sonnenkönigs konzipiert. In der Mitte befand sich eine Reiterstatue Ludwigs XIV. von F. Girardon (1683-1699); während der Revolution von 1789 zerstört. Die Fassaden der Gebäude, die den Platz einrahmen, haben Säulengänge des gleichen Typs, was der Komposition Integrität und Vollständigkeit verleiht. Ein weiterer Platz zu Ehren des Königs, ebenfalls von J. Hardouin-Mansart entworfen, - „ Siegesplatz» (Place des Victoires) wurde 1685 geschaffen. Es wurde dekoriert Reiterstandbild Ludwigs XIV Werk eines holländischen Bildhauers M. Fan Len Bogart(Spitzname Desjardins); während der Revolution von 1792 zerstört (1822 von M. Bosio restauriert; siehe cavallo).

1672 wurde es nach dem Projekt des Leiters der Königlichen Akademie für Architektur F. Blondel der Ältere zu Ehren der Siege der französischen Waffen errichtet - der Überquerung der Armee von König Ludwig über den Rhein. Blondel hat die Form des römischen Arc de Triomphe neu gedacht und einen neuen Gebäudetyp „Grand Style“ geschaffen. Die Basreliefs des Bogens nach den Skizzen von Ch. Lebrun wurden von den Bildhauern Angie Brothers angefertigt. Ab 1676 entwickelte Blondel einen neuen Masterplan für Paris, der die Schaffung großer architektonischer Ensembles und Prospekte vorsah. F. Blondel war ein herausragender Theoretiker, der in seinem „Architekturkurs“ (1675) argumentierte, dass die Grundlagen des klassischen Stils nicht „in der Nachahmung Roms“ lägen, sondern in rationalem Denken und präziser Kalkulation der Proportionen. Der Schöpfer der "Kolonnade des Louvre" K. Perrault argumentierte mit ihm. 1691 erschien eine weitere theoretische Abhandlung unter dem gleichen Titel: „The Course of Architecture“ von Sh.-A. von Aviler. 1682 verließ Ludwig XIV. Paris und der Hof zog in eine Vorstadtresidenz.

Sie sehen in dieser Geste den Wunsch des Königs, eine neue glänzende Hauptstadt zu schaffen, die ganz und gar nur mit seinem Namen verbunden ist. Unter den Bildhauern des „Grand Style“ ragen F. Girardon, A. Coisevo, N. Coust (dessen jüngerer Bruder für die Gruppen der „Marley-Pferde“ bekannt ist), P. Puget, J. Sarazin, J.-B . Tubi. Während der Regierungszeit Ludwigs XIV. arbeiteten zwei herausragende Maler: K. Lorrain und N. Poussin. Sie arbeiteten in Italien und waren in ihrem Anspruch weit entfernt vom pompösen „Grand Style“. Ein überzeugter Romanautor C. Lorrain ist Landschaftsmaler, Lyriker und Romantiker. N. Poussin schuf Meisterwerke, die die Ideen des „reinen“ römischen Klassizismus verkörpern, der auch die Harmonie der Antike romantisch übersetzt. Trotz der Forderungen des Königs wollte Poussin nicht in Frankreich arbeiten und Hofmaler werden. Daher wurden die Lorbeeren des Hofmalers zuerst von dem kalten und langweiligen Akademiker S. Vuz und dann von seinem Schüler P. Minyar erworben. In den gleichen Jahren entbrannte der berühmte Streit zwischen den „Poussinisten“ (Anhänger des Klassizismus) und den „Rubensisten“ (Anhänger des Barock). An der Royal Academy of Painting wurden die „Poussinisten“ von Ch. Lebrun und die „Rubensisten“ von P. Mignard und Roger de Piles. C. Lebrun verehrte Raffael und Poussin und widmete diesen Künstlern an der Akademie besondere Vorträge; 1642 begleitete er Poussin nach Italien und arbeitete einige Zeit mit ihm in Rom. Aber es ist bezeichnend, dass das Dilemma „Poussin-Rubens“ (Klassizismus-Barock), das sich in den Mauern der Pariser Akademie durch die Auseinandersetzung Lebrun-Mignard widerspiegelte, seine Bedeutung verlor, so ähnlich war die akademische Malerei: Der Akademismus nivellierte die Stilunterschiede . Hofporträts der von S. Vue und P. Mignard geschaffenen "großen Statuen oder hohen Stile" werden manchmal als "barocker Akademismus" bezeichnet. Von den Wänden der Apollo-Galerie im Louvre schauen uns die französischen Könige und die besten Künstler Frankreichs jener Zeit an - alle Porträts zeigen einen herablassenden, herablassenden Ausdruck, und auf dem Gesicht des Sonnenkönigs (Porträt von Lebrun) - eine verächtliche Grimasse. Derselbe Ausdruck auf einem Werk, das in Malerei und Komposition großartig ist - ein Porträt Ludwigs XIV. Von I. Rigaud. Die meisten Gemälde des „ersten Malers des Königs“ Charles Lebrun sind die langweiligsten Beispiele des akademischen Klassizismus.

Es gibt einen großen Saal im Louvre, der vollständig mit riesigen Leinwänden von C. Lebrun gefüllt ist, es ist unerträglich, sie anzusehen. Gleichzeitig ist das „Bildnis des Kanzlers Seguier“ (1661), sein eigenes Werk, das malerisch exquisiteste Werk. Diese Widersprüche spiegeln die Nuancen der Grand-Style-Ära wider. Die herausragenden Stecher J. Morin, K. Mellan, R. Nanteuil, J. Edelink leisteten einen wesentlichen Beitrag zur Kunst des zeremoniellen Porträts des „Statuenstils“. Der Maler N. de Largilliere, der wie viele andere Porträtmaler unter dem Einfluss von A. Van Dyck arbeitete, malte weltliche Schönheiten in Form antiker Göttinnen und Nymphen vor dem Hintergrund einer Waldlandschaft, die die Züge der Rokoko-Stil der Mitte des nächsten Jahrhunderts. Im 17. Jahrhundert in Frankreich entstanden die besten Werke im Genre des Zierstichs, gelinde gesagt: das Genre selbst wurde geschaffen. Die Kompositionen von J. Lepôtre, D. Maro the Elder und J. Maro the Elder, gesammelt in großen Alben („Vasen“, „Portale“, „Plafonds“, „Cartouches“, „Fireplaces“, „Borders“) demonstrierten dies Hauptmerkmale in bestmöglicher Weise "Grand Style", sie divergierten in vielen Ländern und beeinflussten maßgeblich die Entwicklung der dekorativen Kunst in ganz Europa. Bei der Arbeit in diesem Genre ließen sich die Künstler nicht von der Handlung und den Anforderungen des Auftraggebers leiten, sondern ließen ihrer Fantasie freien Lauf und arbeiteten einzelne formale Stilelemente perfekt aus.

Manifestation des "großen Stils" im Dekor

Ein herausragender Dekorateur des „Großen Stils“, der auch das Rokoko vorwegnahm, war J. Veren der Ältere. Er gestaltete Hoffeste, Inszenierungen von Opern von J.-B. Lully, ein Komponist des „Versailles-Stils“, fertigte Zeichnungen von Möbeln, Innenarchitektur und Dekoration von Schiffen an. In den gleichen Jahren wurde der grandiose Plan Ludwigs XIV. verwirklicht, alle bedeutenden Kunstwerke, die in Frankreich während seiner Regierungszeit entstanden und sich in den königlichen Sammlungen befanden, zu gravieren. Eine Idee, die "Big Style" würdig ist! Eine solche künstlerische Enzyklopädie wurde ab 1663 erstellt und 1677-1683 in Alben mit Kupferstichen „in Folio“ (lateinisch „auf einem Blatt“, dh Großformat) veröffentlicht. Die Gravuren reproduzieren Gemälde, Skulpturen, königliche Wandteppiche, Sammlungen von Medaillen, Münzen, Kameen, Ansichten von königlichen Palästen und Schlössern. 1727 und 1734 wurden diese Serien unter dem Titel "Königliches Kabinett" erneut veröffentlicht (eine ähnliche Serie entstand 1729-1742 unter der Leitung von P. Crozat). Die Initiativen von König Ludwig XIV. trugen zur Entstehung der Kunstsammlung des Louvre bei. 1662 wurde im Auftrag des Ministers J.-B. Colbert, aus einer einfachen Werkstatt von Wollfärbern in den Vororten von Paris, entstand die „Königliche Möbelmanufaktur“, oder auch Tapisserie-Manufaktur.

Dort wurden nicht nur gewebte Teppiche - Wandteppiche, sondern auch Möbel, Mosaike und Bronzeprodukte hergestellt. Ab 1664 wurde die Manufaktur Beauvais betrieben, ab 1665 - Aubusson, ab 1624 - Savonnerie. An der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert. Die französische Kunst schuf nach den Eindrücken der Zeitgenossen ein Gefühl von "ungezügeltem Luxus und Glanz". Koryverdyur und riesige "Bild" -Wandteppiche mit üppigen Rändern - Girlanden aus Blumen und Früchten, Emblemen und Kartuschen, die mit schimmernden Gold- und Silberfäden gewebt sind, besetzten alle Wände. Sie entsprachen nicht nur dem Charakter der Interieurs des „Grand Style“, sondern gaben ihnen auch den Ton an. Ch. Lebrun war der Chefkünstler der Gobelin-Manufaktur. Die berühmteste Serie von Wandteppichen, die auf seinen Kartons basieren, ist The Months or Royal Castles (1666), in der Lebrun erfolgreich „den klassischen Stil Raffaels mit dem barocken Pomp Rubens“ kombinierte. Von 1668 bis 1682 eine Serie von zwölf Teppichen wurde sieben Mal wiederholt. Andere Serien wurden ebenfalls berühmt, ebenfalls basierend auf den Kartons von Lebrun, „Die Geschichte Ludwigs XIV“, „Die Elemente oder die Jahreszeiten“, „Die Geschichte Alexanders des Großen“. Frankreich hat noch nie eine solche Fülle an Meisterwerken der dekorativen Kunst gekannt. Ein Ereignis in der Möbelkunst waren die Originalarbeiten des herausragenden Meisters A.-Sh. Stier. Seine monumentalen Schränke und Kommoden mit vergoldeten Bronzeüberzügen, Intarsien reich an Farbe und Textur, entsprachen der Erhabenheit prachtvoller Palastinterieurs. Im 17. Jahrhundert kam neben Samt und Seide auch Spitze in Mode, sie wurde zu einem unverzichtbaren Accessoire nicht nur für Frauen, sondern auch für Männer.

Zunächst wurden flämische Spitze und venezianische Guipure nach Frankreich importiert. 1665 wurde in der Stadt Alençon eine Werkstatt gegründet, in der lokale Kunsthandwerkerinnen von venezianischen Spitzenklöpplerinnen ausgebildet wurden. Bald hieß Alencon-Guipure "point de France" ("Französischer Stich"). Durch ein besonderes Dekret befahl König Ludwig seinen Höflingen, nur französische Spitze zu tragen. Sie zeichneten sich durch ein besonders kleines, exquisites Muster aus. Der Hofjuwelier Ludwigs XIV. war der Silberschmied K. Ballen der Erste. Er entwarf Besteck und gegossene Silbermöbel für Versailles. Diese Arbeiten dauerten nicht lange. 1689 erließ der König im Zusammenhang mit den finanziellen Schwierigkeiten des Staates ein „Dekret gegen den Luxus“ über das Einschmelzen aller Gold- und Silbergegenstände in Münzen. Eine große Anzahl einzigartiger Werke ging verloren. Aber der König hatte immer noch nicht genug Geld, und das Dekret wurde 1700 wiederholt. Dadurch wurde der französische Schmuck enorm beschädigt, aber gleichzeitig trugen die Dekrete zum Aufstieg der Fayence-Produktion in Rouen und Mustier bei. Besteck sollte durch Fayence ersetzt werden. So entstand der einzigartige „strahlende Stil“ der Fayence-Malerei von Rouen. Ende des 17. Jahrhunderts war auch die Blütezeit der Seidenstickerei. Der „große Stil“ der Ära des Sonnenkönigs schuf eine weitere französische Tradition. Der Ton in der Kunst begann von Frauen anzugeben. Viele originelle künstlerische Ideen wurden nicht auf dem Thron geboren, sondern in den Salons (dieses Wort tauchte auch im 17. von Montespan. Marquise Francoise Athenais de Montespan (1641-1707) war eine Vertreterin der ältesten Adelsfamilie. Viele Künstler verdanken ihr Wohlergehen ihrer Ausbildung, ihrem feinen Geschmack und ihrer Liebe zur Kunst. 1678 erregte Marie Angelique de Fontanges (1661-1681) die Aufmerksamkeit des Königs. Sein Einfluss erklärt die Entstehung neuer Modelle von Kleidung, Frisuren und Schmuck. So fiel eines Tages während einer königlichen Jagd das Haar der Herzogin von Fontange auseinander und sie band ihr Haar mit einem Band zusammen. Der König drückte seine Bewunderung aus und bald trugen alle Hofdamen die Fontange-Frisur („a La Fontanges“).

1684, nach dem Tod der Königin, heiratete Ludwig XIV. heimlich die Marquise Francoise de Maintenon (1635-1719). Die Marquise zeichnete sich durch ihre Frömmigkeit aus und unterlag im Laufe der Jahre immer mehr dem Einfluss ihrer katholischen Beichtväter. Durch sie beschloss die Kirche, Ludwig zum Weg der Frömmigkeit zu bekehren. Daher war die gesamte zweite Hälfte der Regierungszeit in harten Tönen gehalten und fand in einer Atmosphäre "allgemeiner Niedergeschlagenheit" statt. Es wird auch angenommen, dass der König unter dem Einfluss des frommen Katholiken Maintenon 1685 beschloss, das Edikt von Nantes aufzuheben. Dieses bereits 1598 von Heinrich IV. erlassene Edikt garantierte die Religionsfreiheit in Frankreich. Mit seiner Abschaffung war ein erheblicher Teil der protestantischen Juwelier-, Ziselierer-, Emaillierer-, Keramiker- und Webermeister gezwungen, Frankreich für immer zu verlassen. Nach ihrem Umzug nach Deutschland, England, Holland und in die Schweiz leisteten diese Meister einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung der dekorativen und angewandten Kunst dieser Länder. Nach der Aufhebung des Edikts von Nantes kommt es im künstlerischen Leben Frankreichs zu einem Niedergang. Bis Ende des 17. Jahrhunderts. Der „große Stil“ hatte offensichtlich seine Möglichkeiten erschöpft, das „goldene Zeitalter“ der französischen Kunst neigte sich dem Ende zu, um der Kammer- und leicht müden Kunst des Regency-Stils des frühen 18. Jahrhunderts Platz zu machen. Aber seit dem 17. Jahrhundert in Europa beginnt die Verbreitung der Ideen des Klassizismus. Erst ab Mitte des 18. Jahrhunderts konnten diese Ideen in einem internationalen Kunststil Gestalt annehmen. Für Frankreich nach der klassischen Kunst der Renaissance des 16. Jahrhunderts. und der „Große Stil“ des 17. Jahrhunderts war es bereits die dritte Welle des Klassizismus, daher wird der künstlerische Stil der französischen Kunst der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts als Neoklassizismus bezeichnet, während er in Bezug auf andere europäische Länder einfach ist Klassizismus.

Üppiger "Louis XIV-Stil" im Innenraum

Die Innenräume der Zeit Ludwigs XIV. erhalten im Gegensatz zum äußeren Erscheinungsbild der Bauten dieser Zeit einen überaus prachtvollen, feierlich-zeremoniellen Charakter. In Erfüllung ihrer sozialen und historischen Funktion dienten sie als reiche, prächtige und zugleich monumentale Kulisse für die Zeremonien und Rituale des damaligen Hoflebens. Frankreich war in dieser Zeit der mächtigste Staat in Europa. Der damalige künstlerische Diktator, der Hofmaler Charles Lebrun, versuchte, den großen Klang der Innenausstattung zu steigern, indem er polychrome Marmore in Kombination mit vergoldeter Bronze, Reliefs und einer äußerlich spektakulären Plafondmalerei einführte. In den Innenräumen wurden Ordnungselemente verwendet, hauptsächlich Pilaster, Halbsäulen, aber das Hauptaugenmerk wurde nicht auf die Genauigkeit ihrer Proportionen gelegt, sondern auf die Dekoration - Auskleidung mit farbigem Marmor. Die Hauptrolle bei der Dekoration der Räumlichkeiten spielten schwere Rahmen und architektonische und plastische Details, die einzelne Wandabschnitte, Gesimse, umrahmten und verzierten, in Form von Desudeports über den Türen an der Decke platzierten. Beispiele sind die Dekoration des Schlosses von Versailles, einschließlich der Kriegs- und Friedenssäle.

Die führende Rolle bei der Bestimmung des Stils der dekorativen Kunst dieser Zeit gehörte, wie bereits erwähnt, Charles Le Brun bei der Entwicklung von Mustern in der ersten Periode der Blütezeit des Barock - dem Künstler Jean Lepotre.

Die Palastmöbel im Stil Ludwigs XIV. zeichneten sich durch den Reichtum und die Übersättigung des Designs aus, insbesondere durch die Schnitzereien, die reich mit Vergoldungen bedeckt waren. Neben Möbeln mit geschnitzter Verarbeitung kommen Möbel in Mode. "Bullenstil", später benannt nach dem Hofschmied Andre Charles Bull (1642 - 1732). In Gegenwart einer ziemlich einfachen Struktur wurden Objekte aus farbigem, hauptsächlich Ebenholz geschaffen, sie wurden mit Hilfe von Orozon-Rahmen, die mit Schildpatteinsätzen, Perlmutt und anderen Materialien, Stäben, Rosetten und anderen Details gefüllt waren, reichlich verziert. Die kompositorische Grundlage bildeten Tafeln mit der Einführung menschlicher Figuren, die von den Windungen des Ornaments umrahmt wurden. Bulls Möbel, reich und raffiniert, erzeugten gleichzeitig ein Gefühl einer gewissen Formtrockenheit.

Seit den 1680er Jahren haben in diesem Stil hergestellte Möbel aufgrund der Verdrängung von Holzteilen durch glänzendes Metall - vergoldete Bronze - eine besondere Raffinesse in der Dekoration erlangt. Silber, Messing und Zinn wurden auch zur Dekoration verwendet.

Sessel, Stühle und Sofas, die sich zu dieser Zeit verbreiten, haben S-förmige oder pyramidenförmige Beine, die sich nach unten verjüngen. Auch die Form der Armlehnen wird immer komplizierter. Der gepolsterte Sitz, die hohe Rückenlehne und teilweise die Armlehnen sind mit verschiedenen eleganten Gobelinstoffen mit Bildern von Bäumen, Blumen, Vögeln und dekorativen Locken bezogen. Die Stuhltypen werden immer vielfältiger, insbesondere gibt es Stühle mit zwei seitlichen Halbrundleisten hinten in Kopfhöhe – speziell für Senioren. Aus der Kombination von drei miteinander verbundenen Sesseln mit fehlenden Armlehnen des Mittelsessels entstehen Sofas. Die Rahmen ihrer Rücken erhalten weiche wellenförmige Umrisse.

Zu dieser Zeit verbreiteten sich Schrankmöbel weiter: Tische in verschiedenen Formen, Wandkonsolen, meistens auf gebogenen Beinen, Kommoden, die Truhen-Kassetten zur Aufbewahrung von Wäsche ersetzten. Reiche Schnitzereien und vergoldete Bronzedetails werden häufig in der Dekoration verwendet. Die Möbel dieser Zeit, schwer und monumental, erhalten eine große kompositorische Vielfalt sowohl im Allgemeinen als auch in einzelnen Elementen.

Die angewandte Kunst der Mitte und zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts war, wie oben erwähnt, für die Innenausstattung von großer Bedeutung. Die Zimmer wurden mit Spalieren, auf den Boden gelegten Savoneri-Teppichen, Seidenstoffen, Vorhängen und Tischdecken, Silberwaren geschmückt, die im Laufe der Zeit immer verbreiteter und wichtiger wurden.

Seit dem Ende des 17. Jahrhunderts, aufgrund der Verschlechterung der wirtschaftlichen Lage des Landes, einschließlich des königlichen Hofes, verursacht durch Versagen militärischer und politischer Natur, gibt es den ultimativen Luxus der Dekoration, der am Hof ​​von Ludwig XIV. beobachtet wurde Weg zur relativen Zurückhaltung. Die Elemente des Klassizismus werden in den Innenräumen intensiviert.

Der „Stil Ludwigs XIV.“ legte den Grundstein für eine internationale europäische Hofkultur und sorgte mit seinem Siegeszug für die erfolgreiche Verbreitung der Ideen des Klassizismus und des Kunststils des Neoklassizismus in der zweiten Hälfte des 18. – frühen 19. Jahrhunderts. in den meisten europäischen Ländern. Ein weiteres wichtiges Merkmal der Ära des "Großen Stils" ist, dass zu dieser Zeit die Ideologie und Formen des europäischen Akademismus endgültig Gestalt annahmen. 1648 auf Initiative des „ersten Malers des Königs“, O. Berger, World History // New History T. 3, St. Petersburg, 1999. S. 171. Lebrun gründete die Königliche Akademie für Malerei und Bildhauerei in Paris. 1666 wurde in Rom die Französische Akademie der Malerei gegründet. 1671 wurde die Royal Academy of Architecture in Paris gegründet. F. Blondel der Ältere wurde zum Direktor ernannt, A. Felibien zum Sekretär. "Big Style" erforderte viel Geld. Der königliche Hof, der Hofadel, die Akademien und die katholische Kirche schafften es, auch im Umkreis der Hauptstadt ein Umfeld zu schaffen, in dem teure Meisterwerke entstanden. Zunächst war der Bau grandioser architektonischer Ensembles erforderlich. Die offiziellen Ämter „Architekt des Königs“ und „erster Baumeister des Königs“ wurden eingeführt.

Alle Bauarbeiten lagen in der Abteilung des Gerichts. 1655-1661. Architekt L. Levo baute für N. Fouquet, den "königlichen Finanzkontrolleur", den Palast von Vaux-le-Viscount. Der Park im regulären Stil wurde von A. Le Nôtre angelegt, die Innenräume wurden von Ch. Lebrun brillant gestaltet. Der Palast und der Park erregten so starken Neid auf König Ludwig, dass der Minister Fouquet beim ersten Vorwand ins Gefängnis geworfen wurde, und Le Vaux und Le Nôtre wurden angewiesen, in Paris und Versailles etwas Grandioseres zu bauen. 1664-1674. Der Bau der Ostfassade vervollständigte das architektonische Ensemble des Louvre - der wichtigsten königlichen Residenz in Paris. Die Ostfassade wird wegen der mächtigen Doppelsäulenreihe der „großen Ordnung“ „Kolonnade des Louvre“ genannt. Säulen mit korinthischen Kapitellen erheben sich über dem Untergeschoss und bedecken den zweiten und dritten Stock, wodurch ein kraftvolles, strenges und majestätisches Bild entsteht. Die Kolonnade erstreckte sich über 173 Meter. Die Geschichte dieses Meisterwerks ist interessant. Ein herausragender Meister des reifen römischen Barocks, J. L. Bernini, wurde zur Teilnahme am Wettbewerb eingeladen. Er präsentierte ein barockes Projekt mit prätentiös geschwungenen Fassaden, die mit vielen dekorativen Elementen gesättigt waren, aber die Franzosen bevorzugten ihr eigenes, häusliches, strengeres und klassischeres. Ihr Verfasser war kein professioneller Baumeister, sondern ein architekturbegeisterter Arzt, der in aller Ruhe die Abhandlung von Vitruv ins Französische übersetzte. Es war K. Perrot. Er verteidigte ausschließlich die antiken, altitalienischen Grundlagen der klassischen Architektur. Zusammen mit C. Perrault waren F. de Orbe und L. Levo am Bau des Louvre beteiligt, der den neuen Nord- und Südflügel des Palastes Lysyanov V.B. Ludwig XIV. über Staat und Monarchie // Neue und Zeitgeschichte Nr. 5 M., 2002. S. 145 ..

Unter Ludwig XIV. erlangte der Architekt und Festungsbauer S. de Vauban Berühmtheit, er baute über dreißig neue Festungsstädte und baute viele alte wieder auf. L. Levo wurde Autor zweier herausragender Gebäude, die einen spürbaren Einfluss auf die Entwicklung der Architektur des europäischen Klassizismus hatten: das Hotel Lambert (1645) und das Ensemble des Kollegiums der vier Nationen (Institut de France; 1661-1665) . Neben dem "College de France" 1635-1642. der Architekt J. Lemercier baute die Sorbonne-Kirche mit einer italienischen Barockfassade (sie enthält das Grab von Kardinal Richelieu, Rektor der Universität). Wie die Kapelle des College de France ist auch die Sorbonne-Kirche mit einer für die damalige Zeit ungewöhnlichen „französischen Kuppel“ gekrönt. 1671-1676. L. Bruant errichtete am linken Ufer der Seine einen Gebäudekomplex für Invalides für Kriegsveteranen. 1679-1706. Architekt J. Hardouin Mansart vervollständigte dieses Ensemble mit seinem Meisterwerk - der Kirche Les Invalides. Seine Kuppel mit vergoldetem Ornament, "Laterne" und Turmspitze ist weithin sichtbar. Die Kirchen des Institute of France, der Sorbonne und Les Invalides waren ein neuer Typ klassischer Gebäude, mit zentrischem Grundriss, mit einem Portikus, einem dreieckigen Giebel und einer Kuppel auf einer Trommel mit Säulen oder Pilastern. Diese Komposition - das sogenannte "französische Schema" - ist die Grundlage für viele nachfolgende Architekturwerke des europäischen Klassizismus des 18.-19. Jahrhunderts, auch in Russland. 1685-1701. Nach dem Projekt von J. Hardouin-Mansart wurde im Zentrum von Paris der Place Ludwig der Große (später Place Vendôme) geschaffen. Im Grundriss rechteckig, mit abgeschnittenen Ecken, wurde es als zeremonielles Ensemble zu Ehren des Sonnenkönigs konzipiert. In der Mitte befand sich eine Reiterstatue Ludwigs XIV. von F. Girardon (1683-1699); während der Revolution von 1789 zerstört. Die Fassaden der Gebäude, die den Platz einrahmen, haben Säulengänge des gleichen Typs, was der Komposition Integrität und Vollständigkeit verleiht. Ein weiterer Platz zu Ehren des Königs, ebenfalls von J. Hardouin-Mansart entworfen, ist der 1685 angelegte „Place des Victoires“ (Place des Victoires). Er wurde von dem holländischen Bildhauer M. fan mit einem Reiterstandbild Ludwigs XIV. geschmückt Len Bogart (Spitzname Desjardins); während der Revolution von 1792 zerstört (1822 von M. Bosio restauriert; siehe cavallo).

1672 wurde nach dem Projekt des Leiters der Royal Academy of Architecture, F. Blondel the Elder, der Bogen von Saint-Denis zu Ehren der Siege der französischen Waffen errichtet - der Überquerung der Armee von König Ludwig über die Rhein. Blondel hat die Form des römischen Arc de Triomphe neu gedacht und einen neuen Gebäudetyp „Grand Style“ geschaffen. Die Basreliefs des Bogens nach den Skizzen von Ch. Lebrun wurden von den Bildhauern Angie Brothers angefertigt. Ab 1676 entwickelte Blondel einen neuen Masterplan für Paris, der die Schaffung großer architektonischer Ensembles und Prospekte vorsah. F. Blondel war ein herausragender Theoretiker, der in seinem „Architekturkurs“ (1675) argumentierte, dass die Grundlagen des klassischen Stils nicht „in der Nachahmung Roms“ lägen, sondern in rationalem Denken und präziser Kalkulation der Proportionen. Der Schöpfer der "Kolonnade des Louvre" K. Perrault argumentierte mit ihm. 1691 erschien eine weitere theoretische Abhandlung unter dem gleichen Titel: „The Course of Architecture“ von Sh.-A. von Aviler. 1682 verließ Ludwig XIV. Paris und der Hof zog in eine Vorstadtresidenz – Versailles.

Sie sehen in dieser Geste den Wunsch des Königs, eine neue glänzende Hauptstadt zu schaffen, die ganz und gar nur mit seinem Namen verbunden ist. Unter den Bildhauern des „Grand Style“ ragen F. Girardon, A. Coisevo, N. Coust (dessen jüngerer Bruder für die Gruppen der „Marley-Pferde“ bekannt ist), P. Puget, J. Sarazin, J.-B . Tubi. Während der Regierungszeit Ludwigs XIV. arbeiteten zwei herausragende Maler: K. Lorrain und N. Poussin. Sie arbeiteten in Italien und waren in ihrem Anspruch weit entfernt vom pompösen „Grand Style“. Ein überzeugter Romanautor C. Lorrain ist Landschaftsmaler, Lyriker und Romantiker. N. Poussin schuf Meisterwerke, die die Ideen des „reinen“ römischen Klassizismus verkörpern, der auch die Harmonie der Antike romantisch übersetzt. Trotz der Forderungen des Königs wollte Poussin nicht in Frankreich arbeiten und Hofmaler werden. Daher wurden die Lorbeeren des Hofmalers zuerst von dem kalten und langweiligen Akademiker S. Vuz und dann von seinem Schüler P. Minyar erworben. In den gleichen Jahren entbrannte der berühmte Streit zwischen den „Poussinisten“ (Anhänger des Klassizismus) und den „Rubensisten“ (Anhänger des Barock). An der Royal Academy of Painting wurden die „Poussinisten“ von Ch. Lebrun und die „Rubensisten“ von P. Mignard und Roger de Piles. C. Lebrun verehrte Raffael und Poussin und widmete diesen Künstlern an der Akademie besondere Vorträge; 1642 begleitete er Poussin nach Italien und arbeitete einige Zeit mit ihm in Rom. Aber es ist bezeichnend, dass das Dilemma „Poussin-Rubens“ (Klassizismus-Barock), das sich in den Mauern der Pariser Akademie durch die Auseinandersetzung Lebrun-Mignard widerspiegelte, seine Bedeutung verlor, so ähnlich war die akademische Malerei: Der Akademismus nivellierte die Stilunterschiede . Hofporträts der von S. Vue und P. Mignard geschaffenen "großen Statuen oder hohen Stile" werden manchmal als "barocker Akademismus" bezeichnet. Von den Wänden der Apollo-Galerie im Louvre schauen uns die französischen Könige und die besten Künstler Frankreichs jener Zeit an - alle Porträts zeigen einen herablassenden, herablassenden Ausdruck, und auf dem Gesicht des Sonnenkönigs (Porträt von Lebrun) - eine verächtliche Grimasse. Derselbe Ausdruck auf einem Werk, das in Malerei und Komposition großartig ist - ein Porträt Ludwigs XIV. Von I. Rigaud. Die meisten Gemälde des „ersten Malers des Königs“ Charles Lebrun sind die langweiligsten Beispiele des akademischen Klassizismus Lysyanov V.B. Ludwig XIV. über Staat und Monarchie // Neue und Zeitgeschichte Nr. 5 M., 2002. S. 147 ..

Es gibt einen großen Saal im Louvre, der vollständig mit riesigen Leinwänden von C. Lebrun gefüllt ist, es ist unerträglich, sie anzusehen. Gleichzeitig ist das „Bildnis des Kanzlers Seguier“ (1661), sein eigenes Werk, das malerisch exquisiteste Werk. Diese Widersprüche spiegeln die Nuancen der Grand-Style-Ära wider. Die herausragenden Stecher J. Morin, K. Mellan, R. Nanteuil, J. Edelink leisteten einen wesentlichen Beitrag zur Kunst des zeremoniellen Porträts des „Statuenstils“. Der Maler N. de Largilliere, der wie viele andere Porträtmaler unter dem Einfluss von A. Van Dyck arbeitete, malte weltliche Schönheiten in Form antiker Göttinnen und Nymphen vor dem Hintergrund einer Waldlandschaft, die die Züge der Rokoko-Stil der Mitte des nächsten Jahrhunderts. Im 17. Jahrhundert in Frankreich entstanden die besten Werke im Genre des Zierstichs, gelinde gesagt: das Genre selbst wurde geschaffen. Die Kompositionen von J. Lepôtre, D. Maro the Elder und J. Maro the Elder, gesammelt in großen Alben („Vasen“, „Portale“, „Plafonds“, „Cartouches“, „Fireplaces“, „Borders“) demonstrierten dies Hauptmerkmale in bestmöglicher Weise "Grand Style", sie divergierten in vielen Ländern und beeinflussten maßgeblich die Entwicklung der dekorativen Kunst in ganz Europa. Bei der Arbeit in diesem Genre ließen sich die Künstler nicht von der Handlung und den Anforderungen des Auftraggebers leiten, sondern ließen ihrer Fantasie freien Lauf und arbeiteten einzelne formale Stilelemente perfekt aus.

Dies erklärt, warum nur bestimmte Elemente aus dem italienischen Barock entlehnt wurden und die Ideen des Klassizismus die wichtigsten prägenden Prinzipien der Kunst der Ära Ludwigs XIV. blieben. So wurde bei der Gestaltung der Fassaden von Gebäuden eine strenge klassizistische Ordnungsgestaltung der Mauer beibehalten, barocke Elemente waren jedoch in den Details der Innenausstattung, der Wandteppiche und der Möbel vorhanden.
Der Einfluss der Staatsideologie war so groß, dass fortan einzelne Stationen der Kunstentwicklung in Frankreich mit Königsnamen bezeichnet wurden: der Stil Ludwigs XIV., der Stil Ludwigs XV., der Stil Ludwigs XVI . Der Brauch eines solchen Namens wurde später auf die Zeit vor der Herrschaft Ludwigs XIV. Zurückgeführt. Ein weiteres wichtiges Merkmal dieser Ära war, dass in Frankreich in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts der eigentliche Begriff des künstlerischen Stils geprägt wurde. Zuvor wurden in Italien die Ideen des Klassizismus, die gerade Gestalt annahmen, sofort von Manierismus und Barock verdrängt.
Der Klassizismus als künstlerische Richtung nahm in Frankreich Gestalt an, und seitdem begann nicht Rom, sondern Paris, die Mode in der Kunst zu diktieren, und seine Rolle wurde im folgenden 18., 19. und 20. Jahrhundert nicht geschwächt. Zum ersten Mal in der Geschichte, in Frankreich der Ära Ludwigs XIV., wurde der Stil als die wichtigste Kategorie der Kunst anerkannt, die Ästhetik wurde zur Norm des Lebens, des Lebens und der Bräuche und durchdrang alle Aspekte der Hofetikette (ein Wort die auch am Hof ​​Ludwigs XIV. erschien). Zum Stilbewusstsein gesellt sich die Ästhetisierung einzelner Formelemente, die Kultivierung des Geschmacks, der „Sinn fürs Detail“. Dieses Merkmal ist zu einer Tradition geworden, die über mehrere Jahrzehnte ein besonderes "Formgefühl", eine plastische Kultur, eine Subtilität des Denkens geschaffen hat, die der französischen Schule innewohnt. Aber diese Kultur war nicht einfach zu entwickeln. Zunächst wurde das Renaissance-Ideal einer ganzheitlichen, statischen, sich selbst ausbalancierenden Form (etwas erschüttert durch die Kunst des Manierismus und des Barock) durch die Idee der Ästhetisierung von „zufälligen Reizen“ und individuellen Mitteln zur Erzielung von Schönheit ersetzt: Linie, Farbe, Materialbeschaffenheit. Anstelle der vom italienischen Architekten und Theoretiker L. B. Alberti vorgeschlagenen Kategorie der Komposition (compositio) wird der Begriff der „gemischten Verbindung“ (lat. mixtum compositura) eingeführt. Den Beginn einer solchen Fragmentierung legten die italienischen manieristischen Künstler, die am Hof ​​von Franz I. und dann von Heinrich II. an der Schule von Fontainebleau arbeiteten. Ihre französischen Studenten, die in den Grafen- und Königsschlössern entlang des Flusses arbeiteten. An der Loire (siehe „Val-de-Loire“) und in Paris selbst bildete sich allmählich eine aristokratische Formenkultur heraus, die später im Rokokostil des 18. Jahrhunderts erstrahlte, aber im 17. Jahrhundert erste Früchte trug. „Vielleicht war der Einfluss der französischen Kunst auf das Leben der oberen Schichten der europäischen Gesellschaft, einschließlich der russischen Gesellschaft, im 18. Jahrhundert stärker, aber die Grundlagen für die Vorherrschaft der französischen Sprache, Sitten, Moden und Vergnügungen wurden zweifellos gelegt die Zeit des Sonnenkönigs.
Nicht umsonst wird die zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts als „glanzvollste Periode der französischen Geschichte“ bezeichnet. Die in den Memoiren und ästhetischen Abhandlungen dieser Zeit am häufigsten vorkommenden Wörter sind: groß, majestätisch, luxuriös, festlich... Wahrscheinlich erweckte die Pracht des Stils der höfischen Kunst wirklich den Eindruck einer "ewigen Feier des Lebens". Laut der berühmten Memoirenschreiberin Madame de Sevigne war der Hof Ludwigs XIV. Die ganze Zeit "in einem Zustand des Vergnügens und der Kunst" ... Der König "hört immer etwas Musik, sehr angenehm. Er spricht mit Damen, die daran gewöhnt sind diese Ehre ... Die Feierlichkeiten gehen jeden Tag und um Mitternacht weiter. Im Stil des "brillanten siebzehnten Jahrhunderts" wurden Etikette und Manieren zu einer wahren Manie. Daher die Mode für Spiegel und Memoiren. Die Menschen wollten sich von außen sehen, Zuschauer ihrer eigenen Posen werden. Die Blüte der Hofporträtkunst ließ nicht lange auf sich warten. Der Luxus der Palastempfänge versetzte die Gesandten der europäischen Höfe in Erstaunen.
In der Großen Galerie des Schlosses von Versailles wurden Tausende von Kerzen angezündet, die sich in den Spiegeln widerspiegelten, und auf den Kleidern der Hofdamen befanden sich "so viele Juwelen und Gold, dass sie kaum gehen konnten". Keiner der europäischen Staaten wagte es, mit Frankreich zu konkurrieren, das damals auf dem Höhepunkt des Ruhms stand. "Big Style" erschien zur richtigen Zeit und am richtigen Ort. Er spiegelte genau den Inhalt der Epoche wider – aber nicht ihren tatsächlichen Zustand, sondern die Stimmung der Köpfe. Der König selbst interessierte sich wenig für Kunst, er führte unrühmliche Kriege, die die Staatskräfte erschöpften. Und die Leute schienen zu versuchen, dies nicht zu bemerken, sie wollten so aussehen, wie sie sich selbst in ihrer Vorstellung vorkamen. Welche Arroganz! Beim Studium dieser Epoche hat man das Gefühl, dass ihre größten Künstler Schneider und Friseure waren. Aber die Geschichte hat schließlich alles an seinen Platz gebracht und die großartigen Werke von Architekten, Bildhauern, Zeichnern und Graveuren für uns bewahrt. Der Stilwahn, die französische „große Manier“, breitete sich schnell in ganz Europa aus und überwand diplomatische und staatliche Schranken. Die Macht der Kunst erwies sich als stärker als Waffen, und Berlin, Wien und sogar das steife London kapitulierten vor ihr.

Grundprinzipien des Stils.