Merkmale der Kreativität und die Hauptmerkmale des Stils von Herrn Sviridov. MIT

Kreativität von G. V. Sviridov

Leben und kreativer Weg

Georgy Vasilyevich Sviridov wurde am 3. Dezember 1915 in der kleinen Stadt Fatezh in der Steppenprovinz Kursk geboren. Sviridovs Vater war ein Bauer. Zu Beginn der Revolution trat er der Kommunistischen Partei bei und starb 1919 bei der Verteidigung der Sowjetmacht.

Georgy Sviridov lebte ab seinem neunten Lebensjahr in Kursk. Hier begann er, Klavier spielen zu lernen. Doch bald hörte der Unterricht auf. Viel mehr als das Klavier fühlte sich der junge Musikliebhaber zur Balalaika hingezogen. Sviridov lernte es zu spielen und trat einem Amateurorchester russischer Volksinstrumente bei.

1929 trat er in die Klavierklasse einer örtlichen Musikschule ein. Drei Jahre später schloss Sviridov die Schule ab und kam nach Leningrad, um sein Musikstudium fortzusetzen. Er begann sein Studium an der Klavierabteilung des Central Music College.

In Leningrad lernte ein siebzehnjähriger Junge viel Neues. Zum ersten Mal in seinem Leben besuchte er das Opernhaus und ein Sinfoniekonzert. Aber die wichtigste Entdeckung war, dass man, wie sich herausstellte, das Komponieren von Musik erlernen kann und dass es an der Musikhochschule sogar eine eigene Kompositionsabteilung gibt. Sviridov beschloss, dorthin zu gehen. Er schrieb zwei Klavierstücke und wurde im Mai 1933 in die Kompositionsklasse von Professor M.A. Yudin aufgenommen. Mit außerordentlichem Eifer begann der neue Student, die verlorene Zeit aufzuholen. Nach nur einem Monat harter Arbeit wurde ihnen ihr erster Aufsatz vorgelegt.
Ende 1935 erkrankte Swiridow und reiste für eine Weile nach Kursk. Dort schrieb er sechs Romanzen nach den Worten Puschkins: „Der Wald lässt seinen Windschutz fallen“, „Winterstraße“, „Zur Nanny“, „Winterabend“, „Vorahnung“, „Annäherung an Izhora“. Dieser Zyklus bescherte dem jungen Komponisten seinen ersten Erfolg und Ruhm.

Überraschend einfach, nah an den Traditionen der russischen Musik und gleichzeitig originell, originelle Puschkin-Romanzen von Sviridov verliebten sich sofort in Interpreten und Zuhörer.

1936 trat Sviridov in das Leningrader Konservatorium ein, wo er Schüler von D. D. Schostakowitsch wurde. Es begannen Jahre beharrlicher, intensiver Arbeit, um die Fähigkeit des Komponierens zu beherrschen. Er begann, verschiedene Stile zu beherrschen und sich an verschiedenen Arten von Musik zu versuchen – während seiner Zeit am Konservatorium komponierte Sviridov Violin- und Klaviersonaten, die Erste Symphonie und die Symphonie für Streichorchester.

Im Juni 1941 schloss Sviridov das Konservatorium ab. Gleich in den ersten Tagen des Großen Vaterländischen Krieges wurde er als Kadett an einer Militärschule eingeschrieben, aber bald aus gesundheitlichen Gründen demobilisiert.

Gleich zu Beginn des Krieges schrieb Sviridov seine ersten Lieder für die Front. Auch die zeitgleich entstandene Singkomödie „Das Meer breitet sich aus“, die den baltischen Seefahrern gewidmet ist, ist eng mit militärischen Themen verknüpft. Noch vor Kriegsende, 1944, kehrte Swiridow nach Leningrad zurück. Im Laufe von drei Jahren schrieb er mehrere große kammermusikalische Instrumentalwerke, die die Ereignisse und Erfahrungen der Kriegsjahre widerspiegelten.

Das Originellste an Sviridovs Werk der 1940er Jahre sind seine Vokalkompositionen: das Gedicht „Lieder des Wanderers“, eine Suite nach den Worten von W. Shakespeare, neue Romanzen und Lieder nach den Worten sowjetischer Dichter, die in erschienen sind 1948.

Sviridov arbeitet viel im Theater und Kino. Diese Erfahrung half ihm, neue Hauptwerke zu schaffen, die Anfang der 1950er Jahre erschienen.

Im Jahr 1949 lernte Sviridov das Werk des großen armenischen Dichters Avetik Isahakyan kennen und war von seiner inspirierten Poesie schockiert. Nach und nach erschienen Romanzen, die auf Isahakyans Gedichten basierten, in Übersetzungen von A. Blok und sowjetischen Dichtern. Bald entstand die Idee eines großen Vokalgedichts für Tenor und Bass mit Klavier in elf Teilen mit dem Titel „Land der Väter“. Sviridovs Gedicht ist ein „episches Lied“ unserer Tage über die Beharrlichkeit und Weisheit des Volkes, über die Größe seines Geistes.

1955 schrieb Sviridov neun Lieder für Bass und Klavier nach Gedichten von Robert Burns in einer hervorragenden Übersetzung von S. Marshak. Im Gegensatz zum Gedicht „Land der Väter“ enthält dieser Zyklus keine monumentalen Bilder und Gemälde, die Ereignisse von großer historischer Bedeutung widerspiegeln. Gleichzeitig haben diese beiden Werke viel gemeinsam – die Ernsthaftigkeit des Konzepts, die Fähigkeit des Komponisten, hinter bestimmten Phänomenen ihre große, universelle Bedeutung zu erkennen.

Wenn im Gedicht „Country of Fathers“ jeder Teil ein Bild war, dann sind die Lieder zu den Worten von Burns eine Galerie musikalischer Porträts gewöhnlicher Menschen, eine Reihe von Szenen aus ihrem Leben rund um ein Bild – einen jungen Mann, „der der beste Kerl unserer Zeit.“
Im November 1955 schrieb Sviridov, fasziniert von der Poesie Sergej Jesenins, mehrere Lieder auf der Grundlage seiner Gedichte. Ihnen folgten eine Reihe weiterer, und in einem Ausbruch hoher kreativer Inspiration entstand in nur zwei Wochen das mehrteilige Gedicht „In Erinnerung an Sergei Yesenin“. Die Uraufführung erfolgte am 31. Mai 1956 in Moskau.

Yesenins Zeilen scheinen mit ihrer Schönheit und magischen Melodie danach zu verlangen, vertont zu werden. Aber der Komponist kann sie auf unterschiedliche Weise lesen. Manchmal wird in Yesenin nur der „reine“ Texter, der „Sänger der Liebe“ mit Gitarre geschätzt. Sviridov sah in ihm einen großen Nationaldichter, der Russland wie einen Sohn liebte.

Wie immer ist Sviridovs Musik nicht nur eine musikalische Illustration seiner Lieblingsgedichte. Der Komponist weiß wirklich, wie man Gedichte „liest“; er ist immer sehr aufmerksam und sensibel für die einzigartigen Eigenschaften eines bestimmten Autors.

Der Hauptschwerpunkt des Schaffens des Komponisten ist deutlich erkennbar – die Schaffung von Vokalmusik, auch wenn Instrumentalwerke nicht aus dem Bereich seiner Interessen verschwinden. Zunächst dominierten in Sviridovs Werk Kammergenres – Lied, Romantik; doch nach und nach geht er zu größeren Formen über, insbesondere zu Oratorien. Und jedes seiner Werke ist von Spiritualität geprägt.

Einen besonderen Platz in Sviridovs Werk nimmt „Pathetic Oratorio“ (1959) für Solisten, Chor und Orchester nach Gedichten von V. Mayakovsky ein. Viele sowjetische Komponisten schrieben Werke verschiedener Genres auf der Grundlage von Majakowskis Gedichten. Aber vielleicht ist Sviridovs „Pathetisches Oratorium“ das bedeutendste und interessanteste davon.
„Pathetic Oratorio“ ist eine monumentale künstlerische Leinwand, gewebt aus vielen Intonationen. Besonders beeindruckend ist der letzte, abschließende Teil des Oratoriums, der Auszüge aus dem Gedicht „Ein außergewöhnliches Abenteuer, das Wladimir Majakowski im Sommer in der Datscha hatte“ verwendet. Dieser Teil heißt „Die Sonne und der Dichter“. Helle, jubelnd feierliche Musik wird vom Läuten der Glocken begleitet, als ob sie die lodernden Klänge von „einhundertvierzig Sonnen“ übermitteln würden.

Die Linie der revolutionären Romantik, die aus dem „Pathetic Oratorio“ stammt, wurde in der sehr dynamischen Musik für den Film „Time, Forward!“ weitergeführt. (1977), das viele Jahre lang das musikalische Thema der Informationsfernsehsendung „Time“ war, sowie im Oratorium „The Twelve“ nach dem Gedicht von A. Blok.
Im Anschluss an das Oratorium entstand „Frühlingskantate“ zu den Versen von N. Nekrasov, die Kantate „Wooden Rus“ zu den Versen von S. Yesenin, mehrere unbegleitete Chorwerke zu seinen Gedichten „In the Blue Evening“, „Herd“ , „Die Seele ist traurig über den Himmel“, Kantate „Es schneit“ nach Gedichten von B. Pasternak.

Diese Werke sind zweifellos ausgereift, von hoher Professionalität geprägt und voller poetischer Bilder. Was den Stil betrifft, so ist der urbane Songfluss in ihnen heller und ausgeprägter geworden.

Der Komponist trennte sich jedoch nicht vom bäuerlichen Liederschreiben. In den 1960er Jahren wurde die Leidenschaft des Komponisten für dieses Grundprinzip der russischen Volksmusik noch deutlicher. So entstand der Gesangszyklus „Kursk-Lieder“, der den Höhepunkt von Sviridovs Schaffen in diesen Jahren und eines der Meisterwerke der sowjetischen Musik darstellte.
Grundlage des Zyklus waren Volkslieder der Region Kursk, die von einer Gruppe Folkloristen aufgenommen und Ende der fünfziger Jahre veröffentlicht wurden. Das Ergebnis der kreativen Arbeit des Komponisten ist dieses wunderbare Werk unserer Zeit. In „Kursk Songs“ kommen die Merkmale einer bestimmten Epoche nicht vor. Das Leben des russischen Volkes mit all seinen Besonderheiten spiegelt sich jedoch in der Musik dieses Werkes wider.

Wie ein prophetischer Bajan entfaltet der Komponist langsam dieses Leben vor uns und zeigt seine verschiedenen Facetten. Er erzählt voller Begeisterung, lebendig und zugleich streng, erhaben, mit der sachlichen Zurückhaltung eines Chronisten.

Die sieben Lieder haben eine einzige dramatische Zeile mit einem Höhepunkt und einem Schluss. Darüber hinaus ist das Ergebnis eine lebendige Folkszene mit optimistischem Charakter.

Ein sensibles Verständnis des Volksliedmaterials ermöglichte es dem Komponisten, eine besondere harmonische Struktur der musikalischen Begleitung zu schaffen, die in ihrer Kapazität und Ausdruckskraft der Hauptmelodie entspricht und dabei hilft, die Bedeutung und den Inhalt des Ganzen zu erkennen.

In seiner späten Schaffensperiode scheint Sviridov die Harmonie des Seins und die Subtilität der Gefühle zu synthetisieren, was eine Art noch schwerelosere Spiritualität und Erhabenheit schafft.

Beispiele hierfür sind „Frühlingskantate“ nach den Worten von Nekrasov (1972) mit ihrer erstaunlichen Leichtigkeit, frisch wie Frühlingstropfen, der erste Teil und eines der markantesten Werke von Sviridov – Drei Chöre aus der Musik zur Tragödie von A. K. Tolstoi „Zar Fjodor Ioannowitsch“ (1973). Hier erhalten die Intonationen antiker Kultgesänge einen modernen Klang und emotionale Schärfe. Diese Musik steht vielleicht den alten Hymnen des frühen Christentums mit ihrer feierlichen Traurigkeit und dem tiefen Gefühl der Unvollkommenheit der menschlichen Existenz nahe.

Erwähnenswert ist auch „Konzert zum Gedenken an A. A. Yurlov“ (1973) – eine Art Requiem in drei langsamen, traurigen Teilen mit einer sehr raffinierten und komplexen Chorstruktur, die traurige und helle Erinnerungen an einen herausragenden Musiker weckt. Dies ist eine leidenschaftliche, langsame und schmerzhafte Trauerfeier, die aus tiefstem Herzen kommt.
Im Gedicht „Rus' Set Away“ (1977) hingegen gibt es viele Kontraste und auch Momente majestätischer tragischer Natur. Aber das sind keine Bilder von sozialen Kämpfen. Die gesamte „Aktion“ wird sozusagen auf kosmische Höhen gehoben. Daher der legendäre Charakter der Bilder von Gut und Böse, Christus und Judas.
Die figurative Welt von Puschkins Poesie zieht den Komponisten erneut an und inspiriert ihn zu wunderschöner Musik. Die Musik zum Fernsehfilm „Blizzard“ (1974) nach Puschkin ist ungewöhnlich poetisch. Auch ohne auf den Bildschirm zu schauen, sondern nur der Musik zu lauschen, kann man Naturbilder, Genreszenen und einen Ball „sehen“, der sich vor dem Hintergrund eines Walzers abspielt, in dessen leichten „fliegenden“ Intonationen manche tragische Vorahnungen werden gespürt. In der Musik der Szene „Hochzeit“ ist eine düstere Wachheit zu spüren. Und „Romance“, das sofort populär wurde und oft aufgeführt wurde, ähnelt oberflächlich den Romanzen aus Puschkins Zeit, ist aber voller fataler Vorahnungen und nähert sich einer ausgedehnten symphonischen Dichtung.

Im Juni 1979, als der 180. Geburtstag von A.S. Puschkin gefeiert wurde, wurde Sviridovs neues Werk „Puschkins Kranz“ – ein Konzert für Chor – zum ersten Mal aufgeführt. Das sind zehn Zahlen, die ein einziges Ganzes bilden. Die zehn Gedichte, für die die Chöre geschrieben sind, stehen in keinem inhaltlichen Zusammenhang zueinander – sie werden durch die Musik zu einem Ganzen zusammengefügt, erhaben in der Stimmung und gleichzeitig konkret in ihrer Bildsprache und manchmal auch Malerisch.

1980 schrieb Sviridov ein kleines Chorgedicht „Ladoga“ nach den Gedichten von Alexander Prokofjew, dessen Uraufführung im Großen Saal des Konservatoriums stattfand – die Komposition ist hell, saftig, festlich. Dieses ewig lebende Element des Volkes, ohne das sich kein wirklich nationaler Künstler vorstellen kann.

Sviridov bringt sein Verständnis für das Volk ein, in dem Reinheit und Keuschheit der Gefühle, Kühnheit und Rauheit, starker Humor so natürlich vereint sind. Das Volksleben schöpft Weisheit und Kraft aus der Natur, da es selbst ein Teil von ihr ist.

Bemerkenswerte Kompositionen, die auf Bloks Gedichten basieren, sind die Kantate „Night Clouds“ (1979) und der Chorzyklus „Songs of Timelessness“ (1980). Sviridov offenbart einen skurrilen Dichter mit einer eigentümlichen Dialektik der Entstehung und des Wachstums des Neuen. Leidenschaftliche Gebete für die Vollkommenheit des Lebens, Bilder eines klaren, hellen Frühlings, einer unsteten Nacht, heimlicher Liebe und vieles, was in der Dunkelheit inmitten der Instabilität und dem Unbehagen einer schnell fließenden Existenz wächst, all dies ist von einem Gefühl feierlichen Geheimnisses und Geheimnisses bedeckt die ewige Verrücktheit des Lebens.

So entsteht nach und nach der Hauptweg von Sviridov – von jugendlicher Begeisterung über schwierige Probleme bis hin zu philosophischer Klarheit und Erleuchtung, aber überall ist Sviridov erhaben und sein Held ist großartig und gutaussehend, Sviridov betont immer das Beste und Höchste im Menschen, alles ist erbärmlich erhöht in ihm!

In der modernen Musik wird die Musiksprache immer komplexer und die Dissonanz der Klänge immer akuter. Daher erscheint Sviridovs scheinbare Einfachheit in Kombination mit neuen Intonationen, die Klarheit des Gedankens und Transparenz des Klangs erzeugen, besonders wertvoll. Die Suche des Komponisten in genau diese Richtung brachte ihm tiefe Dankbarkeit ein – für seine Aufmerksamkeit für das Beste unserer nationalen Kunst, für das russische Volksliedelement.

Für große Verdienste um die Entwicklung der sowjetischen Musik G.V. Sviridov wurde der Titel „Volkskünstler der UdSSR, Held der sozialistischen Arbeit“ verliehen. Er ist Träger des Lenin- und Staatspreises der UdSSR.

Georgi Wassiljewitsch starb im Sommer 1997 in St. Petersburg.

...In turbulenten Zeiten entstehen besonders harmonische künstlerische Naturen, die das höchste Streben des Menschen verkörpern, das Streben nach der inneren Harmonie der menschlichen Persönlichkeit im Gegensatz zum Chaos der Welt... Diese Harmonie der inneren Welt ist verbunden mit ein Verständnis und ein Gefühl für die Tragödie des Lebens, aber gleichzeitig auch die Überwindung dieser Tragödie. Der Wunsch nach innerer Harmonie, das Bewusstsein der hohen Bestimmung des Menschen – das ist es, was mich jetzt bei Puschkin besonders berührt.
G. Swiridow

Die spirituelle Nähe zwischen dem Komponisten und dem Dichter ist kein Zufall. Sviridovs Kunst zeichnet sich auch durch eine seltene innere Harmonie, ein leidenschaftliches Streben nach Güte und Wahrheit und gleichzeitig durch ein Gefühl der Tragödie aus, das aus einem tiefen Verständnis für die Größe und Dramatik der gegenwärtigen Ära resultiert. Als Musiker und Komponist von enormem, einzigartigem Talent fühlt er sich vor allem als Sohn seines Landes, geboren und aufgewachsen unter seinem Himmel. In Sviridovs Leben selbst bestehen direkte Verbindungen zu volkstümlichen Ursprüngen und zu den Höhen der russischen Kultur.

Als Schüler von D. Schostakowitsch, ausgebildet am Leningrader Konservatorium (1936-41), ein bemerkenswerter Kenner der Poesie und Malerei, der selbst über eine herausragende poetische Begabung verfügte, wurde er in der kleinen Stadt Fatezh in der Provinz Kursk in der Familie von geboren ein Postangestellter und ein Lehrer. Sowohl Sviridovs Vater als auch seine Mutter waren Einheimische und stammten aus der Bauernschaft der Dörfer in der Nähe von Fatezh. Die direkte Kommunikation mit der ländlichen Umgebung, wie der Gesang des Jungen im Kirchenchor, war natürlich und organisch. Es waren diese beiden Eckpfeiler der russischen Musikkultur – Volkslied und spirituelle Kunst – die von Kindheit an im musikalischen Gedächtnis des Kindes lebten und zur Stütze des Meisters in seiner reifen Schaffensperiode wurden.

Frühe Kindheitserinnerungen sind mit Bildern der südrussischen Natur verbunden – Auen, Felder und Gehölze. Und dann war da noch die Tragödie des Bürgerkriegs von 1919, als Denikins Männer in die Stadt eindrangen und den jungen Kommunisten Wassili Swiridow töteten. Es ist kein Zufall, dass der Komponist immer wieder auf die Poesie des russischen Dorfes zurückgreift (Gesangszyklus „Mein Vater ist ein Bauer“ – 1957; Kantaten „Kursker Lieder“, „Wooden Rus“ – 1964, „Bastard Man“ – 1985; Chorwerke) und zu schrecklichen Erschütterungen revolutionärer Jahre („1919“ – 7. Teil von „Gedicht zum Gedenken an Jesenin“, Sololieder „Ein Sohn traf seinen Vater“, „Tod eines Kommissars“).

Das ursprüngliche Datum von Sviridovs Kunst kann sehr genau angegeben werden: Von Sommer bis Dezember 1935, in weniger als 20 Jahren, schrieb der zukünftige Meister der sowjetischen Musik einen heute bekannten Romanzenzyklus auf der Grundlage von Puschkins Gedichten („Annäherung an Izhora“, „ „Winter Road“, „The Forest Is Dropping...“, „To the Nanny“ usw.) ist ein Werk, das fest zu den sowjetischen Musikklassikern zählt und die Liste von Sviridovs Meisterwerken eröffnet. Zwar lagen noch Jahre des Studiums, des Krieges, der Evakuierung, des kreativen Wachstums und der Bewältigung der Höhen der Meisterschaft vor uns. Die volle schöpferische Reife und Unabhängigkeit kam am Rande der 40er und 50er Jahre, als man eine eigene Gattung zyklischer Gesangsgedichte fand und ihr eigenes großes episches Thema (Der Dichter und die Heimat) verwirklichte. Dem Erstgeborenen dieses Genres („Country of Fathers“ in der Zeile von A. Isaakyan – 1950) folgten Lieder nach Gedichten von Robert Burns (1955), Oratorien „Poem in Memory of Yesenin“ (1956) und „Pathetic“. (auf der Linie von V. Mayakovsky – 1959).

„...Viele russische Schriftsteller stellten sich Russland gerne als Verkörperung von Stille und Schlaf vor“, schrieb A. Blok am Vorabend der Revolution, „aber dieser Traum endet; Die Stille wird durch ein entferntes Summen ersetzt ...“ Und indem er dazu aufruft, dem „bedrohlichen und ohrenbetäubenden Lärm der Revolution“ zu lauschen, bemerkt der Dichter: „Bei diesem Summen geht es jedenfalls immer um die Großen.“ Mit dieser „Blok“-Tonart näherte sich Sviridov dem Thema der Großen Oktoberrevolution, übernahm den Text jedoch von einem anderen Dichter: Der Komponist wählte den Weg des größten Widerstands und wandte sich der Poesie Majakowskis zu. Dies war übrigens die erste melodische Beherrschung seiner Gedichte in der Musikgeschichte. Davon zeugt beispielsweise die inspirierte Melodie „Lass uns gehen, Dichter, lass uns schauen, lass uns singen“ im Finale des „Pathetischen Oratoriums“, in der die sehr figurative Struktur berühmter Gedichte sowie die weiten, freudiger Gesang: „Ich weiß, dass es eine Stadt geben wird.“ Wirklich unerschöpfliche melodische, sogar hymnische Möglichkeiten offenbarte Sviridov in Mayakovsky. Und das „Gebrüll der Revolution“ steckt im großartigen, bedrohlichen Marsch des 1. Satzes („Dreh dich im Marsch um!“), im „kosmischen“ Umfang des Finales („Glanz und keine Nägel!“) ...

Erst in den ersten Jahren seines Studiums und seiner kreativen Entwicklung schrieb Sviridov viel Instrumentalmusik. Ende der 30er – Anfang der 40er Jahre. umfassen Symphony; Klavierkonzert; Kammerensembles (Quintett, Trio); 2 Sonaten, 2 Partiten, Kinderalbum für Klavier. Einige dieser Werke erlangten in Neuausgaben des Autors Berühmtheit und fanden ihren Platz auf der Konzertbühne.

Aber das Hauptthema in Sviridovs Werk ist die Vokalmusik (Lieder, Romanzen, Gesangszyklen, Kantaten, Oratorien, Chorwerke). Hier wurden sein erstaunlicher Sinn für Verse, sein tiefes Verständnis für Poesie und sein reiches melodisches Talent glücklich vereint. Er „sang“ nicht nur die Zeilen von Mayakovsky (zusätzlich zum Oratorium – dem musikalischen Lubok „Die Geschichte von Bagels und der Frau, die die Republik nicht anerkennt“), B. Pasternaks (Kantate „Es schneit“), der Prosa von N. Gogol (Chor „On Lost Youth“), aber auch musikalisch und stilistisch aktualisierte moderne melodische Musik. Zusätzlich zu den genannten Autoren vertonte er viele Zeilen von V. Shakespeare, P. Beranger, N. Nekrasov, F. Tyutchev, B. Kornilov, A. Prokofiev, A. Tvardovsky, F. Sologub, V. Khlebnikov und andere – von Dichtern – Dekabristen bis K. Kuliev.

In Sviridovs Musik kommen die spirituelle Kraft und die philosophische Tiefe der Poesie in durchdringenden Melodien, kristallklarer Klarheit, im Reichtum der Orchesterfarben und in der ursprünglichen modalen Struktur zum Ausdruck. Beginnend mit dem „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“ verwendet der Komponist in seiner Musik Intonation und modale Elemente des alten orthodoxen Znamenny-Gesangs. Das Vertrauen in die Welt der alten spirituellen Kunst des russischen Volkes zeigt sich in Chorwerken wie „Die Seele ist traurig über den Himmel“, in den Chorkonzerten „In Erinnerung an A. A. Yurlov“ und „Puschkins Kranz“ und in dem erstaunlichen Chor Leinwände in der Musik zum Drama A. . K. Tolstoi „Zar Fjodor Ioannowitsch“ („Gebet“, „Heilige Liebe“, „Gedicht der Reue“). Die Musik dieser Werke ist rein und erhaben, sie enthält eine große ethische Bedeutung. Im Dokumentarfilm „Georgy Sviridov“ gibt es eine Episode, in der der Komponist in Bloks Museumswohnung (Leningrad) vor einem Gemälde stehen bleibt, von dem sich der Dichter selbst fast nie getrennt hat. Dies ist eine Reproduktion eines Gemäldes des niederländischen Künstlers K. Massis „Salome mit dem Kopf Johannes des Täufers“ (Anfang des 16. Jahrhunderts), in dem die Bilder des Tyrannen Herodes und des für die Wahrheit gestorbenen Propheten deutlich kontrastiert sind. „Der Prophet ist ein Symbol des Dichters, seines Schicksals!“ - sagt Sviridov. Diese Parallele ist kein Zufall. Blok hatte eine erstaunliche Vorahnung der feurigen, turbulenten und tragischen Zukunft des kommenden 20. Jahrhunderts. Und basierend auf den Worten von Bloks beeindruckender Prophezeiung schuf Sviridov eines seiner Meisterwerke: „Stimme aus dem Chor“ (1963). Blok inspirierte den Komponisten immer wieder, der auf der Grundlage seiner Gedichte etwa 40 Lieder schrieb: Solominiaturen, den Kammerzyklus „Petersburger Lieder“ (1963) und kleine Kantaten „Traurige Lieder“ (1962), „Fünf Lieder über Russland“ ( 1967) und zyklische Chorgedichte „Night Clouds“ (1979), „Songs of Timelessness“ (1980).

Zwei weitere Dichter, die ebenfalls prophetische Züge besaßen, nehmen in Sviridovs Werk einen zentralen Platz ein. Dies sind Puschkin und Yesenin. Basierend auf den Gedichten von Puschkin, der sich selbst und die gesamte zukünftige russische Literatur der Stimme der Wahrheit und des Gewissens unterordnete und dem Volk mit seiner Kunst selbstlos diente, schrieb Sviridov neben einzelnen Liedern und Jugendromanen 10 großartige Chöre von „Puschkin“. Kranz“ (1979), wo die Harmonie und Lebensfreude die strenge Reflexion des Dichters allein mit der Ewigkeit durchbricht („Sie schlagen Zorya“). Yesenin ist Sviridovs engster und in jeder Hinsicht wichtigster Dichter (ca. 50 Solo- und Chorwerke). Seltsamerweise lernte der Komponist seine Gedichte erst 1956 kennen. Die Zeile „Ich bin der letzte Dichter des Dorfes“ schockierte und wurde sofort zur Musik, aus deren Keim „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“ entstand – ein bahnbrechendes Werk für Sviridov, für die sowjetische Musik und allgemein dafür, dass unsere Gesellschaft viele Aspekte des russischen Lebens dieser Jahre versteht. Yesenin hatte, wie Sviridovs andere Haupt-„Co-Autoren“, eine prophetische Gabe – bereits Mitte der 20er Jahre. er prophezeite das schreckliche Schicksal des russischen Dorfes. Der „Eiserne Gast“, der „auf dem Weg des blauen Feldes“ kommt, ist nicht die Maschine, vor der Jesenin angeblich Angst hatte (wie sie einst dachten), es ist ein apokalyptisches, bedrohliches Bild. Der Gedanke des Dichters wurde vom Komponisten in der Musik gefühlt und offenbart. Zu seinen Yesenin-Kompositionen zählen Chöre, die in ihrem poetischen Reichtum zauberhaft sind („Die Seele ist traurig über den Himmel“, „Am blauen Abend“, „Herde“), Kantaten, Lieder verschiedener Genres bis hin zum Kammergesangsgedicht „Die Castaway Rus‘“ (1977).

Sviridov verspürte mit seiner charakteristischen Einsicht früher und tiefer als viele andere Persönlichkeiten der sowjetischen Kultur das Bedürfnis, die russische poetische und musikalische Sprache, die unschätzbaren Schätze der antiken Kunst, die über Jahrhunderte hinweg geschaffen wurden, zu bewahren, denn über all diesen nationalen Reichtum in unserem Im Zeitalter des völligen Zusammenbruchs von Grundlagen und Traditionen, im Zeitalter erlebter Missbräuche, drohte tatsächlich die Gefahr der Zerstörung. Und wenn unsere moderne Literatur, insbesondere durch den Mund von V. Astafiev, V. Belov, V. Rasputin, N. Rubtsov, lautstark dazu aufruft, das zu retten, was noch zu retten ist, dann hat Sviridov bereits Mitte der 50er Jahre darüber gesprochen.

Ein wichtiges Merkmal von Sviridovs Kunst ist ihre „Superhistorizität“. Es geht um Russland als Ganzes, seine Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Der Komponist versteht es immer, das Wesentliche und Unsterbliche hervorzuheben. Sviridovs Chorkunst basiert auf Quellen wie spirituellen orthodoxen Gesängen und russischer Folklore, sie bezieht in die Umlaufbahn ihrer Verallgemeinerung die Intonationssprache revolutionärer Lieder, Märsche, Reden ein – also das Klangmaterial des russischen 20. Jahrhunderts und darauf Auf der Grundlage eines neuen Phänomens erwachsen Kraft und Schönheit, spirituelle Kraft und Durchdringung, das die Chorkunst unserer Zeit auf ein neues Niveau hebt. Es gab eine Blütezeit der russischen klassischen Oper und den Aufstieg der sowjetischen Symphonie. Heute ist die neue sowjetische Chorkunst, harmonisch und erhaben, die weder in der Vergangenheit noch in der modernen ausländischen Musik ihresgleichen hat, ein wesentlicher Ausdruck des geistigen Reichtums und der Vitalität unseres Volkes. Und das ist Sviridovs kreative Leistung. Was er entdeckte, wurde von anderen sowjetischen Komponisten mit großem Erfolg weiterentwickelt: V. Gavrilin, V. Tormis, V. Rubin, Yu. A. Nikolaev, A. Kholminov usw.

Sviridovs Musik wurde zu einem Klassiker der sowjetischen Kunst des 20. Jahrhunderts. dank seiner Tiefe, Harmonie und engen Verbindung mit den reichen Traditionen der russischen Musikkultur.

Georgi Wassiljewitsch Sviridow widmete sich von Beginn seiner Karriere an der Vokal- und Chormusik. Romanzen zu den Gedichten von Puschkin von Lermontov Blok, Liederzyklen zu den Worten von Beranger, Burns und Isaakyan Prokofjew wurden in den goldenen Fundus der sowjetischen Gesangsliteratur aufgenommen. Sviridov ist ein origineller Vokal- und Chorkomponist. Sviridovs stimmliches und chorisches Schaffen ist einzigartig in seiner Breite, die verschiedene poetische Stile abdeckt. Der Komponist wandte sich der Poesie von Shakespeare und Burns, Puschkin und Lermontow, Nekrasow und Isaakjan, Majakowski und Pasternak, Prokofjew, Orlow, Twardowski und anderen zu, aber Sviridows Favoriten waren immer zwei wahrhaft russische Dichter, in denen er ewige Themen fand, die in sind Stimmen Sie sich mit heute ab - A. Blok und S. Yesenin.

Sviridov hatte eine reiche melodische Begabung. Die Melodie ist singend, russisch, gefühlvoll – das „Allerheiligste“ von Sviridovs Schaffen. Die Definitionen von Sviridovs Stil sind charakteristisch: „Sviridovs Werk ist ein Lied im wörtlichen (Interesse an Gesangsgenres, Aufmerksamkeit für das Wort) und im übertragenen Sinne (unermüdliche Verherrlichung des Mutterlandes) des Wortes“ und „Liedhaftigkeit“ im weiteren Sinne des Wortes als Prinzip, das die Besonderheiten des Thematismus bestimmt, wird zu einer der Hauptqualitäten, die das Nationale in seinem Werk offenbaren.

Sviridovs Meisterschaft im Chorschreiben zeigte sich besonders in seinen „Fünf unbegleiteten Chören zu den Worten russischer Dichter“, die 1959 zwischen zwei Chorbildern entstanden: „Gedicht zum Gedenken an S. Yesenin“ und „Pathetisches Oratorium“. Dieses Werk offenbart wichtige Stilmerkmale des Komponisten. Sie sind in vielerlei Hinsicht bezeichnend für die Entwicklung einer der Richtungen des modernen Chorschaffens. Als beste Studie zum Werk von E. Sviridov gilt zu Recht die Monographie von A. Sokhor, deren Materialien wir bei der Analyse von Chorwerken verwenden.

„Fünf unbegleitete Chöre“ (1959) wurde nach Gedichten verschiedener Dichter geschrieben, die durch das Hauptthema von Sviridovs Werk vereint sind – das Thema des Mutterlandes, ein kollektives Bild des russischen Landes, seiner Natur und seiner Menschen, wunderschön in ihrer Aufrichtigkeit und Spiritualität Reinheit. Es ist kein Zufall, dass Sviridovs Musik als „Quintessenz“ von allem Russischen gilt: Natur, Landschaft, menschliche Seele, Gesang, Poesie, Religion. Ein tiefes Eindringen in die Seele des Volkes, ein Verständnis für die Natur der russischen melodischen Musik – in Bauern- und Stadtliedern, in Znamenny-Gesängen – weckt Analogien zur Musik Rachmaninows. Der Komponist versteht es, in seinem Werk gesellschaftlich bedeutsame Themen und Texte, Bilder seiner Heimat und heroische Seiten der Revolutions- und Bürgerkriegsgeschichte zu verbinden. Aber das patriotische Hauptthema, das Thema der Liebe zum Vaterland, erhält in ihm eine lyrische und philosophische Verkörperung. Als Einführung in die Sammlung dient der Refrain „On Lost Youth“ (basierend auf einem Prosaauszug aus dem zweiten Band von „Dead Souls“ von N.V. Gogol) – Erinnerungen an vergangene Kindheit und Jugend. Der zweite und fünfte Chor der Sammlung sind nach Gedichten von S. Yesenin, dem Lieblingsdichter des Komponisten, geschrieben. Der dritte und vierte Bericht erzählen von der Begegnung eines Sohnes mit seinem Vater und von „der Geburt eines poetischen Liedes“ und basieren auf Gedichten von Dichtern der Sowjetzeit – A. Prokofjew und S. Orlow.

Im Refrain „About Lost Youth“ wird die Erzählung aus der Perspektive des Solisten (Autors) erzählt. Der Solopart betont die Bedeutung semantischer Details und wird dem Chorgesang ohne Worte gegenübergestellt. Die Melodie des Chores wird durch die Intonation und den Rhythmus des Textes bestimmt. Die Musik enthält elegische Traurigkeit, die für alltägliche Liebesromane charakteristisch ist (Teil 1), und die Bitterkeit des Verlusts (Teil 2). Daher die homophone Struktur (Solo- und Begleitstimmen). Die zweiteilige Strophenform wird sowohl durch den Tonplan als auch durch die Variabilität der Funktionen in Kadenzen hervorgehoben. Die melodischen Phrasen der Kadenzen dieses Chors gehen in das Hauptmaterial des nächsten zweiten Chors „In the Blue Evening“ ein, bilden dessen Ausgangspunkt und verbinden beide Chöre mit thematischer Einheit, wie von A. N. Sokhor angedeutet. Der intonationsthematische Zusammenhang dieser Chöre zeigt sich in der Ähnlichkeit der Themen und Handlungsstränge ihrer kompositorischen Grundlage. Diese Ähnlichkeit wird jedoch vom Komponisten als Voraussetzung für den Kontrast ihrer Opposition genutzt.

Im zweiten Refrain „In the Blue Evening“ wird die Erzählung im Auftrag des Autors erzählt, aber vom Chor vorgetragen. Die Bildhaftigkeit des musikalischen Bildes wird in den Vordergrund gerückt, was nach der Beschreibung von A. N. Sokhor: „Alles ist berauschend schön und von Verträumtheit gefärbt.“ „Was für eine innere Schönheit, Strenge und Zurückhaltung im Ausdruck von Gefühlen diese wahrhaftige Musik ist.“ Nur zuweilen wird die große Eleganz der Gesamtfärbung von durchdringenden Tönen tiefer Trauer und Enttäuschung übertönt. Der Übergang vom kurzen „Requiem“ (Männerquartett mit Bratschen) zum „endlosen“ Dur hinterlässt einen bleibenden Eindruck Kadenz, als würde er die alten Jugendträume in einem müden Herzen wiederbeleben, schien Sviridov Yesenin in nichts nachzustehen: Der Dichter war dem Dichter der Worte ebenbürtig“, schreibt O. Kolovsky.

„Ein Sohn traf seinen Vater“ ist ein Heldenlied voller emotionaler Intensität über eine dramatische Episode des Bürgerkriegs. Es steht dem Thema aus dem „Gedicht zum Gedenken an Jesenin“ nahe („Die Bajonette und Gürtel der Roten Armee leuchten, hier können sich Vater und Sohn treffen“). Ein Fragment des Liedchens von S. Yesenin (aus „Lied vom Großen Marsch“) entfaltet sich im Chor (nach dem Text von A. Prokofjew) auf der Bühne. Das lyrische Konzept des Chores gibt den Geist einer epischen Erzählung und Legende wieder. Die Handlung offenbart keine dramatischen Ereignisse; sie wird im Subtext angedeutet. Der Refrain ist in freier Form geschrieben und besteht aus fünf Episoden. Der energiegeladene Männerchor mit melodischem Auf und Ab im punktierten Rhythmus erinnert an die tapferen Lieder der Donkosaken. In vielfältiger Variabilität verändert sich nicht nur die intonation-rhythmische und textliche Grundlage der Musik, sie transformiert sich auch in die Gattung des Refrains. Die Variation des Refrains dient als dramatisches Ausdrucksmittel. Der erste Teil ist durch die Chorbesetzung, in der sich Männer- und Frauenchöre abwechseln, in zwei Hälften gegliedert. Die zweite Folge, vorgetragen von einem Frauenchor („Auf dem wüsten Weg“), klingt sanft wie ein lyrisches Mädchenlied. Anschließend vereinen sich die Chorgruppen und präsentieren eine einstimmige Strophenform. Den dramatischen Kontrast und Höhepunkt bilden die 3. und 4. Episode („Der Wind ging mit unsicherem Gang“ und „Der Pfau spreizte seinen Schwanz ...“). Der gemischte Chor klingt kompakt, kraftvoll, die Tonlage steigt, das Tempo beschleunigt sich, Abweichungen in paralleles Moll und alles bricht ab. Nach einer langen Pause beginnt der letzte Abschnitt mit einer majestätischen, hellen Melodie – einer Hymne an die Zukunft, die den Sieg des Lebens über den Tod bekräftigt. Bei diesem Chor ist alles auf kontrastierende Vergleiche aufgebaut: Zuerst singt der Männerchor, dann der Frauenchor. Im ersten Tutti ist die harmonische Struktur dreiteilig (es gibt auch eine Unisono-Episode). In der letzten Folge gebe es eine „farbenfrohe und klangliche Modulation von den hellen Tönen eines Genrebildes zu den Halbtontönen eines friedlichen Gefühls“. Die Chorstruktur verstärkt den harmonischen Reichtum durch Komplexe (wodurch teilweise die Melodie des Chorgesangs ohne Worte dupliziert wird).

„Wie das Lied geboren wurde“ – gefühlvoller Text. Hinter der scheinbaren äußeren melodischen und rhythmischen Monotonie (Versvariationsform) verbirgt sich eine Fülle von Gefühlen, die Schönheit der russischen Seele, Poesie. „Hier wurde ein Merkmal von Sviridovs Stil besonders meisterhaft demonstriert – Subvokalität in all ihren Erscheinungsformen: Alles beginnt mit einem bescheidenen, einstimmigen Refrain, dann „bleibt“ eine der Stimmen in Form eines Pedals „stecken“, die andere beginnt zu Echo Es entsteht die dreistimmige Hauptstruktur des Werkes, die später vertikal und horizontal komplexer wird; aus dem Pedal erwächst ein eleganter kontrapunktischer Linienverlauf. klingende Chorstruktur, genau wie in einem Volkslied. Dieser Chor kann mit solchen Beispielen des subvokalen russischen Stils wie dem Chor der Dorfbewohner, Mussorgskys Opernchören und einigen Chören aus Schostakowitschs „Zehn Gedichten für den Chor“ verglichen werden vom allgemeinen Stil des Volksliedes ab, sondern setzt in seinem Werk auch individuelle Intonations- und Strukturmuster der Volksliedkunst um und bereichert sie mit den Mitteln professioneller Kompositionstechnik.

„Tabun“ ist ein Lied über Russland. Im weiten Heldenchor männlicher Stimmen bietet sich ein Panorama heimischer Räume. Liebe zu Russland, Bewunderung für seine Natur, ein ungewöhnlich poetisches Bild eines Sonnenuntergangs, eine nächtliche Pferdeherde, der Klang eines Hirtenhorns – erfüllen den Klang des Chores mit besonderer Ehrfurcht. Schöne Momente der Tonaufnahme weichen philosophischen Überlegungen. Die Chortextur ist reich an Techniken der Chorpräsentation (vom Unisono bis zum Tutti, Chorbass-Oktavisten-Pedal, Singen mit geschlossenem Mund), farbenfroh (Modulationen, strukturelle Variabilität) und emotional. Den semantischen Abschluss bildet eine stolze hymnenartige Melodie mit den Worten: „Loving your day and night Darkness.“ Für dich, oh Mutterland, habe ich dieses Lied komponiert!“ Die Partitur dieses Chores ist reich an Kontrasten: häufige Wechsel von Rhythmen, Texturen, Gesangs- und Chorfarben: Nach zwei Episoden mit transparenter Textur klingt beispielsweise die schwere siebenstimmige Stimme vor dem Hintergrund des Chorpedals sehr beeindruckend - wie ein „Horizont“, der im Schlussteil wiederum durch klangvolle und melodiöse Akkorde ersetzt wird.

In kompositorischer Hinsicht ähnelt die poetische Einheit von „Fünf Chöre“ der Struktur eines der „Jesenin“-Zyklen des Komponisten, „Mein Vater ist ein Bauer“. Durch den Rahmen „vom Autor“ erhalten alle Chöre einen lyrischen Ton.

Diese A-cappella-Chöre spiegelten alle wesentlichen Stilmerkmale von Sviridov wider; Gesanglichkeit (in der Melodie der Chöre und in der Stimmführung), modale Diatonie und Subvokalität mit ihrer strukturellen und harmonischen Variabilität der Funktionen (das Vorherrschen von Tertian-Beziehungen mit Dur-Chören); für die russische Musik typische kleine Schwingungen), Merkmale der Formation (die Rolle von Versvariationen und Strophenformen), Vielfalt der Chorkompositionen, Klangfarbenreichtum der Chororchestrierung - von der Melodie bis zur Harmonie, die Verwendung von Divisi in allen Stimmen, insbesondere bei Männern Stimmen, die Sviridov wegen ihrer Stärke, Dichte und Fundamentalität schätzt (drei Bassstimmen und eine enorme Bedeutung von Textur und Harmonie).

Merkmale des Chorschreibens:

1. Die dominierende Stellung nimmt die Sphäre der Gesangsgattungen ein, die Welt des Komponisten ist die menschliche Stimme;

2. Interesse an Volksmusik, ihren Intonationen, Modi, ihrem inneren Geist und Inhalt;

3. Die Grundlage von Chören ist eine melodische Ebene, die auf der Begleitung (Instrument oder anderen Stimmen) basiert;

4. Charakteristische diatonische Melodien, Helligkeit;

5. Tonharmonie, lange Zeit bewegungslos, eine schwer fassbare Berührung – die Überlagerung eines Akkords;

6. Tonliche Zurückhaltung. Die meisten Chöre haben eine unveränderliche Tonart (auch in angrenzenden Teilen von Zyklen);

7. Rhythmus – geprägt von Einfachheit, kann aber auch äußerst skurril sein (wie im Refrain „By the Green Shore“ aus der Kantate „Night Clouds“);

8. Arten der Chorstruktur:

1) Ausdruckskraft von Sviridovs Begleitungen. In Chorwerken gibt es immer eine Schichtung des musikalischen Gefüges in zwei Schichten – die Haupt- und Hilfsschicht (Begleitung). Daher werden der Melodie anhaltende Klänge in einer „anderen“ Klangfarbe (oder einer anderen Gruppe eines gemischten Chors, eines Solos oder anderer Methoden der Klangerzeugung – geschlossener Mund, Vokalklang usw.) hinzugefügt.

2) Akkord, Chortyp („Am blauen Abend“, „Du singst mir dieses Lied“). Eine polyphone Textur ist in der klassischen Form nicht zu finden, da die Vermischung und Verflechtung von Linien nach Ansicht des Komponisten den Ausdruck poetischer Gedanken beeinträchtigt. Und Sviridov schätzte die größte Klarheit der Worte.

9. Das wichtigste Prinzip ist die Verbindung zwischen Worten und Musik. Er ordnet das Wort niemals der Musik unter, illustriert den Text nicht, er liest die Hauptidee, die Hauptstimmung des Verses, und seine Musik stärkt das Wort – sie ist eine Ausdrucksform des Verses und des Gedankens („Über die verlorene Jugend“) ”);

10. Verwendet die Poesie von Puschkin, Jesenin, Lermontow, Blok, Majakowski, Prokofjew.

Erzählt von Andrey Andreevich Zolotov, Professor, berühmter Kunsthistoriker, Kunst- und Musikkritiker, Verdienter Künstler Russlands: Georgy Vasilyevich Sviridov ist ein Gigant der russischen Kultur. Ich hatte das Glück, fast 40 Jahre lang mit ihm zu kommunizieren. Ich lernte sein Werk 1959 bei der Premiere von „Poem in Memory of Sergei Yesenin“ kennen, und dann gab es die Premiere von „Pathetic Oratorio“. 1960 trafen wir uns persönlich. Beziehungen wurden schrittweise aufgebaut. Wir hatten eine sehr enge, familiäre Beziehung. Die Persönlichkeit war unglaublich interessant. Eine Person, die ständig auf der spirituellen Suche war.

Sein letztes großes Werk, über das ich als erster eine Rezension schrieb, ist „Prayers and Chants“. Die Uraufführung fand in Leningrad statt und eine Rezension wurde in der Zeitung Prawda veröffentlicht. Ironisch, oder? Aber darin lag eine Art Bewegung, der Wunsch, etwas zu bekräftigen. Alles ist nicht einfach. Aber die Veröffentlichung in der Prawda lieferte eine ideologische Rechtfertigung für Swiridows Arbeit. Die Gesellschaft bewegte sich damals auf Veränderungen zu, viele Menschen brachten diese Veränderungen näher. Und in der Prawda-Zeitung gab es auch Leute, die sich der russischen Kunst verbunden fühlten und die die russische Tradition nicht zerstören, sondern bewahren und stärken wollten. „Gebete und Hymnen“ sind Werke, die für einen Gottesdienst geschrieben wurden, aber aus verschiedenen Gründen dort nicht aufgeführt wurden, ebenso wie Tschaikowsky und Rachmaninow.

Es sollte jedoch dennoch beachtet werden, dass einige von Sviridovs Gesängen jetzt während des Ostergottesdienstes in der Christ-Erlöser-Kathedrale und in einigen anderen Kirchen aufgeführt werden. Obwohl Sviridov nicht schrieb, um in Kirchen aufgeführt zu werden, sondern um eine Atmosphäre der Spiritualität in Konzertsäle zu bringen. „Gebete und Gesänge“ spiegelten den Zustand des Komponisten selbst, seine Gebetsstimmung wider.

Ein unaussprechliches Wunder

Sviridov ist eine sehr interessante Person. Einerseits starb sein Vater durch die Hand der Weißen; er ist der Autor des „Pathetischen Oratoriums“, in dem Majakowskis Gedichte die Sowjetmacht verherrlichen. Das heißt, er war ein völlig sowjetischer Mensch. Aber wenn Sie darüber nachdenken, ist dann alles so klar? Sviridovs „Pathetisches Oratorium“ sind natürlich die Gedanken des Dichters. Und schauen Sie: Einer der Teile erzählt von der Flucht von Wrangel. Aber das ist nicht Swiridows Flucht, das ist eine Tragödie.

Pathetisches Oratorium. Über die Flucht des Gens. Wrangel.

Sviridov hat eine Szene von solch einer Shakespeare-Intensität geschaffen, dass Sie staunen werden! Das ist eine grandiose Tragödie für ein ganzes Volk. Oder in „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“ – auch das Aufeinandertreffen von Sohn und Vater, dieser Zusammenstoß, wird sehr dramatisch dargestellt. Sviridov schien Yesenin durch die Musik in die große kosmische Umlaufbahn der russischen Kultur zu bringen. Grundsätzlich ging die musikalische Entwicklung der Poesie von Sergei Yesenin in Richtung Alltagsgesang – darin liegt etwas Originelles, aber dennoch ist dies nicht das Element hoher Poesie. Sviridov erhob Jesenin auf ein so hohes Podest – er stellte ihn neben Puschkin und Blok. Das ist seine Leistung.

Gedicht zum Gedenken an Sergej Yesenin

Oder nehmen Sie seine kleine Kantate nach den Gedichten von Boris Pasternak „Es schneit...“ – auch das war eine Art spiritueller Akt, denn Georgi Wassiljewitsch nahm Pasternaks unveröffentlichtes und offiziell unveröffentlichtes Gedicht, das im Samizdat verbreitet wurde, in dem es war die folgenden Zeilen: „Meine Seele, traurige Frau / O alle in meinem Kreis, / Du bist zum Grab / derer geworden, die bei lebendigem Leib gefoltert wurden.“

Kantate nach Gedichten von B. Pasternak. Seele

Sviridov erlaubte sich, ein Wort von Pasternak zu ersetzen: Boris Leonidovich hatte es – „und in unserer Zeit ist es egoistisch“, und Sviridovs Wort wurde: „Und in unserer Zeit ist es schwierig.“ Aber auf jeden Fall war Sviridovs Berufung auf Pasternaks unveröffentlichtes Werk eine Tat!

A. Zolotov mit G. Sviridov

Sviridov war ein gläubiger, sehr unruhiger Mensch – ein künstlerischer, leidenschaftlicher Mensch. Mittlerweile haben in der kreativen Community viele seine Aussagen aufgegriffen, die kürzlich von seinem Neffen veröffentlicht wurden. Aber ich möchte sagen (ich habe es bereits gesagt und wiederhole es noch einmal!), dass dieses Buch äußerst interessant ist, aber einige Texte könnten dort gelegen haben, wo seine Aussagen lebende Menschen betreffen. Und ich wiederhole: Das waren immer noch Aufnahmen für mich selbst, nicht für die Öffentlichkeit. Natürlich griffen einige Leute bestimmte Aussagen auf, die nicht ganz abstoßend waren, und begannen, ihn von seinem Podest zu stürzen. Natürlich kann man ihn von der Höhe seines musikalischen Genies nicht umwerfen. Es ist möglich, eine Person zu verleumden, aber das ist kleinlich. Und sehr traurig. Sviridov war ein sehr kluger, wenn auch leidenschaftlicher Mensch.

Im Laufe eines oder mehrerer Tage hintereinander könnte er sich zum gleichen Thema unterschiedlich äußern. Ich erinnere mich, wie er einmal äußerst lobend über die Lieder des Komponisten Andrei Pawlowitsch Petrow sprach und sagte, dass es ihm gelungen sei, das Lied in den Rang einer Symphonie zu erheben. Aber gleichzeitig war er mit Andrei Petrovs Aktivitäten als Leiter des Komponistenverbandes von St. Petersburg nicht wirklich einverstanden und schrieb etwas darüber (ich wiederhole für sich selbst!). Daher enthält das Buch keine Aussagen über Lieder, sondern nur darüber, was für ein Anführer Petrov war. Sie müssen sehr vorsichtig sein, wenn Sie die Noten anderer Leute beurteilen. Es ist eine heikle Angelegenheit, die Aussage des Künstlers zu interpretieren. Anlässlich des Todes von Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch hielt er im Großen Saal des Konservatoriums eine erstaunliche Rede – das Publikum weinte. Denn Georgi Wassiljewitsch war Schostakowitschs Freund, sein Schüler. Er vergötterte Schostakowitsch, und selbst er schätzte Swiridow sehr, sehr hoch. Und in diesem Buch gibt es Materialien darüber, wie er sich auf die Trauerrede vorbereitete. Maxim Dmitrijewitsch Schostakowitsch sagte, das sei das Beste, was man über seinen Vater sagen könne. Aber gleichzeitig verteidigte Sviridov seinen eigenen kreativen Weg. Er hatte die Theorie, dass die Symphonie mit Schostakowitsch endete und sich die Vokalmusik weiterentwickeln sollte – und in dem Buch finden sich Anmerkungen, die Sviridovs Klarstellung seines kreativen Credos widerspiegeln. Und das gibt den Kritikern von Georgi Wassiljewitsch die Möglichkeit, Swiridow Undankbarkeit gegenüber seinem Lehrer, gegenüber Schostakowitsch, vorzuwerfen. Und niemand erinnert sich an die sorgfältige Vorbereitung der Trauerrede. Mit einem Wort, wir sind oft unfair zueinander – wir müssen das Beste wertschätzen, was in uns ist. Am Ende sind die Menschen das Beste, was wir haben. Die Menschen sind anders als die Bevölkerung. Die Bevölkerung kann gezählt werden, aber die Menschen können nicht gezählt werden. Es gibt große Nationen, kleine Nationen – und jede Nation hat ihre eigenen Probleme. Daher ist Sviridov für mich eine Person, die in seiner Zeit die russische Kultur, das russische Denken, den russischen Charakter und die russische Spiritualität in der modernen Kunst etabliert hat.

In unseren Gesprächen erinnerte er sich oft an Bloks Worte: „Russland ist für mich eine lyrische Größe.“ In meinem Film über Sviridov sagt er das sogar. Russland als lyrische Größe ist nicht nur eine Metapher, sondern auch eine spirituelle Realität.

Film „Komponist Sviridov“ nach dem Drehbuch von A.A. Zolotova