Jedno od kulturnih osvajanja japanskih građana na prijelazu iz srednjeg vijeka u novo vrijeme bio je razvoj rituala čajne ceremonije posuđene iz zen samostana i na svoj način značajne. Ispijanje čaja bio je raširen oblik komunikacije među ljudima na različitim društvenim mrežama. sfere. Zen redovnici su već tu XIIV. tijekom dugih i noćnih meditacija, prakticirali su ispijanje hramskog čaja, za mačku. postojao je određeni ritual. U XIVV. raširena zabava u Japanu bila su natjecanja u čaju, tijekom kat. čaj različite sorte je poslužen sudionicima, a morali su otkriti vrstu čaja i mjesto uzgoja. Natjecanja u čaju koja su organizirali šogun i veliki feudalci bila su najveličanstvenija. Održavali su se u pradnim odajama imanja i pretvarali u svečanu ceremoniju. Pod Ashikaga šogunima, prepuna čajna natjecanja postupno su se pretvorila u čajnu ceremoniju za uski krug ljudi, koja se održavala u rezidencijama feudalnih gospodara i zvala se "sein-cha". Bio je to svečani aristokratski ritual, koji se odlikovao strogom etiketom i sofisticiranošću. Bila je ukrašena skupim kineskim posuđem i umjetninama kineskih majstora. Do drugog poluvremena XVIV. zdjelice za čaj i sav pribor za pripremu čaja postali su vrlo važni. Cijela je akcija dobila strogi oblik. Ispijanje čaja postalo je razrađen, filozofski utemeljen, namjerno kompliciran ritual. Paralelno s čajnom ceremonijom sein-cha, među nižim slojevima razvila se sasvim drugačija vrsta čajanja, mačka. zvao se "chan-no eriai".seljaci su u ovom razdoblju pokazali značajan društveni. aktivnost. Po cijeloj zemlji izbili su seljački ustanci. Zajedničke čajanke, koje su postale oblik seljačkih sastanaka, pomogle su im da se ujedine u borbi protiv svađa. ugnjetavanje. Na tim sastancima nitko nije razmišljao kakav se čaj poslužuje i odakle dolazi. Nije bilo sporova. Svi su sjedili u bijednoj sobi u seoskoj kući i pili čaj iz šalica koje je vlasnik slučajno imao. Ispijanje čaja u krugovima trgovaca i obrtnika japanskih gradova također izvorno nije bila ceremonija. Bio je to povod za komunikaciju i oblik komunikacije. Cijenili su osjećaj jednakosti, slobode, duhovne bliskosti i jedinstva pogleda, kao i jednostavnost i lakoću atmosfere. Iz tih heterogenih i raznolikih elemenata postupno se formirala ceremonija čaja, koja je postala jedna od najvažnijih sastavnica jedinstvenog kompleksa japanske tradicijske kulture. Početak ovog procesa vezan je uz ime redovnika Murata Juko (1422-1502). Juko je osjećao bliskost s narodom, svoju povezanost sa seljacima. U njihovim je čajankama pronašao cha no eriai tip jednostavne ljepote, mačke. u ceremonijama čaja nije bilo sein-cha. Uzimajući seosko ispijanje čaja kao osnovu, počeo je razvijati novu vrstu ceremonije, lišenu pretjerane ljepote i složenosti. To je bio početak wabi-cha (jednostavne, samotne) čajne ceremonije. Juko je preferirao ceremonije u skromnim malim prostorijama (4 i pol tatamija). Ovu liniju oblikovanja ceremonije čaja nastavio je Sen Rikyu, koji se smatra najpoznatijim od svih majstora ceremonije. Rikyu je smanjio veličinu chashitsua na 3 ili čak 2 tatamija, minimizirao ukrase u prostoriji i broj dodataka koji se koriste u ceremoniji, učinio cijeli karakter rituala jednostavnijim i strožim. Nijiriguchi (puzajuća rupa) bila je oko 60 puta 66 cm.Da bi se naglasila superiornost duhovnog nad materijalnim. Rikyu je nastavio i dovršio tečaj Murata Jukoa o pojednostavljenju i odmaku od kineskih standarda u estetici i dizajnu ceremonije čaja. Umjesto skupih kineskih dodataka za čaj, počeli su koristiti jednostavne stvari od bambusa i keramike proizvedene u Japanu. Takvo okretanje jednostavnosti proširilo je krug ljubitelja ceremonije čaja.Za ukrašavanje su se počeli koristiti svici s japanskim slikarstvom i poezijom. Rikyu je u upotrebu uveo male jednostavne kompozicije grana i cvijeća, pokušao ih ispuniti unutarnjim sadržajem i učinio ih obveznim atributom ceremonije čaja, nazvavši ih "chabana". To je bio poticaj za razvoj i-wa ikebane. Duhovno opterećenje pijenja čaja određeno je zahtjevima ceremonije i etikete. Propisano je nužno postizanje vanjskog sklada u atmosferi i ponašanju sudionika čajanke, mačka bi trebala biti odraz unutarnjeg. Bonton je odredio željene teme razgovora: umjetnost, ljepota okoliša, poezija.(čajna ceremonija u Japanski vrt u botaničkom vrtu )

Umjetnička djela Japanska keramička dinastija Raku zauzimaju posebno, jedinstveno mjesto u povijesti keramike i cjelokupne dekorativne i primijenjene umjetnosti Japana. Dinastija Kyoto obrtnika održava kontinuitet već petnaest generacija, nastavljajući stvarati keramiku u istoj umjetničkoj tradiciji u kojoj je nastala sredinom 16. stoljeća.

Proizvodi predstavnika dinastije Raku u početku nisu bili usmjereni na masovnu ili čak serijsku proizvodnju, već na stvaranje jedinstvenih djela za uski krug poznavatelja cha-no-yu ceremonije čaja. Repertoar radionice uglavnom se sastojao od zdjelica za čaj (tyavan), kadionica (koro), rjeđe kadionica (kogo) i vaza za cvjetne aranžmane (cabins). Ovo prividno ograničenje sposobnosti rakuskih majstora dovelo je do profinjenosti i kristalizacije stila radionice. Svi ovi predmeti nose živopisan pečat individualnosti majstora koji su ih stvarali i vremena kojem pripadaju.

Temelj tehnologije obitelji Raku bile su tehnike kalupljenja i glazuriranja koje su razvijene još u krajem XVI stoljeća tijekom rada izvanrednog majstora, utemeljitelja dinastije Raku, Rakua Tejiroa: (楽　長次郎, ?-1589.). Proizvodi su oblikovani ručno (vjerojatno zbog niske plastičnosti lokalnih glina, zbog čega ih nije bilo moguće istezati na lončarskom kolu) i prekriveni olovnim glazurama niskog tališta na polikromni način (po uzoru na trobojni kineski Sancai). keramika Ming ere (1368-1644)) ili jednobojna crvena i crna glazura. Upravo su jednobojni proizvodi postali najpoznatiji među majstorima čaja i dobili nazive aka-raku (crveni raku) i kuro-raku (crni raku).


Najkarakterističnija tehnološka faza Rakua je pečenje: na temperaturi u komori za pečenje od 850 do 1000 °C proizvodi se brzo vade i hlade na otvorenom ili uranjanjem u vodu (zeleni čaj). I nepretenciozni, ali živahni i ekspresivni oblici zdjela, i efekti glazure koji nastaju pri naglom hlađenju, dali su izražajnost, individualnost proizvodima radionice i zadovoljili zahtjeve wabi estetike koja je odredila ceremoniju čaja Sen no Rikyu (1522-1591) i njegovih najbližih sljedbenika. U 17. stoljeću prepoznavanje ovog inovativnog stila keramike izraženo je ne samo u visokoj cijeni chawana radionice Raku, već iu brojnim imitacijama i interpretacijama utsushi ("kopiranje s razlikama") koje su stvarali razni keramičari. Hon'ami Koetsu (1558.-1673.) i Ogata Kenzan (1663.-1743.), najutjecajniji obrtnici razdoblja Edo (1603.-1868.), učili su s majstorima iz obitelji Raku i formirali vlastite živopisne interpretacije stila.

Tako su u Japanu u 17. stoljeću već postojali kako proizvodi obitelji Raku, tako i oni koje su stvarali keramičari iz drugih radionica i samostalni umjetnici u “raku stilu”. Unatoč činjenici da je ime posebne vrste keramike postalo vlastito ime, preneseno od Raku Tejiro: I unutar Kyoto radionice, pojam "raku" dobio je samostalno značenje. Tako su počeli nazivati ​​keramiku nastalu u tehnološkoj i estetskoj tradiciji poznate keramičke radionice. Velik broj proizvoda u stilu raku (uglavnom također namijenjenih ceremoniji čaja cha-no-yu) također su stvorili obrtnici tijekom 17.-19. stoljeća.

Otvaranje Japana prema Zapadu sredinom 19. stoljeća dovelo je do opsežnog posuđivanja oblika i ukrasnih motiva iz japanske likovne i dekorativne umjetnosti od strane zapadnih majstora. Međutim, keramika radionice Raku nije privukla pozornost zapadnih poznavatelja sve do početka 20. stoljeća, budući da nije ispunila očekivanja velikih trgovačkih društava i bila je lišena upečatljivog dekorativnog efekta koji odlikuje izvozne proizvode Japana keramičke radionice druge polovice 19. stoljeća.


Britanski slikar i keramičar Bernard Leach (1887.-1979.)

Danas izraz "raku" naširoko koriste keramičari u Rusiji, zapadnoj i istočne Europe, majstori skandinavskih zemalja i SAD-a. No, pojam "keramičkog rakua" doživio je značajne promjene širenjem svijetom, te se razmatranje pitanja nastanka "europskog" i "američkog rakua" čini relevantnim.

Prvi Europljanin koji je zapadnim obrtnicima predstavio keramiku u raku stilu bio je britanski umjetnik i keramičar Bernard Leach (1887.-1979.). Nakon umjetničkog obrazovanja u Londonu, dolazi u Japan pod utjecajem knjiga Patricka Lafcadia Hearna (1850.-1904.), koji opisuje Japan kao zemlju sofisticirane kulture, prekrasne prirode, miroljubivih, marljivih ljudi i prekrasna žena. Jednom u Japanu 1909. Leach se upoznao s krugom mladih japanskih filozofa i umjetnika Shirakaba (Bijela breza), koji su izdavali istoimeni časopis za književnost i umjetnost i nastojali što širem krugu čitatelja predstaviti svjetsku umjetničku baštinu, praktički nepoznat u Japanu do kraja 19. stoljeća.

Djelovanje B. Leacha u ovoj udruzi izvorno je bilo posvećeno popularizaciji europske grafike. U isto vrijeme, njegov aktivni rad u Shirakabi upoznao ga je s takvim mladim misliocima i umjetnicima kao što su Yanagi So:etsu (柳宗悦, 1889-1961), Hamada Se:ji (濱田 庄司, 1894-1978) i Tomimoto Kenkichi (富本憲吉記, 1886-1963). Godine 1911., nakon samostalne izložbe u Tokiju, Leach zauzima određeno mjesto u umjetničkom životu Tokija i cijelog Japana kao graver i dizajner tekstila. Iste godine, on i Tomimoto Kenkichi pozvani su na "raku sastanak" (u svojim dnevnicima Leach ih naziva raku party).

Takva su okupljanja bila popularan oblik intelektualne i kreativne razonode među obrazovanim Japancima. Gostima su na raspolaganju bili keramički proizvodi koji su prethodno bili spaljeni; sudionici su ih oslikavali i glazirali te promatrali pečenje koje je posebno spektakularno noću, kada se užareni predmeti vade iz peći i polako hlade na zraku. Za slikanje su se okupili u prostoriji čajane (chashitsu), što je naglasilo opuštenu prijateljsku atmosferu susreta i njegovu povezanost s tradicijom čaja.

Do tog trenutka B. Leach, iako zainteresiran za keramiku u okviru Sirakabe, nije razmišljao o radu s ovim materijalom. Sudjelovanje na “raku susretu”, spektakl pečenja i raznolikost rezultata koje su postigli različiti sudionici susreta natjerali su umjetnika na radikalnu promjenu umjetničke karijere.

Prvi proizvod Bernarda Leacha, napravljen na "raku partyju", bilo je jelo s likom papige. Ovaj ukrasni motiv posuđen je iz repertoara slikanja kobaltom ispod glazure kineskog Ming porculana (1368.-1644.). Sudeći prema opisima ovog posuđa, ono je bilo polikromirano, kao i drugi amaterski proizvodi takvih zabava, koji su nerijetko bili ukrašeni podglazurnim slikanjem i nisu bili bliski izvornim Rakuovim proizvodima. Ova činjenica sugerira da je u Japanu početkom 20. stoljeća tehnologija rakua stekla stanovitu samostalnost, više nije odgovarala izvornoj obiteljskoj tradiciji, te je percipirana kao jedna od poznatih metoda ukrašavanja keramike.

Istodobno, valja napomenuti da su raku susreti bili jasno povezani sa starim tradicijama umjetničkog stvaralaštva, ukorijenjenim u etici i estetici ceremonije čaja, zajedničkom pjesničkom stvaralaštvu, natjecanjima kaligrafa, majstora ikebane 17.-19. . Povratak ovoj tradiciji početkom 20. stoljeća označio je važnu etapu u formiranju moderne nacionalne kulture Japana: kulturni i umjetnički oblici povezani s autoritativnom elitnom kulturom starog Japana ponovno su postali traženi. Karakteristično je da je u to vrijeme u Japanu došlo do oživljavanja interesa za samu ceremoniju čaja cha-no-yu, za praksu čaja sencha-do i druge tradicionalne umjetnosti, kao i za religijsko-filozofske i estetske učenja.

Nakon nekoliko pokušaja da sam savlada lončarstvo i slikanje na keramici, B. Leach je počeo tražiti učitelja u Tokiju. Među ostalim, posjetio je i radionicu Horikawa Mitsuzana, koji se specijalizirao za stil raku. Međutim, Leach je naišao na veće razumijevanje s Uranom Shigekichijem (浦野繁吉, 1851-1923, Kenzan VI), čija je keramika naslijedila tradiciju izvanrednog majstora Ogate Kenzana (Kenzan I, 1663-1743). Iako su, po Leachovu mišljenju, rad Urana Shigekichija i posvećenost dekoraciji u umjetničkoj školi Rimpa bili lišeni energije i snage, ovaj je majstor posjedovao sva tehnička znanja koja su pripadala staroj i slavnoj dinastiji keramičara i bio spreman poučiti stranog studenta osnovama keramičke dekoracije.

Dvije godine Leach je radio u radionici Urana Shigekichija s Tomimotom Kenkichijem, koji je isprva bio i prevoditelj, budući da Leach još nije dovoljno dobro znao japanski. U Uranovoj radionici izrada kalupa nije bila dio posla: praznine za slikanje kupovale su se u drugim radionicama ili su ih izrađivali pozvani keramičari, ali Leach je počeo svladavati i keramiku kako bi mogao sam izrađivati ​​kalupe. Napomenuo je da, budući da nije Japanac, ne može u potpunosti osjetiti prirodu tradicionalnih oblika i dekora. Mnogi rani radovi (1911.-1913.) majstora tumače europske stilove keramike na osebujan način u svjetlu japanske lončarske i umjetničke tradicije. Kasnije će velik utjecaj na Leachov rad imati i keramika cijelog Dalekog istoka i afričkih zemalja.


Nakon godinu dana naukovanja, Urano je dopustio B. Leachu da postavi vlastitu radionicu u kutu vrta na svom imanju i izgradi malu raku peć. Godinu dana nakon izgradnje ove radionice, Urano je njemu i Tomimotu Kenkichiju uručio službene potvrde (gusto:) nasljeđivanja tradicije obitelji Kenzan, a Bernard Leach je službeno priznat kao majstor Kenzana VII.

Bernard Leach je uz ime Kenzan dobio i zbirku "obiteljskih" dokumenata s recepturama za glazuru i drugim tajnama proizvodnje, uključujući i osnove pečenja "raku", koje su bile dio nasljeđa obitelji Kenzan. Naknadno ih je Leach djelomično objavio u svojim djelima, uključujući i The Potter's Book, objavljenu 1940. godine, koja je imala golem utjecaj na keramiku zapadnih radionica sredinom 20. stoljeća. Leach je tradicionalnu tehnologiju učinio dostupnom svim keramičarima zainteresiranima za obogaćivanje umjetnički jezik studio keramike. Tijekom svog kreativnog života, majstor se više puta okrenuo raku tehnici, kako radeći u Japanu, tako iu St. Ivesu.

Govoreći o općem stanju europske umjetničke keramike na početku 20. stoljeća, valja istaknuti da je upravo B. Leach postao prvi umjetnik u Europi koji je osnovao samostalni atelje (1920. u St. Ivesu, Cornwall, nakon vraćajući se u Englesku). Postupno su Leach i Yanagi So:etsu razvili novo shvaćanje uloge obrtnika u svjetskoj umjetničkoj tradiciji: ono se djelomično poklapalo s idejama Williama Morrisa i Pokreta umjetnosti i obrta (povijest ovog pokreta bila je česta tema u razgovori Bernarda Leacha i Yanagija So:etsua). Kao i Morris, Leach se protivio industrijalizaciji obrta i njegovom pretvaranju u jedinstvenu proizvodnju.

Za Yanagi So:etsu, kao i za mnoge japanske umjetnike i mislioce s početka dvadesetog stoljeća, izgledi za neizbježnu industrijalizaciju novog Japana činili su se ozbiljnom prijetnjom izvornoj kulturi rukotvorina i narodnih obrta. Dvadesetih godina 20. stoljeća želja za očuvanjem narodna tradicija rezultiralo je utjecajnim pokretom "Mingei", koji su utemeljili Hamada Se:ji i Kawai Kanjiro: (河井 寛次郎, 1890.-1978.). Tradicije starih keramičkih radionica oživio je 1930-ih Arakawa Toyozo: (荒川 豊 蔵, 1894.-1985.) i odnosio se uglavnom na keramiku Mino-Seto radionica iz Momoyamine ere (1573.-1615.).

Rehabilitacija starih umjetnosti bila je važan dio japanske nacionalne politike u prvoj polovici 20. stoljeća; ta je politika naišla na najiskreniji i najentuzijastičniji odgovor filozofa i umjetnika toga doba. Velik utjecaj na formiranje zanimanja za nacionalnu tradiciju imala je Knjiga o čaju Okakure Kokuzoa (岡倉 覚三, 1862.-1913.), objavljena 1906. - jedno od programskih djela o tradicijskim umjetnostima, u kojemu se trajni etički i estetska vrijednost ceremonije čaja potkrijepljena je cha-but yu. Objavljena na engleskom jeziku, ova je knjiga postala otkriće za zapadnog čitatelja. Uz The Potter's Book Bernarda Leacha, The Book of Tea imala je veliki utjecaj ne samo na zapadne keramičare, već i na širok raspon umjetnika, pisaca i mislilaca sredine dvadesetog stoljeća.

U Cornwallu su se Bernard Leach i Hamada Sho:ji bavili ne samo kreativnim, već i pedagoškim radom. Jedan od Leachovih prvih američkih učenika bio je Warren McKenzie (r. 1924.), koji je studirao u radionici St. Ives od 1949. do 1951. godine.

Tijekom kasnih 1940-ih i ranih 1950-ih poraslo je zanimanje američkih umjetnika za japansku lončarsku tradiciju. Nakon duge ekonomske krize Velike depresije i militarizacije gospodarstva tijekom Drugog svjetskog rata, u Sjedinjenim Američkim Državama došlo je vrijeme stabilnosti, što nije moglo ne utjecati na razvoj umjetnosti i obrta. Sredinom 20. stoljeća interesi američkih keramičara bili su uglavnom koncentrirani oko usavršavanja tehnike keramike i formulacije glazura. U poslijeratnom desetljeću radikalno se mijenja estetika primijenjene umjetnosti - ne samo u keramici, već iu dizajnu namještaja, umjetničkom tekstilu itd. Proliferacija novih materijala koje je stvorila vojna industrija dovela je do širenja mogućnosti dizajna.

Predavanje legendarnog Shoji Hamada

Počevši od 1950. Obrtnički horizonti počinju objavljivati ​​publikacije o radu majstora umjetnosti i obrta; 1953., Američko obrtničko obrazovno vijeće održalo je izložbu "obrtnika-dizajnera" u suradnji s Brooklynskim muzejom; 1956. godine ista je udruga otvorila Muzej modernog obrta u New Yorku. Broj obrazovnih ustanova koje su izučavale zanate i umjetnost raste, a postupno se u Sjedinjenim Državama stvara plodno okruženje za rad umjetnika, majstora raznih vrsta umjetnosti i zanata.

Poslijeratni svijet koji se brzo mijenjao zahtijevao je novi umjetnički jezik. Nakon Drugog svjetskog rata svijet se znatno proširio, a porastao je i interes za zemlje Istoka. Prisutnost američkih vojnih baza u Japanu, kao nuspojava, dovela je do širenja američkih percepcija daleke kulture i održivog interesa za Japan. Japanska estetika postupno je osvajala umove i srca američkih umjetnika: ideje "organske" umjetnosti, blizina prirodnih oblika - sve je to bio odgovor na tehnogenu kulturu i ratni dizajn.

Zanimanje se također javilo za duhovnu kulturu Japana, koja se usredotočila na zen budizam. Znanje o ovoj budističkoj školi proširilo se na Zapadu zahvaljujući publikacijama i aktivnom obrazovnom djelovanju Suzuki Daisetsu Teitaro: (鈴木 大拙 貞 太郎, 1870-1966) i religioznog učenjaka i filozofa Alana Wilsona Wattsa (Alan Watts, 1915-1973). Uz Wattsovo djelovanje kao popularizatora zen budizma, valja istaknuti njegove ideje o estetici primijenjene umjetnosti, nastale pod utjecajem komune Druid Heights (Kalifornija, SAD). Stanovnici ove komune koju je utemeljila spisateljica Elsa Gidlow (1898.-1986.), među kojima je i Alan Watts, sami su izrađivali sve potrebne kućanske potrepštine, vođeni idejama prirodne i funkcionalne estetike. Watts je vidio izravnu vezu između jednostavnih oblika "primijenjene estetike" američkih umjetnika amatera i estetike onih stvari koje su nastale u duhu japanske wabi estetike za one umjetnosti koje su se razvijale u skladu s zen tradicijom (ceremonija čaja, cvjetni aranžiranje ikebana i sl.). Istodobno, i etiku zen budizma i njegovu estetiku Watts i njegovi sljedbenici doživljavali su kao način "unutarnjeg useljavanja", pronalaženja vlastitog glasa u konzervativnoj državi i ujedinjavanja svih oblika života u Americi. Keramika "slobodnog oblika" postala je istaknuta u umjetnosti i obrtu Sjedinjenih Država.

Velik utjecaj na američke keramičare 1950-ih imao je Bernard Leach, čije je djelo The Potter's Book objavljeno u Sjedinjenim Državama 1947. godine. Ipak, najveći utjecaj na umjetnike imao je dolazak engleskog majstora Yanagi So:etsua i Hamada Se:jija u SAD s nizom predavanja i majstorskih tečajeva 1952. godine, nakon konferencije održane u Dartington Hallu (Devonshire). Ova englesko-japanska konferencija bila je posvećena umjetnosti keramike i umjetničkom tkanju, a glavni zadatak joj je bio pokazati široke mogućnosti međunarodne suradnje u ovom umjetničkom području.

Zahvaljujući majstorskim tečajevima Hamade Shojia (majstor je rijetko držao javna predavanja, ali svugdje je nalazio priliku pokazati svoj rad - na bilo kojem lončarskom kolu i s bilo kojom glinom koja mu je pružena), američki keramičari su se upoznali s posebnom plastikom kvalitete japanske keramike. Japanska keramika počela se promatrati u smislu skulpture, sa svim mogućnostima ove umjetničke forme u stvaranju složene forme, u interakciji s okolnim prostorom, vodeći računa o važnosti teksture (i boje) za prenošenje unutarnje dinamike prostora. obrazac, itd.

U 1950-im i 1960-im, istaknuti japanski majstori kao što su Kitaoji Rosanjin (北大路 魯山人, 1883-1959) i Kaneshige Toyo: (金重 陶陽, 1896-1967) također su posjetili Sjedinjene Države, koji su imali veliki utjecaj na američke umjetnike. Jedan od najzainteresiranijih sudionika ovakvih predavanja i majstorskih tečajeva bio je Paul Soldner (1921.-2011.), koji se smatra izumiteljem "američkog raka", koji se s vremenom pokazao kao pan-zapadni smjer keramike. Bio je učenik jednog od najistaknutijih i najutjecajnijih keramičara svoga vremena Petera Voulkosa (Panagiotis Voulkos, 1924.-2002.). Mala - samo tri godine - razlika u godinama između učitelja i učenika omogućila je majstorima da zajedno eksperimentiraju i traže nove oblike keramike.

Soldner je bio pod velikim utjecajem zen filozofije, ceremonije čaja i rada japanskih lončara, ali te pojave nisu imale veliki utjecaj na njegov rani rad - monumentalne, zamršeno oblikovane predmete izrađene na lončarskom kolu. No, 1960. godine, pripremajući tečaj za studente na Scripps institutu, zainteresirao se za Raku keramiku i otkrio neograničene mogućnosti slobode kreativnosti i improvizacije svojstvene ovoj vrsti keramike.

Soldner je napustio složene oblike u korist "organskih", bliskih prirodnim, što je također dovelo do napuštanja lončarskog kola - metode oblikovanja počele su više nalikovati onima usvojenim u radionicama Raku u Kyotu. Pečenje je zahtijevalo posebna istraživanja: najveće (u odnosu na japanski raku) promjene su učinjene u ovoj fazi stvaranja keramičkog proizvoda.

Kao glavni izvor informacija, Soldner je koristio opis Raku keramike i tehnologije njezine izrade u "Potterovoj knjizi" B. Leacha. Koristeći svoj kratki opis i oslanjajući se na vlastito iskustvo, Soldner je napravio malu peć. Nakon nekoliko sati pečenja, Soldner je uklonio užareni keramički lonac i zamotao ga u mokro lišće iz obližnjeg odvodnog jarka, stvarajući redukcijsko okruženje dok se komad hladio. Taj se proces nazivao "dimljenje" keramike (dimljenje) i radikalno se razlikovao od tradicionalne japanske metode hlađenja raku proizvoda u oksidirajućem okruženju. Ipak, upravo je ova metoda postavila temelje takozvanom "američkom raku" i proširila se na mnoge zemlje svijeta.


Soldner je nastavio izrađivati ​​peći prema vlastitom dizajnu: 1960-ih izgradio je jedanaest peći za pečenje proizvoda na različitim temperaturama i u različitim redoks uvjetima, uključujući peći i redukcijske komore za raku. Zatvorene čelične komore-pušnice bile su promjera oko 1,2 m i omogućavale su istovremeno hlađenje 6-10 proizvoda u redukcijskom okruženju. Kako bi se izvršila djelomična oksidacija površine proizvoda (što im je dalo svijetlu individualnost), poklopac takve peći mogao se neko vrijeme podići. Tako je Soldner tijekom brojnih eksperimenata s pećnicama vlastitog dizajna, glazurama različitih receptura i različitim oblicima proizvoda bio vrlo daleko od izvornih japanskih tehnika koje se koriste u tradicionalnim Raku pećnicama.

Takav slobodan tretman tradicionalnog recepta diktirao je Soldnerovo duboko uvjerenje da treba ići naprijed, vođen samo intuicijom i iskustvom. Istodobno, apstraktni ekspresionizam, s posebnim zalaganjem za spontanost i nepredvidljivost rezultata umjetničkog stvaranja, bio je, prema zamislima umjetnika - Soldnerovih suvremenika, usporediv s načelima zen prirodnosti i spontanosti. Tako je japanska srednjovjekovna tradicija sredinom dvadesetog stoljeća zvučala oštro moderno.

Chawan zdjele, koje je Soldner izradio sa skupinom Otisovih studenata 1960-ih godina, odlikuju se originalnom, a istovremeno pažljivom interpretacijom japanske keramičke tradicije. Oblici su bliski japanskom; neravna površina stranica zdjelica prekrivena je slobodnim
pruge obojenih (crnih, crvenih, žutih ili smeđih) glazura, duž kojih se nalaze veliki obojeni krakeluri. Majstor se tijekom svoje duge kreativne karijere okretao tim klasičnim oblicima japanske keramike, unoseći nove i nove izvorne značajke u slobodnog stila Rak. U 1980-ima, pokušavajući složenije oblike, već bliske skulpturi i umjetničkom objektu, Soldner je također komplicirao dekor: majstor je nanosio glazuru u slojevima različite debljine, stvarajući složene prijelaze od neglaziranog krhotina do debelih, tekućih područja obojene glazure.

Na izložbi 2012. Umjetnički muzej Missoula prikazao je veliku, gotovo kuglastu posudu Paula Soldnera, prekrivenu smeđom glazurom i pečenu u tradiciji "raku". Sličnog oblika, posude od tamnosive keramičke mase prekrivene su tankim slojem glazure i s gornje strane ukrašene engobom i glazurama u boji - ekspresionističkim, apstraktnim uzorcima isprepletenih poteza i linija, otiscima drvenih predložaka s drugačiji uzorak- u obliku češljastih pruga, malih udubljenja i sl.

Do 1960-ih među američkim keramičarima već je postojalo nekoliko ideja o tome što su "raku": bili su to ili predmeti pečeni u zadimljenim komorama ("dimljeni") ili pečeni i ohlađeni u komorama s tinjajućim gorivom ili u vodi. . Takva je raznolikost zabilježena početkom 21. stoljeća u opisu “raku” tehnologije Stephena Branfmana: on definira “raku” keramiku kao pečenu u prethodno zagrijanoj peći, izvađenu iz peći na najvišoj temperaturi u komori za pečenje. i polako hladiti u vodi, u posudi sa zapaljivim materijalima ili samo na otvorenom.

Paul Soldner je izbjegavao jedinstveno definiranje raku keramike kroz tehnologiju. Polazio je od ideje da glavne kvalitete Raku keramike - unutarnja sloboda i praktičnost - leže izvan tehnologije, u polju umjetničkog poimanja života. Majstor je imao priliku vidjeti razliku između vlastite tehnike i izvorne tradicije obitelji Raku tijekom svog posjeta Japanu kasnih 1990-ih. Međutim, do tada je tehnologija pečenja proizvoda, koju je on predložio 1960-ih, postala poznata kao "raku" daleko izvan granica Sjedinjenih Država - zahvaljujući izložbama, publikacijama i pedagoškim aktivnostima samog Soldnera i njegovih učenika i sljedbenici. Danas u Sjedinjenim Američkim Državama postoji veliki broj keramičara koji nastavljaju tradiciju američkog raku pečenja, ali različite inačice ove tehnike postoje iu drugim zapadnim zemljama.

Britanski keramičar David Roberts (David Roberts, r. 1947.) jedan je od najutjecajnijih suvremenih raku umjetnika. Njegov rad ne samo da je predstavljao novu englesku reinterpretaciju ove japanske keramike, već je također doveo do ponovnog oživljavanja interesa za rak u Sjedinjenim Državama, gdje je stvorio pokret Naked Raku, koji je ovu keramiku učinio još modernijom.

Monumentalne forme ove keramike nastaju ručnim oblikovanjem (zbijanjem snopova), zatim se površina izravnava i nakon biskvitnog pečenja (oko 1000-1100°C) katkad se prekriva tankim slojem engobe, a zatim glazurom. . Drugo "raku" pečenje na temperaturi od 850-900°C završava dugim "dimljenjem" proizvoda u redukcijskoj sredini - u posudi s papirom i malom količinom piljevine. U roku od nekoliko minuta obnavljaju se boje i spojevi engobe i gline. Gotov proizvod se pere, au procesu pranja glazura se skida s površine, izlažući bijelu engobu s hirovitim uzorkom zacrnjene površine (zbog čega je ova tehnologija nazvana „goli raku“). U nekim slučajevima gotov proizvod utrljana prirodnim voskom kako bi površina dobila duboki sjaj.

Odlučeni u lakonskoj crno-bijeloj boji, Robertsovi najnoviji radovi kao da su isklesani od kamena: bijelog mramora sa složenim venama ili hematita. Sve površine - mat ili polirane - imaju duboki sjaj bez jarkih refleksija, nježno raspršujuće svjetlo. Možemo se podsjetiti da je upravo ta sposobnost kamena - naime žada - učinila plemenitim materijalom u očima Kineza i uzrokovala brojne imitacije žada u porculanu i keramici Kine (počevši od 12. stoljeća) i Japan (od 8. st.).

Robertsova keramika jednako je daleko od djela japanske radionice Raku kao i od eksperimenata Paula Soldnera. Njegov "raku" je pak izazvao pojavu galaksije svijetlih majstora novog, "golog" rakua u mnogim zemljama svijeta. Zapadni majstori su Charlie i Linda Riggs (Charlie, Linda Riggs, Atlanta, SAD) i Paolo Reis (Južna Afrika).

U različitim radionicama umjetnici eksperimentiraju s različitim sastavima glina, engoba i glazura, različitim zapaljivim materijalima za proces restauracije u komorama za dimljenje, kao i s novim oblicima keramičkih proizvoda - od tradicionalnih vaza do elemenata
interijera i umjetničkih predmeta. Mnogi keramičari u Rusiji i susjednim zemljama stvaraju radove u tehnologiji "American raku" i pridržavaju se stila tradicionalnih japanskih proizvoda s grubim organskim oblicima, bogatim bojama glazure.

Rezimirajući proučavanje fenomena „raku keramike“ u radu zapadnih keramičara 20. – početka 21. stoljeća, valja reći da je pojam „raku keramika“ dobio iznimno široku interpretaciju u modernoj literaturi o dekorativnoj i primijenjenoj umjetnosti. umjetnosti i keramike, kao iu praksi keramičara. Prema sadržaju, mogu se razlikovati sljedeće definicije "raka":

Keramika izrađena u tradicionalnoj japanskoj tehnologiji i estetici od strane majstora obitelji Raku (Kyoto);
keramika nastala tradicionalnom japanskom tehnologijom u drugim radionicama u Japanu;
konačno, keramika zapadnih majstora koji tehnološko i estetski interpretiraju japansku tradiciju.

Unatoč velikoj tehnološkoj i stilskoj raznolikosti vrsta keramike, sažetih u treću skupinu, spaja ih jedno važno umjetničko načelo: slijeđenje prirode, suradnja s njom u stvaranju likovne slike (što odgovara „organskom smjeru“ i načelima metabolizma u arhitekturi i dizajnu XX. stoljeća).

Ovo načelo, koje se u zapadnoj svijesti uglavnom povezuje sa zen filozofijom i wabi estetikom, omogućuje svim suvremenim keramičarima da se smatraju nasljednicima i tumačima japanske duhovne i keramičarske tradicije, koliko god njihova djela bila daleko od “izvora”. Sloboda i spontanost kreativnosti, suradnja majstora s materijalom, nepredvidivost konačnog rezultata i estetska originalnost čine Raku keramiku privlačnom svim umjetnicima.

Japanska keramika obitelji Raku, koja je zadržala temelje tehnologije i estetike iz 16. stoljeća, tako se pokazala jednom od najutjecajnijih vrsta umjetnosti i obrta 20. stoljeća.

Japanci su otkrili ljepotu skrivenu u stvarima u 9.-12. stoljeću, u doba Heian (794.-1185.) i čak je označili posebnim konceptom “mono no avare” (jap.???? (???? ??)) , što znači "tužna čar stvari." “Šarm stvari” jedna je od najranijih definicija ljepote u japanskoj književnosti, povezana je sa šintoističkim vjerovanjem da svaka stvar ima svoje božanstvo - kami - i svoj jedinstveni šarm. Avare je unutarnja bit stvari, ono što izaziva užitak, uzbuđenje.

Washi (wasi) ili wagami (wagami).
Ručna izrada papir. Srednjovjekovni Japanci cijenili su washi ne samo zbog njegovih praktičnih kvaliteta, već i zbog ljepote. Bila je poznata po svojoj suptilnosti, gotovo prozirnosti, što joj, međutim, nije oduzimalo snagu. Washi se pravi od kore drveta kozo (duda) i nekih drugih stabala.
Washi papir se čuvao stoljećima, dokazi za to su albumi i svesci drevne japanske kaligrafije, slike, paravani, gravure koje su kroz stoljeća došle do danas.
Vasyin papir je vlaknast, ako pogledate kroz mikroskop, vidjet ćete pukotine kroz koje prodire zrak i sunčeva svjetlost. Ova se kvaliteta koristi u proizvodnji paravana i tradicionalnih japanskih lampiona.
Washi suveniri vrlo su popularni među Europljanima. Od ovog papira izrađuju se mnogi sitni i korisni predmeti: novčanici, kuverte, lepeze. Prilično su izdržljivi, ali lagani.

Komono.
Što ostaje od kimona nakon što odsluži svoje vrijeme? Mislite li da se baca? Ništa slično ovome! Japanci to nikada neće učiniti. Kimona su skupa. Nezamislivo je i nemoguće tek tako baciti... Uz druge vrste recikliranja kimona, majstorice su od sitnih komadića izrađivale male suvenire. To su male igračke za djecu, lutke, broševi, vijenci, ženski nakit i drugi proizvodi, stari kimono se koristi u izradi malih slatkih stvari, koje se zajednički nazivaju "komono". Sitnice koje će zaživjeti vlastitim životom, nastavljajući put kimona. To znači riječ "komono".

Mizuhiki.
Analog makramea. Ovo je drevna japanska primijenjena umjetnost vezanja različitih čvorova od posebnih užeta i stvaranja uzoraka od njih. Takva su umjetnička djela imala iznimno širok raspon - od poklon kartica i pisama do frizura i torbica. Trenutno se mizuhiki iznimno široko koristi u industriji darova - za svaki događaj u životu, dar treba biti zamotan i vezan na vrlo specifičan način. U umjetnosti mizuhikija postoji izuzetno mnogo čvorova i kompozicija, a ne zna ih svaki Japanac sve napamet. Naravno, postoje najčešći i jednostavni čvorovi koji se najčešće koriste: za čestitke na rođenju djeteta, za vjenčanje ili komemoraciju, rođendan ili prijemni na fakultet.

Gohei.
Talisman od papirnatih traka. Gohei - obredni štap šintoističkog svećenika na koji su pričvršćene papirnate cik-cak trake. Iste trake papira obješene su na ulazu u šintoističko svetište. Uloga papira u šintoizmu tradicionalno je bila vrlo velika, a proizvodima od njega uvijek se pridavalo ezoterično značenje. A vjerovanje da svaka stvar, svaka pojava, čak i riječi, sadrži kami - božanstvo - objašnjava pojavu takve vrste primijenjene umjetnosti kao što je gohei. Šintoizam je donekle sličan našem poganstvu. Za šintoiste, kami je posebno voljan smjestiti se u sve što je neuobičajeno. Na primjer, na papiru. A još više u goheiju uvijenom u zamršeni cik-cak, koji danas visi ispred ulaza u šintoistička svetišta i ukazuje na prisutnost božanstva u hramu. Postoji 20 načina slaganja goheija, a oni koji su posebno neobično presavijeni privlače kami. Gohei je pretežno bijele boje, ali postoje i zlatne, srebrne i mnoge druge nijanse. Od 9. stoljeća u Japanu postoji običaj da se sumo hrvačima prije početka borbe učvrste gohei na pojasevima.

Anesama.
Ovo je proizvodnja papirnatih lutaka. U 19. stoljeću žene samuraja izrađivale su papirnate lutke s kojima su se djeca igrala, oblačeći ih u različitu odjeću. U vremenima kada nije bilo igračaka, anesama je djeci bila jedina sagovornica, „obavljala“ je ulogu majke, starije sestre, djeteta i drugarice.
Lutka je presavijena od japanskog washi papira, kosa je napravljena od zgužvanog papira, obojana tintom i premazana ljepilom koje joj daje sjaj. Posebnost je lijep mali nos na izduženom licu. Danas se ova jednostavna igračka, koja zahtijeva samo vješte ruke, tradicionalnog oblika, nastavlja izrađivati ​​na isti način kao i prije.

Origami.
Drevna umjetnost savijanja papirnatih figura (jap. ???, doslovno: "presavijeni papir"). Umjetnost origamija vuče korijene iz drevne Kine, gdje je izumljen papir. U početku se origami koristio u vjerskim obredima. Dugo je vremena ova vrsta umjetnosti bila dostupna samo predstavnicima viših klasa, gdje je znak dobrog ukusa bio posjedovanje tehnika savijanja papira. Tek nakon Drugog svjetskog rata origami je otišao izvan Istoka i došao u Ameriku i Europu, gdje je odmah pronašao svoje obožavatelje. Klasični origami presavijen je s kvadratnog lista papira.
Postoji određeni skup konvencionalnih simbola potrebnih za skiciranje sheme savijanja čak i najsloženijeg proizvoda. Većinu konvencionalnih znakova u praksu je sredinom 20. stoljeća primijenio slavni japanski majstor Akira Yoshizawa.
Klasični origami propisuje korištenje jednog kvadratnog ravnomjerno obojenog lista papira bez ljepila i škara. Suvremene umjetničke forme ponekad odstupaju od ovog kanona.

Izvor fotografije: http://sibanime.ru/2152-yaponskie-tradicii-origami.html

Kirigami.
Kirigami je umijeće izrezivanja različitih oblika od nekoliko puta presavijenog lista papira uz pomoć škara. Vrsta origamija koja omogućuje korištenje škara i rezanje papira u procesu izrade modela. To je glavna razlika između kirigamija i drugih tehnika savijanja papira, što je naglašeno u nazivu: ?? (kiru) - rezati,? (gami) - papir. Svi smo u djetinjstvu voljeli rezati snježne pahulje - varijanta kirigamija, ovom tehnikom možete izrezati ne samo snježne pahulje, već i razne figure, cvijeće, vijence i druge slatke stvari od papira. Ovi se proizvodi mogu koristiti kao šablone za printeve, ukrase za albume, razglednice, okvire za fotografije, modni dizajn, dizajn interijera i druge razne dekoracije.

Ikebana.
Ikebana, (jap??? ili????) prevedeno sa Japanski jezik- ike” - život, “bana” - cvijeće, odnosno “cvijeće koje živi”. Japanska umjetnost aranžiranja cvijeća jedna je od najljepših tradicija japanskog naroda. Pri sastavljanju ikebane, uz cvijeće, koriste se i rezane grane, lišće i izdanci.Osnovno načelo je izuzetna jednostavnost, za što se nastoji naglasiti prirodna ljepota biljaka. Ikebana je stvaranje novog prirodnog oblika, u kojem se skladno spajaju ljepota cvijeta i ljepota duše majstora koji stvara kompoziciju.
Danas u Japanu postoje 4 glavne škole ikebane: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Osim njih, postoji oko tisuću različitih pravaca i trendova koji se pridržavaju jedne od ovih škola.

Oribana.
Sredinom 17. stoljeća dvije škole ohara (glavni oblik ikebane - oribana) i koryu (glavni oblik - sek) odstupile su od ikenoba. Inače, škola ohara još uvijek proučava samo oribanu. Kako kažu Japanci, vrlo je važno da se origami ne pretvori u origami. Gomi na japanskom znači smeće. Uostalom, kako to biva, presavio si komad papira, i što onda s njim? Oribana nudi puno ideja za bukete za uređenje interijera. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

krivo
Vrsta likovne umjetnosti nastala iz cvjećarstva. Cvjećarstvo se u našoj zemlji pojavilo prije osam godina, iako u Japanu postoji više od šest stotina godina. Negdje u srednjem vijeku, samuraji su shvatili put ratnika. I oshibana je bila dio tog puta, baš kao pisanje hijeroglifa i vitlanje mačem. Značenje pogreške bilo je u tome što je u stanju potpune prisutnosti u trenutku (satori) majstor stvorio sliku od suhog cvijeća (prešano cvijeće). Tada bi ova slika mogla poslužiti kao ključ, putokaz onima koji su bili spremni ući u tišinu i doživjeti taj isti satori.
Suština umjetnosti "oshibana" je da sakupljanjem i sušenjem pod pritiskom cvijeća, bilja, lišća, kore i lijepljenjem na podlogu, autor uz pomoć biljaka stvara istinsko "slikarsko djelo". Drugim riječima, pogrešno je slikati s biljkama.
Umjetnička kreativnost cvjećara temelji se na očuvanju oblika, boje i teksture osušenog biljnog materijala. Japanci su razvili tehniku ​​zaštite "oshibana" slika od blijeđenja i tamnjenja. Njegova suština je da se između stakla i slike ispumpava zrak i stvara vakuum koji sprječava kvarenje biljaka.
Privlači ne samo nekonvencionalnost ove umjetnosti, već i mogućnost pokazivanja mašte, ukusa, znanja o svojstvima biljaka. Cvjećari stvaraju ukrase, krajolike, mrtve prirode, portrete i slike s pričama.

Temari.
Ovo su tradicionalne japanske geometrijske izvezene lopte izrađene jednostavnim šavovima koje su nekoć bile dječja igračka, a sada su postale umjetnička forma s brojnim obožavateljima ne samo u Japanu nego i diljem svijeta. Vjeruje se da su prije mnogo vremena ove proizvode izrađivale žene samuraja za zabavu. U samom početku su se doista koristile kao lopta za igru ​​loptom, no postupno su se počele stjecati likovnih elemenata, kasnije prerastajući u ukrasni ukrasi. Nježna ljepota ovih kuglica poznata je diljem Japana. A danas su šareni, pažljivo izrađeni proizvodi jedna od vrsta narodnih zanata u Japanu.

Yubinuki.
Japanski naprsci, kada su ručno šivani ili izvezeni, stavljaju se na srednju falangu srednjeg prsta radna ruka, uz pomoć vrhova prstiju igli se daje željeni smjer, a igla se u radu provlači kroz prsten na srednjem prstu. U početku su se japanski yubinuki naprsci izrađivali prilično jednostavno - traka debele tkanine ili kože širine oko 1 cm u nekoliko slojeva bila je čvrsto omotana oko prsta i pričvršćena s nekoliko jednostavnih ukrasnih šavova. Budući da su yubinuki bili neophodni predmeti u svakom domu, počeli su se ukrašavati geometrijskim vezom svilenim nitima. Od prepletanja uboda nastali su šareni i složeni uzorci. Yubinuki se od jednostavnog kućnog predmeta pretvorio i u predmet za "divljenje", ukras svakodnevnog života.
Yubinuki se još uvijek koriste u šivanju i vezenju, no mogu se pronaći i jednostavno nošeni na rukama na bilo kojem prstu, poput ukrasnog prstenja. Vez u stilu Yubinuki koristi se za ukrašavanje raznih predmeta u obliku prstena - prstenovi za salvete, narukvice, temari stalci, ukrašeni yubinuki vezom, a postoje i izvezeni kreveti za igle u istom stilu. Yubinuki uzorci mogu biti izvrsna inspiracija za temari obi vez.

Kanzashi.
Umijeće ukrašavanja kopči za kosu (najčešće ukrašenih cvjetićima (leptirićima i sl.) od tkanine (uglavnom svile). Japanski kanzashi (kanzashi) je duga ukosnica za tradicionalnu japansku žensku frizuru. Izrađivale su se od drva, laka, srebro, kornjačevina koje se koriste u tradicionalnim kineskim i japanskim frizurama. Prije otprilike 400 godina, u Japanu, stil ženskih frizura se promijenio: žene su prestale češljati kosu u tradicionalnom obliku - taregami (duga ravna kosa) i počele su je oblikovati u zamršene i bizarni oblici - nihongami.koristio razne predmete - ukosnice, štapiće, češljeve.Tada se čak i jednostavan kushi češalj-češalj pretvara u elegantan pribor iznimne ljepote, koji postaje pravo umjetničko djelo.Japanska ženska tradicionalna nošnja nije dopuštala nakit za zapešća i ogrlice, pa su ukrasi za frizure bili glavna ljepota i polje za samoizražavanje - kao i demonstriranje ukusa i debljine novčanika vlasnika. Na gravurama možete vidjeti - ako bolje pogledate - kako su Japanke lako objesile do dvadeset skupih kanzashija u svoje frizure.
Sada postoji oživljavanje tradicije korištenja kanzashi među mladim Japankama koje žele dodati sofisticiranost i eleganciju svojim frizurama, moderne ukosnice mogu biti ukrašene sa samo jednim ili dva fina ručno izrađena cvijeta.

Kumihimo.
Kumihimo je japanska pletenica. Prilikom tkanja niti se dobivaju vrpce i čipke. Ove čipke su tkane na posebnim strojevima - Marudai i Takadai. Stroj Marudai služi za tkanje okruglih čipki, a Takadai za ravne. Kumihimo na japanskom znači "pletenje užadi" (kumi - tkanje, savijanje, himo - uže, čipka). Unatoč činjenici da povjesničari tvrdoglavo inzistiraju da se slično tkanje može naći kod Skandinavaca i stanovnika Anda, japanska umjetnost kumihimo doista je jedna od najstarijih vrsta tkanja. Prvi spomen datira iz 550. godine, kada se budizam proširio Japanom, a posebne ceremonije zahtijevale su posebna odlikovanja. Kasnije su se kumihimo vezice počele koristiti kao fiksator za obi pojas na ženskom kimonu, kao užad za "pakiranje" cjelokupnog samurajskog arsenala oružja (samuraji su kumihimo koristili u dekorativne i funkcionalne svrhe za vezivanje oklopa i konjskih oklopa) i također za vezanje teških predmeta.
Različiti uzorci modernog kumihima vrlo se lako tkaju na domaćim kartonskim tkalačkim stanovima.

Suibokuga ili sumie.
Japansko slikarstvo tušem. Ovaj kineski stil slikanja prihvatili su japanski umjetnici u 14. stoljeću, a do kraja 15. stoljeća. postala glavna struja slikarstva u Japanu. Suibokuga je jednobojna. Karakterizira ga korištenje crne tinte (sumi), tvrdog oblika ugljena ili kineske tinte proizvedene od čađe, koja se samelje u posudi za tintu, razrijedi vodom i četkom nanese na papir ili svilu. Jednobojni nudi majstoru beskrajan izbor tonskih opcija, koje su Kinezi davno prepoznali kao "boje" tinte. Suibokuga ponekad dopušta upotrebu stvarnih boja, ali je ograničava na tanke, prozirne poteze koji uvijek ostaju podređeni liniji tinte. Slikanje tušem dijeli s umjetnošću kaligrafije takve bitne karakteristike kao što su strogo kontrolirani izraz i tehničko majstorstvo oblika. Kvaliteta slikanja tušem svodi se, kao i u kaligrafiji, na cjelovitost i otpornost na kidanje linije nacrtane tušem, koja takoreći drži umjetničko djelo na sebi, kao što kosti drže na sebi tkivo.

Etegami.
Crtane razglednice (e - slika, označeno - pismo). Izrada razglednica "uradi sam" općenito je vrlo popularna aktivnost u Japanu, a pred blagdane njena popularnost još više raste. Japanci vole slati razglednice svojim prijateljima, a vole ih i primati. Ovo je vrsta brzog pisma na posebnim prazninama, može se poslati poštom bez koverte. U etegami nema posebnih pravila ili tehnika, svatko može bez njih posebni trening. Etagami pomaže u preciznom izražavanju raspoloženja, dojmova, ovo je ručno izrađena razglednica koja se sastoji od slike i kratkog pisma, prenoseći emocije pošiljatelja, kao što su toplina, strast, briga, ljubav itd. Ove razglednice šalju za blagdane i tek tako, s prikazom godišnjih doba, aktivnosti, povrća i voća, ljudi i životinja. Što je ova slika jednostavnija nacrtana, to izgleda zanimljivije.

Furoshiki.
Japanska tehnika zamatanja ili umjetnost savijanja platna. Furoshiki je dugo ušao u život Japanaca. Sačuvani su drevni svici iz razdoblja Kamakura-Muromachi (1185. - 1573.) sa slikama žena koje na glavi nose svežnjeve odjeće umotane u tkaninu. Ova zanimljiva tehnika nastala je još 710. - 794. godine nove ere u Japanu. Riječ "furoshiki" doslovno se prevodi kao "tepih za kupanje" i kvadratni je komad tkanine koji se koristio za omatanje i nošenje predmeta svih oblika i veličina.
U starim danima bilo je uobičajeno hodati u japanskim kupkama (furo) u laganim pamučnim kimonima, koje su posjetitelji nosili sa sobom od kuće. Kupač je ponio i posebnu prostirku (shiki) na kojoj je stajao dok se svlačio. Nakon što se presvukao u kimono za "kupanje", posjetitelj je svoju odjeću zamotao u prostirku, a nakon kupanja mokri kimono zamotao je u prostirku kako bi ga donio kući. Tako je prostirka za kupanje postala multifunkcionalna torba.
Furoshiki je vrlo jednostavan za korištenje: tkanina poprima oblik predmeta koji omotate, a ručke olakšavaju nošenje tereta. Osim toga, dar umotan ne u tvrdi papir, već u meku, višeslojnu tkaninu, dobiva posebnu izražajnost. Postoji mnogo shema za sklapanje furoshikija za svaku priliku, svakodnevnu ili svečanu.

Kinusaiga.
Nevjerojatna vrsta ručnih radova iz Japana. Kinusaiga (???) je križanac između batika i patchworka. Glavna ideja je da su nove slike sastavljene od starih svilenih kimona - prava umjetnička djela.
Prvo umjetnik radi skicu na papiru. Zatim se ovaj crtež prenese na drvenu ploču. Kontura uzorka se prorezuje utorima, ili utorima, a zatim se iz starog svilenog kimona izrežu mali komadići, koji odgovaraju boji i tonu, a rubovi tih komadića ispunjavaju utore. Kada gledate takvu sliku, imate osjećaj da gledate fotografiju ili čak samo promatrate krajolik izvan prozora, toliko su realistični.

Amigurumi.
Japanska umjetnost pletenja ili heklanja malih plišanih životinja i humanoidnih bića. Amigurumi (jap. ????, dosl.: “pleteni-zamotani”) najčešće su slatke životinje (kao što su medvjedi, zečići, mačke, psi itd.), čovječuljci, ali mogu biti i neživi predmeti obdareni ljudska svojstva. Na primjer, kolačići, šeširi, torbice i drugo. Amigurumi je pleten ili pleten ili kukičan. U U zadnje vrijeme Kukičani amigurumi postali su sve popularniji i češći.
pletene od pređe na jednostavan način pletenje - u spiralu i, za razliku od europske metode pletenja, krugovi obično nisu povezani. Također se heklaju na manjoj veličini u odnosu na debljinu pređe kako bi se stvorila vrlo gusta tkanina bez ikakvih praznina kroz koje može proći nadjev. Amigurumi se često prave od dijelova i potom sastavljaju, osim nekih amiguruma, koji nemaju udove, već samo glavu i torzo, koji su jedna cjelina. Udovi su ponekad ispunjeni plastičnim komadima kako bi im se dala živa težina, dok je ostatak tijela ispunjen vlaknastim punjenjem.
Širenje estetike amigurumija olakšava njihova ljupkost ("kawaii").

Bonsai.
Bonsai se kao fenomen pojavio prije više od tisuću godina u Kini, ali je vrhunac razvoja ova kultura doživjela tek u Japanu. (bonsai - jap. ?? Doslovno "biljka u loncu") - umjetnost uzgoja točne kopije pravog stabla u minijaturi. Ove biljke uzgajali su budistički redovnici nekoliko stoljeća prije naše ere, a kasnije su postale jedna od aktivnosti lokalnog plemstva.
Bonsai je krasio japanske domove i vrtove. U eri Tokugawa dizajn parka dobio je novi poticaj: uzgoj azaleja i javora postao je zabava za bogate. Razvila se i proizvodnja patuljastih usjeva (hachi-no-ki - "stablo u loncu"), ali su bonsai tog vremena bili vrlo veliki.
Sada se za bonsai koriste obična stabla, koja postaju mala zbog stalnog rezidbe i raznih drugih metoda. Istodobno, omjer veličina korijenskog sustava, ograničenog volumenom zdjele, i prizemnog dijela bonsaija odgovara proporcijama odraslog stabla u prirodi.

Niz poruka " ":
Dio 1 - Japanske vrste ručnih radova

(ne o razvoju nošnje) Tradicionalno, djela japanske umjetnosti i obrta uključuju proizvode od laka, porculana i keramike, rezbarije u drvu, kosti i metalu, umjetnički ukrašene tkanine i odjeću, umjetnička djela oružja itd. Specifičnost umjetničkih djela i obrta sastoji se u sljedećem: oni imaju, u pravilu, čisto praktičnu, utilitarnu primjenu, ali u isto vrijeme igraju i čisto estetsku ulogu, služeći kao ukras čovjekove svakodnevice. Estetika okolnih predmeta za Japance nije bila manje važna od njihove praktične svrhe: divljenja ljepoti. Štoviše, tradicionalnu svijest Japanaca karakterizira poseban odnos prema ljepoti kao jednoj od misterija svemira. Ljepota je za Japance fenomen koji nadilazi našu svakodnevicu, koji se može riječima opisati i razumom razumjeti. Suvremena zapadnjačka kultura, što dalje, to više nastoji ljudski život svesti u okvire racionalnog, svakodnevnog svjetonazora, gdje dominiraju zakonitosti takozvanog „zdravog razuma“. Za Japance, usprkos njihovoj krajnjoj praktičnosti i pragmatičnosti u svakodnevnim poslovima, običan, materijalni svijet, naravno, bio je percipiran kao iluzoran i prolazan. I da iza njenih granica postoji jedan drugi, nemanifestirani svijet, koji u osnovi prkosi standardima "zdravog razuma" i koji se riječima ne može opisati. Tu žive viša bića, s tim je povezana misterija života i smrti, kao i mnoge tajne života, uključujući i principe ljepote. Taj se svijet ogleda u našem, poput mjeseca u vodenoj površini, odzvanjajući u dušama ljudi oštrim i dirljivim osjećajem ljepote i tajanstvenosti. One koji nisu u stanju vidjeti i cijeniti tu suptilnu i višestruku igru ​​značenja i nijansi ljepote, Japanci smatraju beznadnim, grubim barbarima.

Kako bi se učvrstili u svom sudjelovanju u transcendentnom svijetu, Japanci (prije svega elita, aristokracija) pridavali su veliki značaj ritualnim radnjama, a posebno njihovoj estetskoj strani. Odavde se odvijaju ceremonije divljenja trešnjinim cvjetovima, grimiznim javorima, prvom snijegu, izlascima i zalascima sunca, kao i pjesnička natjecanja, aranžiranje cvijeća (ikebana), kazališne predstave itd. Čak i tako jednostavne svakodnevne situacije kao što su ispijanje čaja ili sakea, sastanci gostiju ili ulaska u intimu, Japanci su pridavali važnost mističnom djelovanju. Predmeti za kućanstvo u isto su vrijeme igrali ulogu ritualnih atributa. Majstori koji su stvarali takve predmete nastojali su im dati besprijekoran estetski izgled. Na primjer, mnoge zdjele za čajnu ceremoniju, na prvi pogled hrapave i neravne, bile su neobično visoko cijenjene, prvenstveno zato što su nosile pečat "onozemaljske" ljepote, činilo se da u njima stoji cijeli Svemir.

Isto se u potpunosti odnosi i na mnoga druga djela umjetnosti i obrta: figurice, netsuke, kutije - inro, lakirano posuđe, elegantne kosode (kimono s kratkim rukavima) s izuzetnim i otkačenim dekorom, paravani, lepeze, svjetiljke i, posebno, tradicionalno japansko oružje . Razmotrit ćemo praktičnu primjenu tradicionalnih estetskih načela u japanskoj umjetnosti i obrtu na primjeru japanskih umjetničkih mačeva.

Od davnina su lakirani proizvodi poznati u Japanu, a njihovi ostaci nalaze se na arheološkim nalazištima iz doba Jomon. U vrućoj i vlažnoj klimi, premazi laka štitili su drvo, kožu, pa čak i metalne proizvode od uništenja. Proizvodi od laka u Japanu našli su najširu primjenu: posuđe, kućanski pribor, oružje, oklopi itd. Proizvodi od laka služili su i kao ukras interijera, osobito u domovima plemstva. Tradicionalni japanski lakovi su crveni i crni, kao i zlatni; pred kraj razdoblja Edo počela je proizvodnja žutog, zelenog, smeđeg laka. Do početka XX. stoljeća. lak se dobivao u bijeloj, plavoj i ljubičasta. Lak se nanosi na drvenu podlogu u vrlo debelom sloju - do 30-40 slojeva, zatim se polira do zrcalnog izgleda. Postoje mnoge dekorativne tehnike povezane s upotrebom laka: maki-e - korištenje zlatnog i srebrnog praha; urushi-e - slikanje lakom; hyomon - kombinacija; slikanje lakom s umetcima od zlata, srebra i sedefa. Japansko umjetničko lakirano posuđe vrlo je cijenjeno ne samo u Japanu, već i na Zapadu, a njihova proizvodnja još uvijek cvjeta.

Japanci su posebno dragi keramičkih proizvoda. Najraniji od njih poznati su iz arheoloških iskapanja i datiraju iz razdoblja Jomon. Na razvoj japanske keramike, a kasnije i porculana, značajno su utjecale kineske i korejske tehnologije, posebice pečenje i glazura u boji. Posebnost japanske keramike je da je majstor obratio pažnju ne samo na oblik, ukrasni ukras i boju proizvoda, već i na taktilne osjećaje koje je izazvao kada je došao u dodir s dlanom osobe. Za razliku od zapadnog pristupa keramici, japanski pristup keramici podrazumijevao je nejednakost oblika, hrapavost površine, pukotine, mrlje glazure, otiske prstiju majstora i demonstraciju prirodne teksture materijala. U umjetničke keramičke proizvode ubrajaju se prije svega zdjele za čajne ceremonije, čajnici, vaze, lonci, ukrasne posude, posude za sake itd. Proizvodi od porculana uglavnom su vaze tankih stijenki s izuzetnim ukrasima, pribor za čaj i vino te razne figurice. Značajan dio japanskog porculana posebno je izrađen za izvoz u zapadne zemlje.

Posebno za svaki:

KERAMIKA
Najstarija japanska keramika
Japanci već dugo jako vole yakimono.* Peći su proizvodile razne keramičke predmete koji su varirali u boji, obliku i teksturi površine. Osebujna kultura svakodnevnog života, koju su stvorili Japanci, počinje s keramičkim posuđem - zdjelama za rižu, šalicama bez ručke i podlošcima za štapiće. Ove stranice daju nam ideju o japanskoj fascinaciji keramikom i porculanom.
* Na japanskom su keramika ("toki") i porculan ("jiki") zajednički poznati kao "yakimono".

Povijest razvoja japanske keramike
Prva keramika napravljena je na japanskom arhipelagu prije otprilike 13.000 godina. Koliko je poznato, to se dogodilo ranije nego bilo gdje drugdje u svijetu. Najpoznatiji su veliki, duboki lonci za kuhanje tekućina. Proizvodi su bili ukrašeni ornamentom od nabora ili otiskom pletenog užeta. Zbog ovih ukrasa od užadi, keramika tog vremena nazivana je "jomon doki" ("jo" = uže; "mon" = ukras, "doki" = keramika). Prije otprilike 5000 godina, tijekom Jomon ere, pojavili su se modeli dinamičnog oblika s ornamentom u obliku uzlaznog vala na grlu staklenki i bizarnim uzorcima koji su pokrivali cijelu vanjsku površinu proizvoda.
Tijekom Yayoi ere koja je uslijedila, s početkom uzgoja riže, nove vrste keramike uvedene su s Korejskog poluotoka. Yayoi posuđe bilo je dio svakodnevnog života i služilo je za spremanje i pripremu hrane, kao i za serviranje jela na stol. Bilo je manje ukrašeno od Jōmon posuđa, au njegovom ukrašavanju korištene su uglavnom svijetle boje.
Oko početka 5.st. došlo je do velikih promjena povezanih s dolaskom novih tehnologija u Japan, ponovno s Korejskog poluotoka. Ranije su se proizvodi od gline pekli na vatri, no nova vrsta keramike, Sueki, počela se podvrgavati visokotemperaturnoj obradi u posebnim tunelskim pećima postavljenim na obroncima brda. Sueki proizvodi već su bili prava keramika.
Oko sredine 7.st. Japanski keramičari počeli su proučavati korejsku i kinesku tehnologiju. Od susjeda su naučili kako koristiti glazuru i šamotnu glinu na relativno niskim temperaturama. Proizvodi tog vremena bili su prekriveni glazurom tamnozelenog tona ili, poput nara sansai keramike, polikromnom glazurom, u kojoj su prevladavale crvena, žuta i zelena boja. Međutim, obje vrste keramike bile su popularne samo među članovima carskog dvora, dvorskim plemstvom i hramskim službenicima, a počevši od 11. stoljeća. ti predmeti se više nisu proizvodili.
Nova dostignuća koja su pratila stvaranje Sueka proizvoda dala su poticaj za početak izgradnje peći diljem zemlje. Lončari su primijetili da je drveni pepeo u užarenoj peći u interakciji s glinom, stvarajući prirodnu glazuru. To im je sugeriralo tehnologiju posipanja keramike pepelom tijekom pečenja. Metoda glazure od prirodnog pepela prvi put je korištena u pećima Sanage u provinciji Owari (danas sjeverozapadna prefektura Aichi).
Proizvodnja keramike Sueca tijekom srednjeg vijeka potaknula je razvoj novih tehnologija. Šest japanskih povijesnih središta keramike — Seto, Tokoname, Echizen, Shigaraki, Tamba i Bizen — osnovano je u to vrijeme. Njihove peći rade i danas. Gotovo svi proizvode posuđe od fajanse koje izgleda kao keramika - uglavnom veliki vrčevi, vaze i lonci.
Glazirani luksuzni predmeti proizvodili su se samo u Setu, koji se nalazi u blizini drevnih peći Sanage. Seto lončari pokušali su zadovoljiti zahtjeve aristokrata i samuraja, koji su pokazali veliki interes do keramike i porculana u stilu kineske pjesme. Nove boje su ugrađene u njihovu završnu obradu. Karakteristična značajka ovog jela bila je upotreba žuta boja s nijansama crvene, smeđe ili zelene. Lončari su crpili inspiraciju iz uzoraka donesenih s kontinenta. Istodobno su ideale stila Song uskladili s ukusima Japanaca, svojim idejama o novim oblicima i ukrašavanju kućanskog posuđa. Otprilike do kraja 16.st. Seto je bio jedini centar u Japanu koji je proizvodio glaziranu keramiku.

U doba međusobnih ratova (1467.-1568.), koji su zahvatili cijelu zemlju, seto lončari otišli su na sjever, preko planina, u Mino (danas je to južni dio prefekture Gifu). Ovdje je položen početak novih stilova, karakterističnih za Japan. Najbolje ih predstavljaju proizvodi Kiseto, Seto-guro, Shino i Oribe.
U to je vrijeme rođena ceremonija čaja. Običaj ispijanja čaja došao je iz Kine krajem 12. stoljeća, no tek je u 16. stoljeću postalo moderno pridavati posebnu pozornost ceremoniji posluživanja čaja prilikom primanja gostiju.
Nijanse žute, bijele, crne, zelene i drugih boja Mino keramike upućuju na utjecaj kineske i korejske keramike, ali asimetrični oblik i apstraktni uzorci ukazuju na njen osebujni japanski karakter. Sve popularnija ceremonija čaja zahtijevala je izuzetne šalice, tanjure, posude, kutije za mirise, vaze za cvijeće i svijećnjake. Minove radionice živo su odgovorile na te zahtjeve.
Dolaskom ere Momoyama (kasno 16. stoljeće) prestali su međusobni ratovi koji su završili ujedinjenjem Japana, a ceremonija čaja se dalje razvijala. U ovo vrijeme japanska keramika prolazi kroz promjene. Toyotomi Hideyoshi započeo je vojnu kampanju na Korejskom poluotoku, što je otvorilo mogućnosti samurajima, obožavateljima ceremonije čaja, da dovedu korejske lončare u Japan i uključe ih u gradnju peći. Mnogi novi proizvodni centri postavljeni su u različitim dijelovima Kyushua, uključujući Karatsu, Agano, Takatori, Satsuma, Hagi. Proizvodnja Karatsu proizvoda bila je najraznovrsnija i najobimnija - zdjele za čaj, vaze za cvijeće i mnogi kućanski predmeti isporučeni su odatle u sve krajeve zemlje.
Porculan se u Japanu pojavio tek početkom 17. stoljeća, kada su ga ovdje počeli izrađivati ​​korejski lončari. To je bila važna prekretnica u razvoju japanske keramike. Ubrzo nakon toga, otkrivene su naslage porculanske gline, sada poznate kao kaolin, u Izumiyami, Ariti, Kyushu. Pokazao se idealnim za izradu tankostijenih, laganih i čvrstih proizvoda. Sa svojom jarko plavom bojom na bijeloj pozadini, postali su popularna roba u cijelom Japanu. A budući da su komadi dopremljeni iz obližnje luke Imari, postali su poznati kao Imari porculan. U početnoj fazi postojanja proizvodnje Imari bio je očit utjecaj korejskog porculana na nju, ali ubrzo je veliki broj porculanskih proizvoda uvezen iz Kine, koji je također postao predmet proučavanja japanskih obrtnika. Postupno se kvaliteta domaćeg keramičkog posuđa znatno poboljšavala. Majstor po imenu Sakaida Kakiemon izumio je metodu nanošenja mekih narančasto-crvenih nijansi na površinu proizvoda, što je omogućilo stvaranje nevjerojatnih dizajna u boji na mliječno bijeloj pozadini.
Europski kraljevski dvorovi i plemstvo, opčinjeni ljepotom orijentalne umjetnosti, natjecali su se kako bi oteli Imari porculanske proizvode. Ubrzo su obrtnici u Meissenu (Njemačka), Delftu (Nizozemska) i drugim europskim središtima počeli kopirati Imari proizvode, uključujući Kakiemon stil. Bilo je to zlatno doba japanske keramike.
Nonomura Ninsei, koji je živio u 17. stoljeću. u Kyotu, carskom gradu, stvorio je svoj vlastiti kraljevski stil, otvarajući cijeli svijet šarene fantazije. Ogata Kenzan, Okuda Eisen i Aoki Mokubei obogatili su ovaj sofisticirani svijet Kyo keramike, postavljajući temelje za razvoj. moderan stil Kyomizu.

U 19. stoljeću proizvodnja keramike se brzo razvijala u cijeloj zemlji. Stilovi Goshu-akae (crvena glazura) i senzui razvili su se iz kasnijih dizajna kineski stil Min, stekao je ogromnu popularnost u to vrijeme, o čemu svjedoči moderno japansko posuđe.
Keramika proizvedena u Japanu izlagana je na međunarodnim izložbama u Parizu krajem 19. stoljeća, tako da su Imari, Satsuma i Kutani proizvodi utjecali na način rada europskih obrtnika. Zanimanje za japanske proizvode odrazilo se na evoluciju suvremene umjetnosti.
Povijest japanske keramike nezamisliva je bez korejskog i kineskog utjecaja. No, također je jasno da je, odgovarajući na umjetnički ukus i način života Japanaca, ovaj zanat krenuo svojim putem i doveo do stvaranja jedinstvene umjetnosti i cijele industrije.

Izvanredna raznolikost keramičkih proizvoda u Japanu
U cijelom svijetu japanska keramika se smatra nenadmašnom u broju i raznolikosti postojećih tehnologija i stilova. Moderno posuđe - keramičko ili porculansko - proizvodi se u Japanu u širokom rasponu oblika i ukrasnih rješenja.
Japansko posuđe može se podijeliti u tri skupine: (1) zemljano posuđe s jedinstvenom teksturom koja se na dodir čini zemljom, a najbolje ga predstavljaju Bizen, Shigaraki, Echizen i Tokoname; (2) glazirana keramika s toplom, zemljanom nijansom, poznata po Oribe i Mino posuđu za ceremoniju čaja, jednostavnom posuđu Mashiko i posuđu Karatsu i Hagi, odjekom keramičke umjetnosti Korejskog poluotoka; i (3) porculan, predstavljen Imari posuđem, poznatim po upotrebi spektakularne bijele pozadine u svom ukrasu, i Kutani posuđem s blistavim bojama po cijeloj površini. Bez obzira na tehnologiju i dizajn peći, keramika koju su izradili japanski majstori uvijek je svjedočila o stoljetnoj potrazi za ljepotom.
Zašto postoji tolika raznolikost unutar svake skupine keramike? Da bismo odgovorili na ovo pitanje, moramo razmotriti blisku vezu između keramike i ceremonije čaja.
Ideali ceremonije čaja, koji se sastojao od jednostavnosti i mira, našli su svoje najupečatljivije utjelovljenje u doba Momoyame (kasno 16. stoljeće). Izraz tih novih ideala za to vrijeme bila je riječ wabi, što znači jednostavnost i spokoj. Majstori čajne ceremonije, koji su željeli da njihovo posuđe prenese duh wabija, pokazali su svoju originalnost i proširili svoj utjecaj naručivanjem zdjelica za čaj i drugih predmeta od obrtnika koji su izvana izgledali kao da "dišu" te ideale.
Izvanredna kreativna energija Momoyamine ere udahnula je novi život u umjetnost japanske keramike. To se može vidjeti na Seto-guro robi, sa svojim potpuno crnim tonovima dobivenim vađenjem robe iz peći tijekom procesa pečenja; u posuđu radionice Kiseto svojim dinamičnim dizajnom; u Oribe posuđu, sa svojim odvažnim oblicima i zamršenim uzorcima, izrađenim sa zelenom i glazurom u boji željeza; u strogim jednostavnim proizvodima Sino.
Izvođači ceremonije čaja ponekad daju imena određenim predmetima koji im se najviše sviđaju, kao što su šalica za čaj, vaza, posuda s vodom ili kutija za miris. Gdje još u svijetu možete pronaći takav odnos prema keramici? Nije li ovo dokaz dubine japanske strasti prema keramici!

Još jedan razlog za tako veliki izbor keramičkih proizvoda je činjenica da japanska kuhinja zahtijeva široku ponudu pribora za jelo, puno više nego bilo koja druga kuhinja na svijetu.
U davna vremena japansko plemstvo radije je jelo i pilo koristeći uglavnom lakirano posuđe, ali to se promijenilo zahvaljujući majstorima ceremonije čaja. Počeli su koristiti keramičke setove za posluživanje kaiseki zalogaja prije čaja i postupno su shvatili da keramičko posuđe daje više taktilnog vizualnog osjećaja i svježine hrani. Posuđe za čajnu ceremoniju biralo se prema godišnjim dobima, a serviranjem posuđa, poput muko-zuke tanjura za serviranje komadića sashimija, posuda za serviranje sakea i pržene hrane, vlasnik je zadovoljio visoke estetske zahtjeve gostiju. Upravo su majstori ceremonije čaja obogatili ritual jedenja unoseći u njega trenutak vizualnog, estetskog užitka.
Počevši od sredine 19. stoljeća, porculan zauzima mjesto važno mjesto na blagovaonskom stolu zbog jednostavnosti korištenja. Danas je keramičko posuđe postalo norma svakodnevnog života. A samo se miso juha tradicionalno pije iz glatkih lakiranih šalica. Ove šalice nisu namijenjene za svakodnevnu upotrebu.
Riža, koja je osnova japanske prehrane, obično se jede iz male zdjelice koja se drži u ruci, au mnogim obiteljima svatko ima svoju zdjelicu za rižu. Takve tradicije stolova samo su ojačale japansku ljubav prema keramičkom posuđu.

LAC
ukratko, napravljen je od smole drveta.

Postoje dokazi da se lak koristio u Japanu iz kamenog doba prije 5000 do 6000 godina kao ljepilo za pričvršćivanje vrhova strijela. Ali još prije otprilike 4000 godina jarko crveni i crni lak korišten je kao premaz na posuđu, oružju i nakitu. Također je poznato da je otprilike 100 godina nakon Yamato Takeru no Mikoto postojao ceh obrtnika pod nazivom "Urushi-be" koji su se specijalizirali za umjetnost lakiranja.

Tehnika dekorativnog lakiranja dolazi u Japan u 5. ili 6. stoljeću, tijekom uvođenja budizma iz Kine, gdje su, davno prije ujedinjenja Japana, majstori stvarali remek-djela primijenjene umjetnosti od višeslojnog crnog i crvenog laka.

Krajem 8. stoljeća, tijekom ranog razdoblja Heian, Japan je prestao slati trgovačke misije u Kinu. Kultura Japana bila je odsječena od kontinentalnog utjecaja. Tijekom razdoblja Heian, od kasnog 8. do 12. stoljeća, umjetnost lakiranja u Japanu razvila se u potpuno jedinstvenu, Japanski stil. Tadašnje posuđe i namještaj bili su većinom od drveta. Stoga ne čudi što se lak naširoko koristi za dodavanje ljepote i čvrstoće kratkotrajnim proizvodima od drva. Istom razdoblju pripada i tehnika "Maki" - pozlata površine uz naknadno lakiranje (također miješanje laka sa zlatnom ili srebrnom prašinom). Proizvodi izrađeni u ovoj tehnici postali su vrlo popularni među višim klasama.

Kulturna razmjena s kontinentom nastavljena je u 13. stoljeću, a japansko lakirano posuđe široko je distribuirano u inozemstvo preko Kine i Koreje. S druge strane, nove tehnike ukrašavanja došle su u Japan, savršeno nadopunjujući tradiciju lokalnih obrtnika.

U 17. stoljeću japanska umjetnost lakiranja postala je profinjenija. S jedne strane razvijaju se novi stilovi, a različite tradicionalne tehnike s različitih područja počinju se kombinirati stvarajući zanimljive kombinacije.

Ovo spajanje tehnika dogodilo se u Kanazawi, u prefekturi Ishikawa. Klan Kaga, koji je poticao razvoj rukotvorina na svom teritoriju, pozvao je vrsne majstore iz cijelog Japana, uključujući majstore lakiranja. Kroz nekoliko generacija u Kanazawi su stvoreni potpuno jedinstveni stilovi tradicijskih zanata koji su i dan danas poznati po svojoj ljepoti i gracioznosti.

RAZVOJ KOSTIMA

NETSUKE
Netsuke je minijaturna skulptura, djelo japanske umjetnosti i obrta. Netsuke je korišten kao privjesak za ključeve, protuteža, na tradicionalnoj japanskoj odjeći, koja je bila lišena džepova, a svi potrebni predmeti (torbica, novčanik, inro, sagemono, razne sitnice) bili su okačeni na pojas konopcima i pričvršćeni uz pomoć netsua, pričvršćenog na suprotni kraj užeta. Netsuki se ne smije brkati s okimonom, također minijaturnom japanskom skulpturom, sličnom netsukiju i po dizajnu i po crtežu, a često i po veličini, ali se nikad ne nosi na pojasu. Međutim, odsutnost rupa za vješanje "himotoshi" u netsukeu nije posebnost, budući da je bilo netski bez himotoshija ili s figurama himotoshija vješto maskiranim unutar kompozicije. Tradicionalni materijali za izradu netsukea su slonovača i drvo. Korišteni su i metali, zlato, srebro, bronca, shakudo, sedef, porculan, keramika, jelenji rogovi, životinjski rogovi, kornjačevine, očnjaci morža i narvala, unutarnje životinjske kosti, razni orasi, koralji, lakovi itd. Postoje razne škole netskog, koje se razlikuju po glavnim zapletima, korištenim materijalima, tehnikama. Prisutnost potpisa na netsukeu nije glavni čimbenik koji utječe na cijenu i vrijednost predmeta. Zapleti koji se koriste u netsukeu vrlo su raznoliki. Kućanski, prirodni i prirodoslovni, povijesni, legendarni, mitološki, bajni. Gotovo svi netski imaju osebujnu simboliku i odražavaju neku ideju ili želju.

Katabori - najpoznatija vrsta netsukea - kompaktna je izrezbarena skulptura koja može prikazati ljude, životinje i skupine s više figura. Sasi je jedan od najstarijih oblika netsukea. To je izdužena kuka s rupom za uzicu. Način konzumiranja sashija razlikuje se od svih ostalih oblika. Najčešće je visio s ruba pojasa. Manju je netsuke u obliku debelog diska koji ponavlja oblik kolača od riže. Ponekad je napravljen od dvije polovice. Ryusa je varijanta manju oblika, koju su stručnjaci izdvojili kao zaseban oblik. Glavna razlika ove forme je što je iznutra prazna, a izrađena je tehnikom rezbarenja. Kagamibuta - također slična manju, ali izrađena u obliku tradicionalnog svetog zrcala, donji dio netsukea, izrađen od slonovače ili druge kosti, roga, drveta ili drugih materijala, prekriven je metalnim poklopcem ili pločom na vrhu, na kojem je koncentriran glavni dio dekorativnog dizajna.

Od svog nastanka, netsuke su postali kolekcionarski predmet, prvo u Japanu, gdje možete mijenjati, donirati, prodavati, naručivati, kupovati netsuke, a od devetnaestog stoljeća ovaj se hobi proširio Europom i Amerikom, gdje je sakupljanje netsukea doživjelo svoj vrhunac . Tržište netsukea vrlo je živo i stalno se ažurira, sada kolekcionari diljem svijeta imaju priliku kupiti netsuke u privatnim zbirkama i pronaći predmete iz zbirki velikih muzeja. Kupnja i prodaja netsukea u ovom slučaju odvija se preko renomiranih trgovaca antikvitetima i/ili aukcijskih kuća. Sada je, ne samo u Japanu već iu cijelom svijetu, postalo vrlo popularno kupiti netsuke za dar sa simboličnim značenjem, željom ili skrivenim značenjem. Vrijedno je napomenuti da na ruskom prilično često postoje takvi načini pisanja riječi netsuke kao netsuke, kao i netsuke, ili netsuke, a ponekad čak i netsuke ili netsuke. Za razliku od kanonskog "netsuke", drugi načini pisanja su mogući, ali nisu poželjni.

DESNO KIMONO MIRIŠE BLEAT

Kimono (japanski 着物, kimono, "odjeća"; japanski 和服, wafuku, "nacionalna odjeća") je tradicionalna odjeća u Japanu. Od sredine 19. stoljeća smatra se japanskom "narodnom nošnjom". Kimono je također radna odjeća gejši i maiko (buduće gejše).
Furisode (japanski 振袖, doslovno “lepršavi rukavi”) je tradicionalna japanska odjeća za neudane djevojke i mladenke, kimono s dugim rukavima.
Tomesode (jap. 留袖?, pričvršćeni rukav) je vrsta kimona za udate žene. Od furisode se razlikuje po skraćenom rukavu, uzorak ide samo duž ruba ispod obi, bez utjecaja na rukave; grbovi moraju biti prisutni na tomesode.
Obi (帯?, doslovno "pojas") su nekoliko različitih vrsta japanskih pojaseva koje nose i muškarci i žene preko kimona i keikogija.
Geta (下駄?) su japanske drvene sandale u obliku klupe koje su iste za obje noge (izgledaju kao pravokutnici sa zaobljenim vrhovima i eventualno blago konveksnim stranama odozgo). Drže se na nogama pomoću traka koje prolaze između palca i drugog nožnog prsta. Danas se nose dok se opuštate ili po lošem vremenu. Prema standardima Europljana, ovo je vrlo neudobna cipela, ali Japanci su je koristili stoljećima i nije im stvarala nikakve neugodnosti.
Wareshinobu (japanski: 割れしのぶ?, potajno ošišan) je ženska japanska frizura popularna danas među studenticama gejšama.
Sakko (先笄 sakko ili sakiko:gai?, posljednja ukosnica) je ženska frizura popularna među udatim ženama iz trgovačke klase u regiji Kamigata (blizu Kyota) u drugoj polovici razdoblja Edo. Pojavio se u blizini grada Okazaki (prefektura Aichi). U Kantu je frizura marumage bila popularnija, a sakko je stekao priznanje tek nakon Meiji revolucije.
Danas je sakko posljednja maiko frizura prije erikae, ceremonije prijelaza gejše.
Shimada (jap. 島田?) - japanska ženska frizura, vrsta punđe. Danas shimadu nose gotovo isključivo geisha i taya (vrsta oirana), no tijekom razdoblja Edo nosile su je djevojke od 15-20 godina, prije udaje. Kao i druge frizure, kanzashi je ukrašen.
Kanzashi (jap. 簪?, također se piše 髪挿し) su japanski tradicionalni ženski ukrasi za kosu. Kanzashi se nosi uz kimono.

Djela japanske umjetnosti i obrta tradicionalno uključuju proizvode od laka, porculana i keramike, rezbarije u drvu, kosti i metalu, umjetnički ukrašene tkanine i odjeću, umjetnine oružja itd. Specifičnost djela umjetnosti i obrta je u sljedećem: imaju , u pravilu, čisto praktična, utilitarna primjena, ali u isto vrijeme igraju i čisto estetsku ulogu, služeći kao ukras svakodnevnog života osobe. Estetika okolnih predmeta za Japance nije bila manje važna od njihove praktične svrhe: divljenja ljepoti. Štoviše, tradicionalnu svijest Japanaca karakterizira poseban odnos prema ljepoti kao jednoj od misterija svemira. Ljepota je za Japance fenomen koji nadilazi našu svakodnevicu, koji se može riječima opisati i razumom razumjeti. Suvremena zapadnjačka kultura, što dalje, to više nastoji ljudski život svesti u okvire racionalnog, svakodnevnog svjetonazora, gdje dominiraju zakonitosti takozvanog „zdravog razuma“. Za Japance, usprkos njihovoj krajnjoj praktičnosti i pragmatičnosti u svakodnevnim poslovima, običan, materijalni svijet, naravno, bio je percipiran kao iluzoran i prolazan. I da iza njenih granica postoji jedan drugi, nemanifestirani svijet, koji u osnovi prkosi standardima "zdravog razuma" i koji se riječima ne može opisati. Tu žive viša bića, s tim je povezana misterija života i smrti, kao i mnoge tajne života, uključujući i principe ljepote. Taj se svijet ogleda u našem, poput mjeseca u vodenoj površini, odzvanjajući u dušama ljudi oštrim i dirljivim osjećajem ljepote i tajanstvenosti. One koji nisu u stanju vidjeti i cijeniti tu suptilnu i višestruku igru ​​značenja i nijansi ljepote, Japanci smatraju beznadnim, grubim barbarima.

Kako bi se učvrstili u svom sudjelovanju u transcendentnom svijetu, Japanci (prije svega elita, aristokracija) pridavali su veliki značaj ritualnim radnjama, a posebno njihovoj estetskoj strani. Odavde se odvijaju ceremonije divljenja trešnjinim cvjetovima, grimiznim javorima, prvom snijegu, izlascima i zalascima sunca, kao i pjesnička natjecanja, aranžiranje cvijeća (ikebana), kazališne predstave itd. Čak i tako jednostavne svakodnevne situacije kao što su ispijanje čaja ili sakea, sastanci gostiju ili ulaska u intimu, Japanci su pridavali važnost mističnom djelovanju. Predmeti za kućanstvo u isto su vrijeme igrali ulogu ritualnih atributa. Majstori koji su stvarali takve predmete nastojali su im dati besprijekoran estetski izgled. Na primjer, mnoge zdjele za čajnu ceremoniju, na prvi pogled hrapave i neravne, bile su neobično visoko cijenjene, prvenstveno zato što su nosile pečat "onozemaljske" ljepote, činilo se da u njima stoji cijeli Svemir.

Isto se u potpunosti odnosi i na mnoga druga djela umjetnosti i obrta: figurice, netsuke, kutije - inro, lakirano posuđe, elegantne kosode (kimono s kratkim rukavima) s izuzetnim i otkačenim dekorom, paravani, lepeze, svjetiljke i, posebno, tradicionalno japansko oružje . Razmotrit ćemo praktičnu primjenu tradicionalnih estetskih načela u japanskoj umjetnosti i obrtu na primjeru japanskih umjetničkih mačeva.

Za svakog Japanca, mač je predmet gotovo religioznog obožavanja, mistično povezan ne samo sa sudbinom sadašnjeg vlasnika, već i sa cijelim generacijama ratnika koji su ga posjedovali. Štoviše, mnogi se mačevi smatraju animiranim - imaju svoju dušu, vlastitu volju, vlastiti karakter. Od davnina je mač služio kao simbol moći, simbol samurajskog borbenog duha i povezivan je sa šintoističkim i budističkim kultovima. Proces kovanja mača izjednačen je s vjerskim sakramentom, sa šintoističkim misterijem. Kovač-oružar, počevši kovati mač, izvodi stroge ritualne radnje: posti, vrši čišćenje, moli se kami bogovima, koji nevidljivo pomažu i vode njegov rad. Stvoreni mač prožet je duhom kamija, stoga mač mora biti savršen u svakom pogledu.

Doista, japanski tradicionalni mačevi imaju posebne kvalitete, kako borbene tako i estetske; poznavatelji mogu beskrajno dugo promatrati i diviti se dobrom maču, kao pravom umjetničkom djelu s mnogo jedinstvenih detalja. Vjeruje se da japanski mač ima "četiri vrste ljepote": 1) elegantan savršen oblik (postoji mnogo opcija za oblik mača; u pravilu, japanske oštrice imaju jednu oštricu i gracioznu krivulju; međutim, postoje dvosjekle i ravne oštrice); 2) posebna struktura čelika nastala tijekom kovanja (na primjer, na nekim se oštricama formira uzorak koji nalikuje slojevitoj strukturi kristala ili stabla, na drugima se pojavljuju mala ili velika "zrnca", dajući čeliku iluziju prozirnosti ); 3) posebna sjajna linija (jamon) koja se formira duž oštrice kao rezultat otvrdnjavanja oštrice (postoje mnoge vrste jamona - neki nalikuju oštrim planinskim vrhovima, drugi izgledaju kao valovi koji se lagano dižu, treći izgledaju kao bizarni oblaci itd.) ; 4) pažljivo poliranje, koje oštrici daje specifičan sjaj i sjaj. Na nekim su oštricama također bili urezani reljefni likovi zmajeva, samurajski grbovi, pojedinačni hijeroglifi itd. Na vršcima mnogih oštrica njihovi su tvorci urezali kaligrafske natpise, ponekad optočene plemenitim metalima.

Posebna se važnost pridavala i nosaču mača, koji se sastoji od prilično velikog broja pojedinačnih dijelova, od kojih su mnogi samostalna umjetnička djela. Drška mača bila je izrezbarena od drva magnolije, zatim prekrivena kožom raže ili morskog psa i opletena svilenim ili kožnim užetom. Stražar mača (tsuba) služio je kao glavni ukras balčaka. Tsube su mogle biti različitih oblika (okrugle, ovalne, kvadratne, trapezoidne, u obliku cvijeta krizanteme itd.), kovale su se od željeza, bakra, bronce, mnoge su bile ukrašene srebrom, zlatom ili specifičnim japanskim legurama. Svaka tsuba imala je svoj jedinstveni dekor (rezane siluete, graviranje, inkrustacije, presvlake od raznih metala u obliku zmajeva, riba, svih vrsta životinja, ljudi, bogova, cvijeća, drveća) i bila je, zapravo, komad nakitna umjetnost. Poput oštrica, mnoge tsube bile su ukrašene hijeroglifskim potpisima majstora koji su ih izradili. Osim tsube, ručka je imala još nekoliko ukrasnih elemenata, uključujući male metalne figure - menuki, smještene ispod užeta. Manuki, često ukrašen srebrom i zlatom, mogao je imati najbizarnije oblike: zmaj koji se igra s biserom; mjesec u oblacima; čovjek koji spava na cvijetu paulovnije; demon - tengu; morski rak ili kukac. Manuki su igrali ulogu amuleta, osim toga, nisu dopustili da drška mača isklizne iz dlana ratnika. Velika pažnja posvećena je estetici korica. Korice su obično bile izrezbarene od drveta i lakirane - crne, crvene, zlatne. Ponekad su bili prekriveni poliranom kožom raže ili metalnim pločama; ponekad su bili izrezani od bjelokosti ili umetnuti sedefom, zlatnim ili srebrnim zarezima itd. Korice mnogih mačeva imale su posebne utore za male noževe - kogatana i kogai (ukosnica za bacanje), koji su također imali svoj dekor. Korice su mogle imati ukrase slične onima na balčaku, stvarajući tako jedinstveni stil dekorativnog oblikovanja mača – čest je primjerice bio motiv sa zmajevima ili morskim životom. Osim toga, korice mnogih mačeva (osobito tachija, koji su se nosili na posebnim privjescima s oštricom prema dolje, za razliku od katane, koja je bila zataknuta za pojas s oštricom prema gore) bile su ukrašene raskošnim svilenim užetima s resama i ukrasnim čvorovima. . Po boji, obliku i ukrasu korica mogao se procijeniti rang samuraja; osim toga, u nekim je slučajevima bonton propisivao posebnu vrstu korica: na primjer, samuraji su dolazili na sprovode s mačevima u jednostavnim crnim koricama, lišenim ikakvih ukrasa. Predstavnici najviše aristokracije imali su mačeve u pozlaćenim koricama bogato obrubljenim dragim kamenjem.

U Japanu su dugo postojale mnoge obiteljske škole oružara koji su se bavili kovanjem oštrica, njihovim poliranjem, izradom korica i ukrasa za mač, proizvodnjom lukova, strijela, tobolaca, oklopa i kaciga. Postojale su legende o vještinama mnogih oružara (kao što je npr. Masamune, koji je živio krajem 13. i početkom 14. stoljeća), smatrani su čarobnjacima koji su komunicirali s kami duhovima, a kreacije njihovih ruku bili pripisani magična svojstva.

Od davnina su lakirani proizvodi poznati u Japanu, a njihovi ostaci nalaze se na arheološkim nalazištima iz doba Jomon. U vrućoj i vlažnoj klimi, premazi laka štitili su drvo, kožu, pa čak i metalne proizvode od uništenja. Proizvodi od laka u Japanu našli su najširu primjenu: posuđe, kućanski pribor, oružje, oklopi itd. Proizvodi od laka služili su i kao ukras interijera, osobito u domovima plemstva. Tradicionalni japanski lakovi su crveni i crni, kao i zlatni; pred kraj razdoblja Edo počela je proizvodnja žutog, zelenog, smeđeg laka. Do početka XX. stoljeća. dobiven je bijeli, plavi i ljubičasti lak. Lak se nanosi na drvenu podlogu u vrlo debelom sloju - do 30-40 slojeva, zatim se polira do zrcalnog izgleda. Postoje mnoge dekorativne tehnike povezane s upotrebom laka: maki-e - korištenje zlatnog i srebrnog praha; urushi-e - slikanje lakom; hyomon - kombinacija; slikanje lakom s umetcima od zlata, srebra i sedefa. Japansko umjetničko lakirano posuđe vrlo je cijenjeno ne samo u Japanu, već i na Zapadu, a njihova proizvodnja još uvijek cvjeta.

Japanci posebno vole keramičke proizvode. Najraniji od njih poznati su iz arheoloških iskapanja i datiraju iz razdoblja Jomon. Na razvoj japanske keramike, a kasnije i porculana, značajno su utjecale kineske i korejske tehnologije, posebice pečenje i glazura u boji. Posebnost japanske keramike je da je majstor obratio pažnju ne samo na oblik, ukrasni ukras i boju proizvoda, već i na taktilne osjećaje koje je izazvao kada je došao u dodir s dlanom osobe. Za razliku od zapadnog pristupa keramici, japanski pristup keramici podrazumijevao je nejednakost oblika, hrapavost površine, pukotine, mrlje glazure, otiske prstiju majstora i demonstraciju prirodne teksture materijala. U umjetničke keramičke proizvode ubrajaju se prije svega zdjele za čajne ceremonije, čajnici, vaze, lonci, ukrasne posude, posude za sake itd. Proizvodi od porculana uglavnom su vaze tankih stijenki s izuzetnim ukrasima, pribor za čaj i vino te razne figurice. Značajan dio japanskog porculana posebno je izrađen za izvoz u zapadne zemlje.