Dowiedz się więcej o tym, czym jest muzyka kameralna. Gatunki kameralnej muzyki wokalnej Zespół kameralny co sprawdza się tam, gdzie jest wykonywany

(głos), w przeciwieństwie do muzyki orkiestrowej, w której występują grupy instrumentów grających unisono.

W XVI-XVIII wieku termin „muzyka kameralna” odnosił się do wszelkiej muzyki świeckiej i był przeciwny muzyce kościelnej. Później, wraz z narodzinami i rozwojem muzyki symfonicznej, muzykę kameralną zaczęto nazywać utworami przeznaczonymi dla niewielkiej liczby wykonawców i ograniczonego kręgu słuchaczy. W XIX-XX wieku znaczenie kameralistyki jako „muzyki dla elit” stopniowo zanikało, a termin ten zachował swoje znaczenie jako określenie utworów przeznaczonych do wykonywania przez małe grupy muzyków i dla wąskiego grona słuchaczy.

Nazywa się zespół wykonujący muzykę kameralną zespół kameralny. Zespół kameralny składa się z reguły z dwóch do dziesięciu muzyków, rzadko więcej. Historycznie rozwinęły się kanoniczne kompozycje instrumentalne niektórych zespołów kameralnych, na przykład trio fortepianowe, kwartet smyczkowy, kwintet fortepianowy itp.

MUZYKA KAMERALNA, w pierwotnym znaczeniu, muzyka przeznaczona do wykonywania w stosunkowo małych (głównie domowych) pomieszczeniach - w przeciwieństwie do muzyki przeznaczonej do wykonywania w kościele, teatrze czy dużej sali koncertowej. Ciągłe wykonywanie muzyki kameralnej na koncertach publicznych zmieniło znaczenie tego terminu. Od końca XVIII wieku określenie „muzyka kameralna” stosuje się do utworów napisanych do wykonania przez zespół, w których każda partia przeznaczona jest dla jednego wykonawcy (a nie grup, jak w chórze i orkiestrze), a wszystkie głosy są mniej więcej równe (w przeciwieństwie do utwory na głos solowy lub instrument z akompaniamentem). Prawdziwa kameralistyka, zgodnie z nowoczesnym poglądem, ma charakter skoncentrowany, dogłębny, a gatunki kameralne są lepiej odbierane w małych pomieszczeniach, w wolnym otoczeniu, niż na zwykłych koncertach i w nieodpowiednim dla takich muzyka.

W historii muzyki kameralnej można wyróżnić trzy okresy:

1. Okres od 1450 do 1650, który charakteryzuje się rozwojem techniki gry na altówkach i instrumentach innych rodów, stopniowym wydzielaniem się muzyki czysto instrumentalnej, przy zachowaniu dominującego stylu wokalnego. Wśród kompozycji, które przetrwały do nas z tego okresu, napisanych specjalnie dla kompozycji instrumentalnych bez głosów, są fantazje Orlanda Gibbonsa (1610) oraz kanzony i sonaty Giovanniego Gabrielego (1615).

2. Lata 1650-1750 to okres rozpowszechnienia się gatunku trio-sonatowego (zwykle komponowano je na dwoje skrzypiec i wiolonczelę z klawesynem, który stanowił podstawę harmoniczną) oraz innych zespołów, zarówno instrumentalnych, jak i z udziałem głosów, którym koniecznie towarzyszyły tzw. cyfrowy bas (akordy) instrumentu klawiszowego. Wśród mistrzów tria sonatowego tego okresu są Arcangelo Corelli, Henry Purcell i Handel.

3. Okres od 1750 do współczesności, zdominowany przez kwartet smyczkowy składający się z dwojga skrzypiec, altówki i wiolonczeli.

Podstawową strukturą współczesnej muzyki kameralnej jest prawie zawsze trzy- lub czteroczęściowy cykl sonatowy; formy swobodne, często programowe, z których słynęła muzyka orkiestrowa w XIX wieku, miały niewielki wpływ na gatunki kameralne, gdyż ograniczone możliwości brzmieniowe zespołów kameralnych nie dawały wielkich możliwości kreowania oryginalnej kolorystyki i silnych efektów dramatycznych. Współczesny repertuar kameralno-instrumentalny nadal opiera się na dziełach klasyków: triach i kwartetach smyczkowych Haydna i Mozarta, kwintetach smyczkowych Mozarta i Boccheriniego, a także kwartetach Beethovena i Schuberta. W okresie postklasycznym większość czołowych kompozytorów należących do różnych nurtów (romantyzmu, impresjonizmu i ekspresjonizmu) tworzyła muzykę kameralną, ale wciąż tylko nieliczne jej próbki utrwaliły się w powszechnym repertuarze: na przykład kwintet fortepianowy Schumanna, tria, kwartety, kwintety i sekstety Brahmsa, kwartety smyczkowe Debussy'ego i Ravela.

Zgodnie z przyjętą klasyfikacją pojęcie „muzyka kameralna” obejmuje duety, tria, kwartety, kwintety, sekstety, septety, oktety, nonety i dziesiętne, z szeroką gamą instrumentów. Gatunki kameralne obejmują również niektóre gatunki solowe z akompaniamentem: na przykład romanse (gatunek kameralno-wokalny) lub sonaty instrumentalne (gatunek kameralno-instrumentalny). Istnieje „opera kameralna” (np. Ariadna auf Naxos R. Straussa, 1925), która implikuje niewielką liczbę wykonawców i kameralną atmosferę akcji. Termin „orkiestra kameralna” odnosi się do orkiestry liczącej nie więcej niż 25 muzyków (tj. Typowej orkiestry epoki Haydna i Mozarta); należy jednak rozróżnić „małą orkiestrę”, która jest niczym więcej niż nieco zredukowaną „dużą orkiestrą”, oraz „orkiestrą kameralną”, w której występuje tylko jeden wykonawca na partię (być może dwóch wykonawców na pierwszych i drugich skrzypcach oraz altówki) i wystarczającą niezależność dla każdej ze stron.

Encyklopedyczny YouTube

1 / 3
Wyświetlenia:

Niektóre historycznie ukształtowane kompozycje instrumentalne zespołów kameralnych

Instrument solowy (smyczkowy lub dęty) i fortepian
Duet fortepianowy (dwa fortepiany lub fortepian na cztery ręce);
Trio smyczkowe (skrzypce, altówka i wiolonczela);
Trio fortepianowe (skrzypce, wiolonczela i fortepian);
Kwartet smyczkowy (dwoje skrzypiec, altówka i wiolonczela);
Kwartet fortepianowy (skrzypce, altówka, wiolonczela i fortepian);
Kwintet smyczkowy (kwartet smyczkowy + altówka lub wiolonczela);
Kwintet fortepianowy (fortepian + kwartet smyczkowy)

Spinki do mankietów

Muzyka kameralna (link niedostępny od 14-06-2016 ) // Riemanna G. Słownik muzyczny [Per. z nim.

Muzyka instrumentalna przeznaczona do wykonania w małej sali przez niewielką grupę wykonawców (zespół, orkiestra kameralna). Z terminem „muzyka kameralna” po raz pierwszy zetknął się w 1555 roku N. Vicentino. W XVI i XVII w. muzykę świecką (wokalną, od XVII w. także instrumentalną) nazywano „kameralną”, która rozbrzmiewała w domu i na dworze; w XVII i XVIII wieku w większości krajów europejskich nadworni muzycy nosili tytuł „kameralistów” (w Rosji tytuł ten istniał w XVIII i na początku XIX wieku; w Austrii i Niemczech przetrwał do dziś jako tytuł honorowy dla instrumentalistów). W XVIII wieku muzykę kameralną grano głównie w salonach wyższych sfer w wąskim gronie znawców i amatorów, od początku XIX wieku odbywały się publiczne koncerty kameralne, do połowy XIX wieku stały się one integralną częścią Europejskie życie muzyczne. Wraz z rozpowszechnieniem się koncertów publicznych, kameralistów zaczęto nazywać muzykami zawodowymi, występującymi na koncertach z wykonywaniem muzyki kameralnej. Stabilne typy zespołów kameralnych: duet, trio, kwartet, kwintet, sekstet, septet, oktet, nonet, dziesiętny. Zespół wokalny składający się z około 10 do 20 wykonawców jest zwykle nazywany chórem kameralnym; zespół instrumentalny składający się z więcej niż 12 wykonawców - przez orkiestrę kameralną (granice między kameralną a małą orkiestrą symfoniczną są nieostre).

Najbardziej rozwiniętą instrumentalną formą muzyki kameralnej jest sonata cykliczna (w XVII i XVIII w. była to sonata trio, sonata solowa bez akompaniamentu lub z akompaniamentem basso continuo; klasyczne przykłady pochodzą od A. Corellego, J. S. Bacha). W 2. poł. XVIII w. J. Haydn, K. Dittersdorf, L. Boccherini, W. A. Mozart ukształtowali gatunki klasycznej sonaty (solo i zespół), tria, kwartetu, kwintetu (jednocześnie z typizacją wykonawczą kompozycji ), pewien związek między charakterem prezentacji poszczególnych partii a możliwościami instrumentu, dla którego jest przeznaczony (wcześniej można było wykonywać ten sam utwór z różnymi składami instrumentów). L. van Beethoven, F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann i wielu innych kompozytorów komponowało na zespół instrumentalny (głównie kwartet smyczkowy) w pierwszej połowie XIX wieku. W 2. poł. XIX w. wybitne przykłady muzyki kameralnej stworzyli I. Brahms, E. Grieg, S. Frank, B. Smetana, A. Dvorak, w XX w. – C. Debussy, M. Ravel, P. Hindemith, L. Janachek, B. Bartok i inni W Rosji kameralistyka rozpowszechniła się od lat 70. XVIII wieku; pierwsze zespoły instrumentalne napisał DS Bortnyansky. Muzykę kameralną rozwinęli A. A. Alyabyev, M. I. Glinka, a najwyższy poziom artystyczny osiągnęli w twórczości P. I. Czajkowskiego i A. P. Borodina. S. I. Taneev, A. K. Głazunow, S. V. Rachmaninow, N. Ya. Myaskovsky, D. D. Szostakowicz, S. S. Prokofiew poświęcili wiele uwagi zespołowi kameralnemu. W procesie rozwoju historycznego styl muzyki kameralnej uległ znaczącym zmianom, zbliżając się do symfonicznego czy wirtuozowskiego stylu koncertowego (symfonizacja kwartetów Beethovena, Czajkowskiego, kwartetów i kwintetów Schumanna i Brahmsa, cechy koncertu w sonatach na skrzypce i fortepian: nr 9 Kreutzera Beethovena, sonata Franka, nr 3 Brahmsa, nr 3 Griega). Z drugiej strony w XX wieku rozpowszechniły się symfonie i koncerty na niewielką liczbę instrumentów, które stały się odmianami gatunków kameralnych: symfonia kameralna (na przykład XIV symfonia Szostakowicza), „muzyka dla ...” (Muzyka dla smyczki, perkusję i czelestę Bartoka), Concertino itp. Szczególnym gatunkiem muzyki kameralnej są miniatury instrumentalne (w XIX-XX wieku często łączone w cykle). Wśród nich: fortepianowe „pieśni bez słów” Mendelssohna, dramaty Schumanna, walce, nokturny, preludia i etiudy F. Chopina, kameralne utwory fortepianowe małej formy A. N. Skriabina, Rachmaninowa, N. K. Medtnera, utwory fortepianowe Czajkowskiego, Prokofiewa, wiele utworów na różne instrumenty kompozytorów krajowych i zagranicznych.

Od końca XVIII wieku, a zwłaszcza w wieku XIX, poczesne miejsce zajmowała także kameralistyka wokalna (gatunki pieśni i romansu). Kompozytorzy romantyczni wprowadzili gatunek miniatury wokalnej, a także cykle pieśni („Piękna młynarka” i „Zimowa droga” F. Schuberta, „Miłość poety” R. Schumanna itp.). W 2. poł. XIX w. I. Brahms przywiązywał dużą wagę do kameralistyki wokalnej, a kameralne gatunki wokalne zajmowały wiodącą pozycję w twórczości H. Wolfa. Gatunki pieśni i romansu były szeroko rozwinięte w Rosji; M.I. Glinka, P.I. Czajkowski, A.P. Borodin, M.P. Musorgski, N.A. Rimski-Korsakow, SV Rachmaninow, SS Prokofiew, DD Szostakowicz, GV Sviridov.

Dosł.: Mersmann H. Die Kammermusik. Lpz., 1930-1933. Bd 1-4; Altmann W. Kammermusik-Katalog. 6. Aufl. Lpz., 1945; Vasina-Grossman V. A. Rosyjski klasyczny romans. M., 1956; Raaben L. Zespół instrumentalny w muzyce rosyjskiej. M., 1961; on jest. Radziecka kameralna muzyka instrumentalna. L., 1963; on jest. Kameralna muzyka instrumentalna I połowy XX wieku: kraje europejskie i amerykańskie. L., 1986; Die Kammermusik / Hrsg. N. Unverricht. Kolonia, 1972; Salmen W. Hausund Kammermusik: szeregowcy Musizieren in gesellschaftlichen Wandel zwischen 1600 and 1900. Lpz., 1982 (Musikgeschichte in Bildern. Bd 4. Lfg 3); McCalla J. Dwudziestowieczna muzyka kameralna. L., 1996; Baron J. H. Muzyka intymna: historia idei muzyki kameralnej. Stuyvesant, 1998.

MUZYKA KAMERALNA (od średniowiecza łac. kamera – pokój; włoska musica de camera; francuska musique de chambre; angielska muzyka kameralna; niem. Kammermusik) – rodzaj sztuki muzycznej przeznaczony do wykonywania w małych pomieszczeniach lub do domowego grania. Trzeba powiedzieć, że charakteryzuje się ona specyficznymi kompozycjami instrumentalnymi (od jednego wykonawcy-solisty do kilku połączonych w zespół) oraz cechami prezentacji muzycznej: szczegółowością środków melodycznych, intonacyjnych, rytmicznych i dynamicznych środków wyrazu. Ma ogromny potencjał w przekazywaniu emocji i najsubtelniejszych gradacji stanów psychicznych człowieka. Choć początki muzyki kameralnej sięgają średniowiecza, termin ten utrwalił się w XVI i XVII wieku. W tym okresie muzyka kameralna, w przeciwieństwie do muzyki kościelnej i teatralnej, oznaczała muzykę świecką przeznaczoną do wykonywania w domu lub na dworach monarchów. K ser. 18 wiek coraz wyraźniej uwidacznia się różnica między muzyką kameralną a koncertową (orkiestrową i chóralną).

Szczególnym gatunkiem są MINIATURY KAMERALNO-INSTRUMENTALNE. W XIX i XX wieku często są one łączone w cykle. Wśród nich: „Pieśni bez słów” Mendelssohna, dramaty R. Schumanna, walce, nokturny, preludia i etiudy F. Chopina, dzieła małej formy A. N. Skriabina, S. V. Rachmaninowa, „Przelotne” i „Sarkazm” S. S. Prokofiewa, preludia D. D. Szostakowicza, „Marginalia” J. Ryaetsa, skr. utwory takie jak „Melodie” i „Scherzo” P. I. Czajkowskiego, preludia Tsintsadze itp.

od kon. 18 wiek a zwłaszcza w XIX wieku. WOKALNA MUZYKA KAMERALNA (w gatunkach pieśni i romansu) zajmowała poczesne miejsce w sztuce. Wyjątkową uwagę poświęcali jej kompozytorzy romantyczni. Οʜᴎ wprowadził gatunek miniatury wokalnej, a także cykle wokalno-pieśniowe, które łączyła jedna idea („Winter Way” F. Schuberta, „Love and Life of a Woman” R. Schumanna itp.). Gatunki pieśni i romansu były szeroko rozwinięte w Rosji (od XVIII wieku); wyżyny artystyczne M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, P. I. Czajkowski, A. P. Borodin, M. P. Musorgski, I. A. Rimski-Korsakow, S. V. Rachmaninow.

SONATA (włoska sonata, od sonare – dźwięk) to jeden z podstawowych gatunków muzyki instrumentalnej. w XVI wieku pojęcie Sonaty powstało jako utwór przeznaczony do wykonania instrumentalnego, w przeciwieństwie do kantaty – do wykonania wokalnego. Sonata powstała w XVIII wieku. Klasyczny styl. Sonata wiedeńska - w twórczości J. Haydna, W. A. Mozarta ͵ M. Clementiego S. jest 3-głosową sonatą-symfonią. cyklu i obejmuje nie więcej niż dwóch wykonawców.

TRIO (włoskie trio, z łac. tres, tria - trzy) - 1) trzyosobowy zespół wykonawców; zobacz także Tercet . 2) Produkcja muzyczna na trzy instrumenty lub głosy śpiewające. Znakomite przykłady tria fortepianowego stworzyli L. Beethoven, F. Schubert, R. Schumann, J. Brahms, P. I. Czajkowski, S. I. Taneev, S. V. Rachmaninow, D. D. Szostakowicz.

KWARTET (włoski kwartet, z łac. quartus - czwarty; francuski quatuor; niemiecki kwartet; angielski kwartet) - 1) zespół 4 wykonawców (instrumentalistów lub wokalistów). W kameralnej muzyce instrumentalnej są one jednorodne (4 smyczkowe, 4 dęte drewniane, 4 blaszane itp.) lub mieszane. Rozpowszechniły się instrumenty smyczkowe (smyczkowe) (2 skrzypiec, altówka, wiolonczela).

PRELUDE, preludium (połowa wieku łac. praeludium, od łac. praeludo - gram z góry, robię wstęp), - mały utwór instrumentalny. Początkowo o charakterze improwizacyjnym, wstęp do utworu głównego (najczęściej fugi) dwuczęściowego cyklu (P. i fuga D. Buxtehudego, „HTK” J. S. Bacha) lub do wieloczęściowego utworu cyklicznego. W XVI-XVIII wieku. gatunek przybiera kształt niezależnej sztuki, zbliżonej charakterem i sposobem prezentacji do fantasy. W 19-stym wieku staje się jednym z najpowszechniejszych gatunków małych form w twórczości kompozytorów romantycznych (cykle preludiów F. Chopina, A. N. Skriabina i in.). W twórczości kompozytorów XX wieku. interpretowana jest na wiele sposobów: może pełnić funkcję wstępu (D. D. Szostakowicz, R. K. Szczedrin), być utworem samodzielnym (S. V. Rachmaninowa, Szostakowicza) lub kompozycją rozbudowaną (Preludium op. 44 Schönberga, „Preludia” na orkiestrę. Debussy ).

Etiuda (z francuskiej etiudy - dosłowne nauczanie, nauka) jest utworem dydaktycznym, pierwotnie przeznaczonym wyłącznie do doskonalenia technicznych umiejętności gry na instrumencie. Rozwój gatunku związany jest przede wszystkim z jego rozkwitem w XIX wieku. wirtuozowskie wykonanie fortepianu. Później pojawili się na skrzypce (R. Kreutzer, P. Rode), na wiolonczelę (D. Popper) i inne instrumenty. Kompozytorzy romantyczni (N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, I. Brahms itp.) stają się dziełem doniosłym artystycznie, interpretowanym albo jako barwny utwór koncertowy, albo jako preludium miniaturowy . Później w twórczości kompozytorów rosyjskich (A. K. Lyadov, A. S. Arensky, S. V. Rachmaninow, A. N. Skriabin, I. F. Strawiński), sowieckich (S. S. Prokofiew, D. D. Szostakowicz, N. P. Rakow, D. D. Kabalewski itp.) I kompozytorów zagranicznych (C. Debussy, O. Messiaen, B. Bartok, K. Shimanovsky itp.), rozwijając pewną umiejętność wykonawczą, zachowuje znaczenie kompozycji artystycznej enie.

PIEŚŃ (łac. cantus, cantio; włoska canzona; francuska chanson; angielska pieśń; niem. Klasyfikację gatunkową można przeprowadzić według różnych kryteriów: treści werbalnej i muzycznej (rewolucyjna, patriotyczna, liryczna, satyryczna, marszowa, taneczna itp.), funkcjonowania społecznego (chłopskie, miejskie, domowe, bojowe itp.), faktury i personel wykonawczy (pojedynczy i polifoniczny, solowy i chóralny, z towarzyszeniem instrumentalnym i bez). Forma muzyczna związana jest ze strukturą i treścią tekstu poetyckiego. Najczęściej spotykana jest forma dwuwierszowa, pieśń autorska jest tworzona przez kompozytora (nie folklor). Wśród największych kompozytorów: F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, X. Wolf, G. Mahler, R. Strauss (Austria i Niemcy); G. Berlioz, Ch. Gounod, J; Massenet, G. Fauré (Francja); LA Alyabiev, MI Glinka, AS Dargomyzhsky, AP Borodin, poseł Musorgski, PI Czajkowski, SV Rakhmaninov (Rosja).

Jednak do początku XX wiek pojęcie utworu autorskiego nabrało podwójnego znaczenia: Song (romans) – „wysoki” gatunek muzyki poważnej komponowanej przez kompozytora przede wszystkim do profesjonalnego wykonania oraz utwór „popularny” (w tym popowy i masowy), często tworzony bez pisemne fiksacje samych wykonawców (we Francji - chansonniers, w USA, Wielkiej Brytanii i innych krajach - muzycy rockowi, w ZSRR - tzw. bardowie.

ROMANCE (hiszp. romans) to kameralny utwór wokalny na głos i instrument. Termin pochodzi z Hiszpanii i pierwotnie oznaczał wiersz w języku hiszpańskim („romans”), przeznaczony do wykonania muzycznego. Różni się od pieśni większą szczegółowością melodii i jej powiązaniem ze słowami, ekspresyjną rolą akompaniamentu instrumentalnego. Romanse dzielą się na odmiany gatunkowe: ballada, elegia, barkarola itp. W XIX wieku. R. staje się jednym z wiodących gatunków, odzwierciedlając trend charakterystyczny dla epoki romantyzmu - reprodukcję wewnętrznego świata człowieka we wszystkich psychologii, niuansach (dzieła F. Schuberta, R. Schumanna, I. Brahmsa, X Wilk itp.) Za 19 V. w Rosji powstają szkoły narodowe (M. I. Glinka, A. S. Dargomyżski, M. A. Bałakiriew, Ts. A. Cui, M. P. Musorgski, A. P. Borodin, N. L. Rimski-Korsakow, P. I. Czajkowski, S. V. Rachmaninow), we Francji (Ch. Gounod, J. Bizet, J. Massenet), w Czechach (B. Smetana, A. Dvorak), w Polsce (M. Karlovich, K. Shimanovsky), w Norwegii (H. Hjerulf, E. Grieg) itp. W XX wieku wiek. problem syntezy muzyki i poezji jest postawiony w nowy sposób: powstają wiersze z muzyką (S. I. Tanejew, Rachmaninow, N. K. Medtner, S. S. Prokofiew, K. Debussy), wiersze wolne, a nawet proza są szeroko stosowane jako tekst ; stosuje się nowe metody recytacji (A. Schönberg); gatunki ludowej muzyki-mowy przenikają do romansu (I. F. Strawiński). Tradycje romańskie były twórczo rozwijane przez kompozytorów radzieckich (Prokofiew, Szostakowicz, N. Ya. Myaskovsky, A. A. Aleksandrov, Yu. A. Shaporin, Sviridov).

WOKALIZACJA (francuski vocalise, od łac. vocalis - dźwięk samogłoski; dźwięczny, melodyjny) - 1) ćwiczenie wykonywane na dźwięku samogłoski dla rozwoju techniki wokalnej, specjalnie skomponowane lub improwizowane przez śpiewaka. 2) Utwór koncertowy, częściej na sopran z towarzyszeniem instrumentalnym. Brak słowa i kantyleny, czasem wirtuozerii ("Wokaliza w formie habanery" Ravela) pozwalają na żywe ukazanie piękna i opracowania głosu ("Wokaliza" Rachmaninowa). w XX wieku V. zbliża się do gatunków instrumentalnych (5 melodii na głos lub skrzypce i fortepian Prokofiewa; etiuda Shimanovsky'ego), w tym dużych (sonata-Vocalise, suita-Vocalise Medtnera; koncert na głos i orkiestrę Gliere'a).

od późnego kamera - pokój; włoski. musica da camera, francuski muzyka kameralna muzyka kameralna, zarodek. Kammermusik

określony rodzaj muzyki. sztuki, różniącej się od muzyki teatralnej, symfonicznej i koncertowej. Kompozycje K. m. z reguły były przeznaczone do wykonywania w małych pomieszczeniach, do odtwarzania muzyki w domu (stąd nazwa). To określone i użyte w K. m. instr. kompozycji (od jednego solisty do kilku wykonawców tworzących zespół kameralny) oraz typowych dla niej technik muzycznych. prezentacja. Dla K. m. charakterystyczna jest tendencja do równości głosów, oszczędności i najdrobniejszego detalu melodyki, intonacji, rytmiki. i dynamiczny. wyrazi. funduszy, umiejętne i różnorodne opracowanie tematyczne. materiał. K. m. ma ogromne możliwości przekazywania liryki. emocje i najsubtelniejsze gradacje ludzkich stanów psychicznych. Chociaż początki K. m. sięgają średniowiecza, termin „K. m.” zatwierdzony w XVI-XVII wieku. W tym okresie muzyka klasyczna, w przeciwieństwie do muzyki kościelnej i teatralnej, oznaczała muzykę świecką przeznaczoną do wykonywania w domu lub na dworach monarchów. Muzykę dworską nazywano „kameralną”, a wykonawców, którzy pracowali na dworze. zespoły, nosili tytuł kameralistów.

W pracy zarysowano rozróżnienie na muzykę kościelną i kameralną. gatunki w środku 16 wiek Najwcześniejszym znanym przykładem muzyki klasycznej jest „L”antica musica ridotta alla moderna” Nicolo Vicentino (1555). W 1635 roku w Wenecji G. Arrigoni opublikował wokalne „Concerti da camera”. Jako kameralne gatunki wokalne w XVII – pocz. Kantata (cantata da camera) i duet rozwinęły się w XVIII wieku. m. ”został rozszerzony na muzykę instrumentalną. Początkowo instrumentalna muzyka kościelna i kameralna nie różniła się stylem; różnice stylistyczne między nimi stały się jasne dopiero w XVIII wieku. Tak więc I. I. Kvanz napisał w 1752 r., że K. m. wymaga „większego ożywienia i wolności myśli niż styl kościelny”. Najwyższą formą instrumentalną była sonata cykliczna (sonata da camera), ukształtowana na podstawie suity tanecznej. Najbardziej rozpowszechnioną w XVII wieku była sonata triowa z jej odmianami – kościelna oraz sonaty kameralne, nieco mniejsza sonata solowa (bez akompaniamentu lub z akompaniamentem basso continuo).Klasyczne przykłady sonat triowych i solowych (z basso continuo) stworzył A. Corelli.Na przełomie XVII-XVIII w. powstał gatunek Concerto Grosso, który początkowo dzielił się także na odmiany kościelne i kameralne, np. Corelli bardzo wyraźnie czyni ten podział – z 12 stworzonych przez siebie Concerti Grossi (op. 7) 6 było napisanych w stylu kościelnym, i 6 w stylu kameralnym.Pod względem treści są one podobne do jego sonat da chiesa i da camera.Do połowy XVIII w. podział na kościół. i gatunki kameralne stopniowo tracą na znaczeniu, ale różnica między muzyką klasyczną a muzyką koncertową (orkiestrową i chóralną) staje się coraz bardziej wyraźna.

wszystkie r. 18 wiek w twórczości J. Haydna, K. Dittersdorfa, L. Boccheriniego, W. A. Mozarta tworzyli klasyka. rodzaje instr. zespół - sonata, trio, kwartet itp., tworzył typowy. instr. kompozycji tych zespołów, ustalono ścisły związek między charakterem prezentacji każdej partii a możliwościami instrumentu, dla którego jest ona przeznaczona (wcześniej, jak wiadomo, kompozytorzy często pozwalali na wykonywanie swojego utworu z różnymi kompozycjami instrumentów ; np. G. F. Handel w wielu swoich „solo” i sonatach wskazuje kilka możliwych kompozycji instrumentalnych). Posiadanie bogatych wyrazi. możliwości, instr. zespół (zwłaszcza kwartet smyczkowy) zwrócił na siebie uwagę niemal wszystkich kompozytorów i stał się swego rodzaju „kameralną gałęzią” symfonii. gatunek muzyczny. Dlatego zespół odzwierciedlał wszystkie główne. kierunki muzyki art-va 18-20 wieków. - od klasycyzmu (J. Haydn, L. Boccherini, W. A. Mozart, L. Beethoven) i romantyzmu (F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann itp.) do ultramodernistycznych nurtów abstrakcjonistycznych nowoczesności. burżuazyjny „awangarda”. Na 2. piętrze. 19 wiek wybitne przykłady instr. K. m. stworzył I. Brahmsa, A. Dvoraka, B. Smetanę, E. Griega, S. Franka w XX wieku. - C. Debussy, M. Ravel, M. Reger, P. Hindemith, L. Janacek, B. Bartok, B. Britten i inni.

Ogromny wkład w K. m. wnieśli Rosjanie. kompozytorzy. W Rosji rozpowszechnienie muzyki kameralnej rozpoczęło się w latach 70. 18 wiek; pierwszy instr. zespoły zostały napisane przez DS Bortnyansky. K. m. otrzymał dalszy rozwój od A. A. Alyabyeva, M. I. Glinki i osiągnął najwyższą sztukę. poziom w twórczości P. I. Czajkowskiego i A. P. Borodina; ich kompozycje kameralne charakteryzują się wyraźnym nat. treść, psychologia. A. K. Glazunov i S. V. Rakhmaninov zwracali dużą uwagę na zespół kameralny, a dla S. I. Taneeva stał się on głównym. rodzaj twórczości. Wyjątkowo bogate i różnorodne instrumentarium kameralne. dziedzictwo sowy. kompozytorzy; jego główne linie to liryczno-dramatyczny (N. Ya. Myaskovsky), tragiczny (DD Szostakowicz), liryczno-epicki (SS Prokofiew) i ludowy.

W procesie historycznym styl rozwoju K. m. przeszedł środki. zmiany, zbliżające się teraz symfonicznie, to koncertowo ("symfonizacja" kwartetów smyczkowych L. Beethovena, I. Brahmsa, P. I. Czajkowskiego, cechy koncertu w "Kreutzerowskiej" sonacie L. Beethovena, w sonacie skrzypcowej S. Franka, w zespołach E. Griega). w XX wieku nastąpiła też tendencja odwrotna – zbliżenie z K. m. i stęż. gatunków, zwłaszcza w odniesieniu do liryczno-psychologicznej. oraz tematy filozoficzne wymagające pogłębienia w wew. świat człowieka (XIV symfonia D. D. Szostakowicza). Symfonie i koncerty na niewielką liczbę instrumentów otrzymały współcześnie. muzyka jest szeroko rozpowszechniona, stając się różnymi gatunkami kameralnymi (patrz Orkiestra kameralna, Symfonia kameralna).

od kon. 18 wiek a zwłaszcza w XIX wieku. ważne miejsce w muzyce twierdzić, że wziął wok. K. m. (w gatunkach piosenki i romansu). Wykluczać. zwracali na nią uwagę kompozytorzy romantyczni, których szczególnie pociągała liryka. świat ludzkich uczuć. Stworzyli dopracowany gatunek woka, dopracowany w najdrobniejszych szczegółach. miniatury; Na 2. piętrze. 19 wiek dużo uwagi wok. K. m. podał I. Brahms. Na przełomie XIX i XX wieku. pojawili się kompozytorzy, w twórczości których działa kameralnie. wiodącą pozycję zajmowały gatunki (H. Wolf w Austrii, A. Duparc we Francji). Gatunki pieśni i romansu były szeroko rozwinięte w Rosji (od XVIII wieku); wykluczać. sztuki. osiągał wyżyny w wokach komorowych. dzieła MI Glinki, A. S. Dargomyżskiego, PI Czajkowskiego, AP Borodina, posła Musorgskiego, NA Rimskiego-Korsakowa, S. V. Rachmaninowa. Liczny romanse i kameralne woki. cykle stworzyły sowy. kompozytorzy (AN Aleksandrow, Yu. V. Kochurov, Yu. A. Shaporin, V. N. Salmanov, G. V. Sviridov itp.). W XX wieku powstał wok kameralny, który odpowiadał charakterowi gatunku. styl wykonawczy oparty na deklamacji i ujawniający najdrobniejsze szczegóły intonacyjne i semantyczne muzyki. Wybitny Rosjanin. wykonawca kameralny XX wiek był M. A. Olenina-D „Algeim. Najwięksi współcześni zagraniczni wokaliści kameralni to D. Fischer-Dieskau, E. Schwarzkopf, L. Marshall, w ZSRR - A. L. Dolivo-Sobotnitsky, N. L. Dorliak, Z. A. Dolukhanova i inni.

Liczne i różnorodne instrumenty kameralne. miniatury z XIX i XX wieku Wśród nich są fp. "pieśni bez słów" F. Mendelssohna-Bartholdy'ego, dramaty R. Schumanna, walce, nokturny, preludia i etiudy F. Chopina, fortepian kameralny. utwory małej formy A. N. Skriabina, S. V. Rachmaninowa, „Ulotne” i „Sarkazm” S. S. Prokofiewa, preludia D. D. Szostakowicza, utwory skrzypcowe „Legendy” G. Wenyawskiego, „Melodie” i „Scherzo” P. I. Czajkowskiego, miniatury wiolonczelowe K. Yu Davydova, D. Poppera itp.

w XVIII wieku K. m. przeznaczony był wyłącznie do domowego muzykowania w wąskim gronie koneserów i amatorów. W 19-stym wieku Zaczęły się też odbywać publiczne koncerty kameralne (najwcześniejsze koncerty skrzypka P. Baio w Paryżu w 1814 r.); do ser. 19 wiek stały się integralną częścią Europy. muzyka życie (wieczory kameralne Konserwatorium Paryskiego, koncerty RMS w Rosji itp.); istniały organizacje amatorów K. m. (Petersb. o-in K. m., założona w 1872 r. itp.). Sowy. filharmonie regularnie organizują koncerty kameralne w ramach imprez okolicznościowych. sale (Mała Sala Konserwatorium Moskiewskiego, Mała Sala im. M. I. Glinki w Leningradzie itp.). Od lat 60 K. m. koncerty odbywają się również w dużych salach. Szturchać. K. m. coraz bardziej przenikają do stęż. repertuar wykonawców. Ze wszystkich typów instr. Kwartet smyczkowy stał się najpopularniejszym stylem wykonawczym.

Literatura: Asafiev B., Muzyka rosyjska początku XIX wieku, M. - L., 1930, przedruk. - L., 1968; Historia rosyjskiej muzyki radzieckiej, t. I-IV, M., 1956-1963; Vasina-Grossman V. A., Rosyjski romans klasyczny, M., 1956; jej własna, Romantyczna pieśń XIX wieku, M., 1967; ona, Mistrzowie romansu radzieckiego, M., 1970; Raaben L., Zespół instrumentalny w muzyce rosyjskiej, M., 1961; jego, radziecka muzyka kameralna i instrumentalna, L., 1963; jego, Mistrzowie radzieckiego zespołu kameralno-instrumentalnego, L., 1964.

CZYM JEST MUZYKA KAMERALNA Muzyka kameralna (z włoskiego kamera, kamera) to muzyka wykonywana przez niewielką grupę muzyków lub wokalistów. Podczas wykonywania kompozycji kameralnej każda partia jest wykonywana tylko przez jeden instrument (głos), w przeciwieństwie do muzyki orkiestrowej, w której występują grupy instrumentów grających unisono

GATUNKI MUZYKI KAMERALNEJ Zgodnie z przyjętą klasyfikacją pojęcie „muzyki kameralnej” obejmuje duety, tria, kwartety, kwintety, septety, oktety i nonety, z szeroką gamą instrumentów. Gatunki kameralne obejmują również niektóre gatunki solowe z akompaniamentem: na przykład romanse (gatunek kameralno-wokalny) lub sonaty instrumentalne (gatunek kameralno-instrumentalny).

WYKONAWCY Główni wykonawcy muzyki kameralnej: SERGEY VASILIEVICH RACHMANINOV – ks. LUDWIG VAN BEETHOVEN – p. JOHANNES BRAHMS – ks. Georges Bizet – ks. JOHANN SEBASTIAN BACH – ks.

STYLE Muzyka kameralna może być napisana w dowolnym stylu. Główną różnicą jest to, że utwory przeznaczone są dla niewielkiej liczby muzyków. W rzeczywistości „muzyka kameralna” sama w sobie jest już stylem.

ORKIESTRA KAMERALNA Istnieje również koncepcja orkiestry kameralnej, z reguły jest to zredukowany (nie więcej niż osobowy) skład orkiestry smyczkowej, czasami z dodatkiem kilku instrumentów dętych

ZESPÓŁ KAMERALNY Zespół wykonujący muzykę kameralną nazywany jest zespołem kameralnym. Zespół kameralny składa się z reguły z dwóch do dziesięciu muzyków, rzadko więcej. Historycznie rozwinęły się kanoniczne kompozycje instrumentalne niektórych zespołów kameralnych, na przykład trio fortepianowe, kwartet smyczkowy itp.